Informations

Vénus avec tiroirs

Vénus avec tiroirs


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.


Vénus avec tiroirs - Histoire

La conquête de l'irrationnel


Les tiroirs secrets de l'inconscient

Les tiroirs qui s'ouvrent sur les figures humaines et autres de Dali sont devenus aussi universellement familiers que ses montres souples. Les Vénus de Milo avec tiroirs ou Le Cabinet anthropomorphe ont imprimé des images dahniennes indélébiles dans la mémoire visuelle de millions de personnes. Avant de peindre ce dernier, Dali a réalisé un certain nombre de dessins préparatoires détaillés au crayon et à l'encre. La peinture a été conçue comme un hommage aux théories psychanalytiques de Freud, que Dali (sans surprise) vénérait. Dali considérait son propre sujet comme un moyen allégorique de retracer les innombrables parfums narcissiques qui s'échappaient de chacun de nos tiroirs (comme il le disait). Et il déclara que la seule différence entre la Grèce immortelle et la Grèce actuelle était Sigmund Freud, qui avait découvert que le corps humain, purement néo-platonicien à l'époque des Grecs, était maintenant rempli de tiroirs secrets que seule la psychanalyse pouvait ouvrir. Dali connaissait les figures de meubles du maniériste italien du XVIIe siècle Giovanni Battista Bracelli, et elles ont sans aucun doute influencé ses propres figures à tiroirs. Pour Bracelli, cependant, les figures de meubles étaient un jeu joué avec la géométrie et l'espace, jeu d'esprit, tandis que pour Dali, trois siècles plus tard, une approche similaire exprimait le besoin central et obsessionnel de comprendre l'identité humaine.


Le Cabinet anthropomorphe
1936


Vénus de Milo avec tiroirs
1936


Femme aux tiroirs
1936


Visage de fourmi. Dessin pour le catalogue Veste de l'exposition de Dali
à la galerie Alex Reid et Lefevre à Londres
1936

Les objets de rêve surréalistes de Dali portaient la marque indubitable de sa propre personnalité unique et ont pris d'assaut la scène artistique parisienne. Des éléments tels que le Veste de dîner aphrodisiaque ont été exposées pour la première fois chez Charles Ratton en mai 1936, puis à l'Exposition internationale surréaliste de Londres en juillet et chez Julien Levy à New York en décembre. Parallèlement, Dali réalise la couverture du huitième numéro de Minotaure- un minotaure dalinien typiquement féminin, avec tiroir et homard - et a contribué à des écrits clés sur l'art et l'esthétique pour le magazine. Dans "Le Surréalisme spectral de Peternel feminin preraphaelite" (un titre qui incorporait le "féminin éternel" de Goethe et l'art anglais du XIXe siècle dans la boussole de Dali), il insistait sur le fait que le bien-être esthétique de l'esprit ne pouvait venir que de la santé du corps, du toucher, de mastication. Bien que les femmes de l'art préraphaélite anglais fussent à la fois les plus désirables et les plus terrifiantes qu'on puisse imaginer, elles n'en étaient pas moins des créatures que l'on pouvait manger avec la plus grande peur. A Dali, ils rappelaient " cette légendaire source nécrophile " de Botticelli, qu'il jugeait acceptable en ce qu'elle représentait " la chair saine du mythe " mais discutable dans son incapacité à établir la splendeur et le faste matériel de la légende occidentale. Dali a poursuivi en affirmant que la morphologie préraphaélite était une invitation permanente à s'imprégner des entrailles sanglantes des profondeurs esthétiques de l'âme, et a décrit Cézanne comme " une sorte de maçon platonicien " qui " refusait de reconnaître la courbure géodésique ".


Téléphone Homard
1936


Couverture du magazine "Minotaure"
1936


Étude pour la couverture de "Minotaure", n°8
1936


Le grand paranoïaque
1936

À ce stade, Dali a abordé sa théorie des lignes géodésiques, déclarant que les momies égyptiennes avaient de précieuses leçons à enseigner et continuant à écrire sur l'art du vêtement, qui marque le point d'accès transitoire de la surface extérieure au royaume intérieur de musculaire et finalement osseux. Vêtements de nuit et de jour du corps, une illustration destinée à Bazar de Harper ou Vogue, met en évidence la rencontre de Dali de diverses tensions : on ne peut dire avec certitude où commencent et se terminent le corps, les vêtements, voire la garde-robe ou la fenêtre. La blouse est dotée d'un zip qui permet d'ouvrir deux portes battantes. Dali remarquera par la suite que la constante tragique de la vie humaine était la mode, c'est pourquoi il aimait tant travailler avec Chanel et Schiaparelli. Il croyait que le concept de s'habiller était une conséquence du traumatisme le plus puissant de tous, le traumatisme de la naissance. De plus, il sentit que regarder des mannequins défiler et défiler, c'était voir des anges de la mort annoncer l'approche de la guerre.

" Le Surréalisme spectral de Peternel feminin preraphaelite" était un texte de base à l époque. Dali poursuivit : "Il est donc naturel que lorsque Salvador Dali parle de ses découvertes paranoïaques-critiques dans le domaine de la représentation visuelle, les spectateurs platoniciens de l'éternelle pomme Cézanne ne prennent pas au sérieux ce qu'ils considèrent comme une manière frénétique de vouloir toucher tout (même l'immaculée conception de leur pomme) et, pire encore, vraiment tout manger et tout mâcher, d'une manière ou d'une autre. Mais Salvador Dali ne cessera de faire campagne pour cette vision hypermatérialiste, qui est cruciale pour tout processus épistémologique en esthétique qui inclut la chair et les os de la biologie - une vision d'un vaste étranger, une vision de désillusion hégémonique et d'exaltation sentimentale. »


Vêtements de nuit et de jour
1936


10 dessins d'artistes féminines que l'histoire a sous-estimés

Ce n'est un secret pour personne que les femmes artistes ont été négligées et sous-estimées tout au long de l'histoire de l'art. De la peinture à la sculpture en passant par la photographie, les tomes d'art de tous les médias ont tendance à être remplis d'hommes européens blancs morts (DWEM). Et le monde du dessin ne fait pas exception. Pendant des années, les femmes sur le terrain ont été mises à l'écart par les hommes, qu'il s'agisse de leurs contemporains, de leurs partenaires amoureux ou de leurs mentors.

Bien que nous ne puissions pas changer l'histoire, nous pouvons regarder en arrière et reconnaître l'immense talent de certains des meilleurs artistes pour prendre le stylo sur papier. Une exposition intitulée « Venus Drawn Out » rend hommage à ces visionnaires et à leur formidable impact sur le cours de l'art contemporain. Les quelque 35 pièces exposées se composent d'œuvres d'artistes emblématiques du XXe siècle, dont Louise Bourgeois, Helen Frankenthaler, Eva Hesse, Lee Krasner, Yayoi Kusama, Georgia O'Keeffe et Betye Saar, entre autres. L'exposition, organisée par la commissaire indépendante Susan Harris, aura lieu à l'intérieur de l'Armory Show de cette année à New York.

"Nous sommes en 2014, et nous avons toujours cette conversation", a expliqué Harris à GalleristNY. "Les batailles livrées dans les années 70 ont certainement ouvert la voie à de nombreuses femmes artistes d'aujourd'hui. Mais les gens se demandent toujours : 'Pourquoi les prix ne sont-ils pas les mêmes ? les collections permanentes y a-t-il tellement plus d'artistes masculins ?' J'ai pensé que ce serait un lieu parfait pour se concentrer sur les femmes."

On attend avec impatience cette exposition-dans-une-exposition, qui souligne à la fois le chemin parcouru et le chemin qu'il nous reste à parcourir en matière de femmes dans les arts. Voici 10 œuvres d'artistes féminines qui appartiennent aux rangs de l'histoire de l'art.

1. Jennifer Bartlett


Mars Bermudes (maison P15), 1998 Pastel sur papier, 60 x 60 cm, Image reproduite avec l'aimable autorisation d'Armand Bartos

2. Hélène Frankenthaler


Relay II, 1976, Techniques mixtes sur papier 22 1/2 x 29 1/2 pouces, Image reproduite avec l'aimable autorisation d'Armand Bartos

3. Sherrie Levine


Sherrie Levine, After Miro, 1985, Aquarelle et mine de plomb sur papier 14 x 11 pouces (35,56 x 27,94 cm) Signé et daté au verso, Image reproduite avec l'aimable autorisation d'Armand Bartos

4. Anni Albers


Wall XI, 1984 Aquarelle sur sérigraphie, Courtesy the Josef and Anni Albers Foundation and Alan Cristea Gallery

5. Georgia O'Keeffe


No. 36 – Special, 1920, Titres alternatifs No. 36 Special, The Nicotine Flower, Special No. 36, Aquarelle sur papier vélin très épais, blanc, rugueux, 15 1⁄2 x 11 1⁄4 pouces, inégal, feuille, Avec l'aimable autorisation de la Gerald Peters Gallery, NY

6. Yayoi Kusama


Nets & Red No. 8, 1958, Aquarelle et pastel sur papier avec filet en nylon, 20,3 x 25,4 centimètres (20,3 x 25,4 centimètres) Courtesy Michael Rosenfeld Gallery, New York, Stand #206

7. Pat Steir


Ligne flottante, avec l'aimable autorisation de Thomas Schulte, Berlin

8. Lee Krasner


Sans titre, 1965, gouache sur papier, 25" x 38", signé et daté, ligne de crédit : avec l'aimable autorisation de Michael Rosenfeld Gallery LLC, New York, NY

9. Nancy Spéro


F111, 1968, gouache et encre sur papier, 35 3/4" x 23 3/4", signé et daté, Credit Line : Courtesy of Michael Rosenfeld Gallery LLC, New York, NY

10. Lee Krasner (prendre deux)


Water No. 2, 1968, gouache sur papier Douglas Howell 18" x 22", signé et daté, Credit Line: Courtesy of Michael Rosenfeld Gallery LLC, New York, NY

"Venus Drawn Out" se déroulera du 6 au 9 mars 2014 dans le cadre de l'Armory Show.


Q : J'ai six de ces assiettes Wedgwood marquées du mot « Rustique » sur une banderole à travers la marque en forme de vase et « Copyright depose 3 » b.

Des ventes notables aux trésors perdus depuis longtemps découverts dans les sous-sols, nous couvrons toutes les actualités sur les antiquités et les objets de collection. Cherchez-le tous les mercredis!

Rester connecté! Inscrivez-vous à notre newsletter hebdomadaire GRATUITE — Kovels Komments

Rejoignez des dizaines de milliers d'autres collectionneurs qui reçoivent cet e-mail hebdomadaire gratuit avec des conseils d'initiés, des nouvelles, des notes et d'autres nouvelles des Kovels


Combien valent les peintures de Salvador Dali ?

Les peintures de Salvador Dali sont extrêmement précieuses, les peintures rapportant souvent des millions de dollars aux enchères. Même ses plus petites pièces, impressions et films peuvent se vendre des dizaines à des centaines de milliers de dollars. Cela est dû à la qualité de son catalogue et à sa stature d'un des grands artistes du XXe siècle. Le prix le plus élevé jamais payé pour une pièce de Salvador Dali était de 21 671 110 $ pour la peinture Portrait de Paul Éluard (1929) le 10 février 2011. Ce n'est en aucun cas une valeur aberrante, Dali a vendu plusieurs tableaux pour plusieurs millions de dollars.


Classique

Salvador Dalí (1941 - 1989)

> analyse de l'art, des peintures et des œuvres.

La poésie de l'Amérique (1943)

Avoir une image de haute qualité de La poésie de l'Amérique pour votre ordinateur ou ordinateur portable. ‣ Ce grand tableau a été peint dans une chambre du Del Monte Lodge à Monterey, en Californie. Ici, la doctrine dalinienne a été appliquée avec succès pour retranscrire les images obsessionnelles, fruit des années d'exil de Dali et Gala passées en Amérique pendant la Seconde Guerre mondiale. Le dynamisme américain est représenté par les deux personnages principaux, des footballeurs, et par le petit personnage posé sur l'appendice au dos de celui de gauche il tient une balle en équilibre sur son doigt et symbolise la vitalité physique des nègres. Dans ce travail, Dali a exprimé sa prémonition des difficultés qui surgiraient entre les citoyens noirs et blancs après la guerre en peignant une douce carte de l'Afrique accrochée à l'horloge au fond. Pour lui, la bouteille de Coca-Cola est aussi prémonitoire. Il m'a fait remarquer (Robert Descharnes) récemment qu'il avait peint la bouteille avec une minutie photographique près de vingt ans avant qu'Andy Warhol et les artistes pop américains ne commencent à faire la même chose. Ils ont été surpris de voir cette toile du peintre catalan datée de 1943 alors qu'ils pensaient être les premiers à s'intéresser à ce genre d'objet anonyme et banal.

Parlant de la vitalité du peuple américain, Dali a donné l'explication suivante dans une interview enregistrée à l'été 1966 : "Ce que le peuple américain préfère, c'est : d'abord, le sang - vous avez vu tous les grands films américains, en particulier les films historiques il y a toujours des scènes où le héros est battu de la manière la plus sadique du monde et où l'on assiste à de véritables orgies de sang ! Deuxièmement, les Américains aiment les montres molles. Pourquoi ? Parce qu'ils regardent toujours leurs montres. Ils sont toujours pressés , terriblement pressée par le temps, et leurs montres sont horriblement rigides, dures et mécaniques. Ainsi, le jour où Dali a peint pour la première fois une montre souple, ce fut un grand succès ! Car pour une fois cet objet affreux, qui marquait minute par minute la séquence inéluctable de leur vie et leur rappelait leur affaire urgente, tout d'un coup était devenue molle comme du camembert quand il est à son meilleur, quand il se met à couler. C'est quand ils voient des petits enfants tués. Pourquoi? Car, selon les plus grands psychologues des Etats-Unis, le massacre des innocents est le thème de prédilection, celui que l'on retrouve au plus profond de leur subconscient, puisqu'ils sont constamment agacés par les enfants, si bien que leur libido se projette remplissant les surfaces cosmiques de leurs rêves. Si les Américains adorent les orgies sanglantes et le massacre des innocents et les montres molles qui tournent comme du vrai camembert français quand c'est juste, c'est parce que ce qu'ils aiment le plus au monde, ce sont les "points", ou bits de données, ces bits d'information qui symbolisent la discontinuité de la matière. C'est pour cette raison que tout le Pop art d'aujourd'hui est composé de « points » d'informations. »

Galarine (1945)

Avoir une image de haute qualité de Galarina pour votre ordinateur ou ordinateur portable. ‣ Gala a souvent été représenté dans les œuvres de Dali. On pourrait même dire qu'elle est la seule femme dont le visage et la silhouette y apparaissent sans cesse le peintre dit : « C'est l'être le plus rare à voir, la superstar qui ne peut en aucun cas être comparée à La Callas ou Greta Garbo, car on peut voir souvent, alors que Gala est un être invisible, l'anti-exhibitionniste par excellence. Chez Salvador Dali, il y a deux premiers ministres l'un est ma femme, Gala, et l'autre est Salvador Dali. Salvador Dali et Gala sont les deux êtres uniques capable de modérer et d'exalter mathématiquement ma folie divine."

Ce portrait appartient à la période classique de l'artiste. Il a été peint en Amérique un peu avant la fin de la Seconde Guerre mondiale. "Commencé en 1944", écrit Dali dans le commentaire du catalogue de son exposition à la galerie Bignou en 1945, "il m'a fallu six mois de travail trois heures par jour pour terminer ce portrait. J'ai nommé ce tableau Galarina parce que Gala est pour moi ce que La Fornarina était pour Raphaël. Et, sans préméditation, revoilà le pain. Une analyse rigoureuse et perspicace met en lumière la ressemblance des bras croisés de Gala avec les côtés de la corbeille de pain, sa poitrine semblant être l'extrémité de la croûte. J'avais déjà peint Gala avec deux côtelettes sur l'épaule pour retranscrire l'expression de mon désir de la dévorer. C'était à l'époque de la chair crue de mon imagination. Aujourd'hui, maintenant que Gala s'est hissée dans la hiérarchie héraldique des ma noblesse, elle est devenue ma corbeille de pain."

Ce tableau a été peint aux États-Unis en 1944-45, trois ans après que Dali eut épousé Gala lors d'une cérémonie civile. Cela se faisait au moment où l'artiste prétendait avoir découvert pour la première fois de sa vie la vraie façon de peindre, c'est-à-dire avec sur et sous-peinture. Pour lui, celle-ci est infiniment plus subtile dans ses tonalités que les tableaux peints auparavant. Il le relie déjà à la période de Léda Atomica, alors qu'il effectuait tous les travaux de recherche technique liés à la matière. Cette recherche l'absorbe tellement qu'il finit par ne pas prêter attention aux conversations et même aux remarques que Gala lui fait. En évoquant cet épisode, il raconte l'anecdote suivante : « C'était exactement à cette période que je me réveillais la nuit pour déposer une goutte de vernis, plus ou moins, sur un tableau. C'était la folie totale. Puis Gala - nous étions en pleine guerre au moment même où les Américains partaient pour le Pacifique - m'a dit : " Vraiment, que feriez-vous si un jour il vous arrivait la même chose qu'à ces garçons qui doivent partir pour la guerre en avions tous les jours pour aller combattre ? Il me semble qu'à côté de ça tes problèmes techniques ne sont pas si insolubles ! C'est beaucoup moins dramatique Et j'ai répondu : " S'ils devaient me faire une chose pareille, s'ils insistaient pour parachutisme » - parce qu'à l'époque il y avait une possibilité que des étrangers soient enrôlés - « eh bien, dans ce cas, je ne VOUS laisserais pas partir. J'avais complètement oublié qu'il s'agissait de mon départ et j'étais convaincu que si quelqu'un devait partir à la guerre, ce serait Gala !"

Le bracelet qu'elle porte à son poignet est une création Fabergé d'inspiration moghole que Dali aimait énormément. Il l'a utilisé placé autour de la cheville de sa femme dans la peinture Péché originel, que l'on peut voir aujourd'hui au musée Boymans-van Beuningen à Rotterdam. Le serpent,. ainsi que tous les bijoux de Gala, ont été volés quelques années plus tard dans la chambre de l'hôtel dans lequel le couple séjournait en Californie.

Une seconde avant de se réveiller d'un rêve causé par le vol d'une abeille autour d'une grenade (1944)

Avoir une image de haute qualité de Une seconde avant de se réveiller d'un rêve causé par le vol d'une abeille autour d'une grenade pour votre ordinateur ou ordinateur portable. ‣ Rêve causé par le vol d'une abeille a été peint alors que Dali et Gala vivaient en Amérique. Le titre complet explique le sujet et le contenu de la peinture, qui a été prise d'un rêve que Gala a rapporté à Dali. Il annonce que ce tableau est la première illustration de la découverte de Freud, que des stimuli extérieurs peuvent être à l'origine d'un rêve.

Le catalyseur du rêve, qui est la grenade, est suspendu dans l'air avec l'abeille qui vole vers elle. Derrière la grenade, le rêve de Gala se déroule sur une mer d'un bleu éclatant. Une Gala nue est endormie alors qu'elle plane au-dessus d'une pierre, une allusion au sentiment de flottement commun qui peut se produire dans les rêves.

À gauche de Gala se trouve une énorme grenade qui répand des graines sur la mer en contrebas. De la grenade émerge un poisson rose en colère, la bouche grande ouverte. Un tigre hargneux bondit hors du poisson. De ce tigre émerge un autre, sa queue dans la gueule du précédent. Les tigres se précipitent vers Gala, les griffes au poing, mais c'est la baïonnette, miroitant l'aiguillon de l'abeille, qui la réveillera.

Tristan et Isolde (1944)

Avoir une image de haute qualité de Tristan et Isolde pour votre ordinateur ou ordinateur portable. ‣ Les figures de Tristan et Isolde représentées sur cette toile ont été peintes par Dali en 1944 comme toile de fond pour le ballet Bacchanale, interprétée sur la musique de Wagner et présentée pour la première fois en 1944 sur la scène de l'International Theatre de New York. L'histoire de ce ballet, dont Dali a écrit le livret, a commencé avant la guerre. A cette époque, ce titre était Tristan fou. Elle devait être jouée à Paris avec la chorégraphie de Léonide Massine, les décors du prince Charvachidze et des costumes sur lesquels Coco Chanel a souhaité utiliser de la vraie hermine et de véritables pierres précieuses.La guerre a empêché la production à Paris, et plus tard le marquis Georges de Cuevas a décidé de mettre en scène le spectacle à New York. "Comme pour tout le reste", écrit Dali dans La vie secrète, "ma Tristan fou, qui devait être mon entreprise théâtrale la plus réussie, n'a pas pu être donné alors il est devenu Vénusberg et enfin Bacchanale, qui est la version définitive." Le ballet est un terrain favorable pour que Dali mette en pratique sa méthode paranoïaque-critique avec d'heureux résultats. Malheureusement, la plupart du temps ses directives n'ont pas été suivies exactement dans la production du décor et la mise en scène de ses idées. semblaient souvent trop difficiles à exécuter dans la pratique, ils étaient trop coûteux et ils ne pouvaient être acceptés en vertu des règles de sécurité normalement appliquées aux théâtres.

Les deux dernières collaborations de Dali en ballets datent de 1961, lorsqu'il participa avec Maurice Béjart à la mise en scène de La dame espagnole et le cavalier romain par Scarlatti et un Ballet de Gala pour lequel il a écrit le livret, conçu les décors et les costumes, et a exigé un rideau formé de motos pétaradantes, accrochées les unes aux autres, et un vrai boeuf-ecorche-de-Rembrandt qui devait être remplacé à chaque représentation pour exercer sur les spectateurs l'effet paralysant de sa fraîcheur.

Ma femme, nue, regardant son propre corps (1945)

Avoir une image de haute qualité de Ma femme, nue, regardant son propre corps pour votre ordinateur ou ordinateur portable. ‣ Ma femme, nue, regardant son propre corps est l'un des nombreux portraits de Gala où elle est vue de dos. Dali a déclaré qu'il avait instantanément réalisé que Gala était l'incarnation de son amour d'enfance, la femme qu'il attendait, en la voyant revenir, ce qu'il croyait

Sur le mur à droite de Gala se trouve une tête de pierre grecque, qui souligne le style classique de la peinture. Hormis le Gala architectural surréaliste, ce tableau peut être considéré comme classique.

Gala regarde devant elle pour voir son propre corps, comme l'explique le titre, se transformer en architecture. Les pointes de ses cheveux sont formées de maçonnerie rappelant celle de l'autoportrait, Le grand masturbateur (1929). La colonne qui serait l'épine dorsale de Gala est métallique, créant un commentaire visuel sur la force et la ténacité de sa femme. À l'intérieur du Gala architectural se trouve la minuscule silhouette d'un homme, semblant perdu dans une immense cage.

La Tentation de Saint Antoine (1946)

Avoir une image de haute qualité de La Tentation de Saint Antoine pour votre ordinateur ou ordinateur portable. Dans ce tableau la tentation apparaît à saint Antoine successivement sous la forme d'un cheval au premier plan représentant la force, parfois aussi le symbole de la volupté, et sous la forme de l'éléphant qui le suit, portant sur son dos la coupe d'or de luxure dans laquelle une femme nue se tient en équilibre précaire sur le piédestal fragile, une figure qui souligne le caractère érotique de la composition. Les autres éléphants portent sur leur dos des bâtiments dont le premier est un obélisque inspiré de celui du Bernin à Rome, les deuxième et troisième sont chargés d'édifices vénitiens dans le style de Palladio. Au fond, un autre éléphant porte une haute tour qui n'est pas sans connotation phallique, et dans les nuages ​​on aperçoit quelques fragments d'Escorial, symbole de l'ordre temporel et spirituel. Le thème de l'éléphant apparaît plusieurs fois dans les œuvres de Dali de cette période : par exemple, dans Atomica mélancolique de 1945 et Triomphe de Dionysos de 1953.

Ce tableau a été peint dans l'atelier que l'artiste a occupé quelques jours à côté du Colony Restaurant à New York. C'est la première et unique fois qu'il participe à un concours. Il s'agissait d'un concours artistique sur invitation pour un tableau sur le thème de la tentation de saint Antoine, organisé en 1946 par la Loew Lewin Company, une société de production cinématographique. La photo gagnante devait figurer dans un film tiré du conte "Bel Ami" de Maupassant. Onze peintres ont participé au concours, parmi lesquels Leonora Carrington, Dali, Paul Delvaux, Max Ernst et Dorothea Tanning. Le prix a été décerné à Max Ernst par un jury composé d'Alfred Barr, Marcel Duchamp et Sidney Janis. Toutes ces œuvres ont été présentées lors d'une exposition à Bruxelles et à Rome en 1947.

Dématérialisation près du nez de Néron (1947)

Avoir une image de haute qualité de Dématérialisation près du nez de Néron pour votre ordinateur ou ordinateur portable. ‣ Dématérialisation près du nez de Néron, bien qu'un bon exemple de la période « mystique nucléaire » de Dali, témoigne également d'un style plus classique. Avec une ironie typique, Dali a écrit que « les deux pires choses qui puissent arriver à un ex-surréaliste aujourd'hui sont, premièrement, devenir un mystique et deuxièmement, savoir dessiner. le même temps".

Contre une plaine d'Amfordan, une énorme grenade a été épissé, comme un atome, en deux parties. Les graines débordent de la grenade, flottant dans l'air entre les deux moitiés. Un buste de Néron plane au-dessus du cube disséqué qui abrite la grenade. Le buste lui-même s'est divisé en quatre parties (ou alternativement, les quatre parties se réunissent pour former un tout). L'utilisation par Dali d'un thème classique tel que Néron est soulignée par l'architecture classique qui plane au-dessus de la tête de Néron. Cependant, ce n'est pas seulement le contenu qui marque le style classique de cette peinture, le travail au pinceau est méticuleux, la représentation réaliste et l'équilibre à l'intérieur évoque également le style classique, tout en étant l'interprétation de Dali de la force atomique.

Portrait de Picasso (1947)

Avoir une image de haute qualité de Portrait de Picasso pour votre ordinateur ou ordinateur portable. ‣ Dali a peint le portrait de son compatriote génial en Californie. Il est intéressant de le comparer avec le sien Autoportrait doux avec bacon grillé, peint six ans plus tôt au même endroit.

Ce portrait pourrait s'intituler Portrait officiel paranoïaque de Pablo Picasso, car Dali a rassemblé ici tous les éléments folkloriques qui dépeignent de manière anecdotique les origines du peintre andalou. Sa renommée est affirmée par son buste monté sur un socle, symbole de la consécration officielle les seins dépeignent l'aspect nutritif de Picasso tandis qu'il porte sur sa tête le lourd rocher de la responsabilité de l'influence de son œuvre sur la peinture contemporaine. Le visage lui-même est un mélange d'un sabot de chèvre et de la coiffe du buste en marbre gréco-ibérique, le Dame d'Elche, qui rappelle les origines andalouses et malgaches de Picasso. Le folklore ibérique se termine par un œillet, une fleur de jasmin et la guitare. Parlant de l'œuvre de ce Titan peu après sa mort, Dali a déclaré : « Je crois que la magie dans l'œuvre de Picasso est romantique, en d'autres termes, la racine de son bouleversement, alors que la mienne ne peut se faire qu'en s'appuyant sur la tradition. Je suis totalement différent de Picasso puisqu'il ne s'intéressait pas à la beauté, mais à la laideur et moi, de plus en plus, à la beauté mais la beauté laide et la belle beauté, dans les cas extrêmes des génies comme Picasso et moi, peuvent être de type angélique."

La Madone de Port Lligat (1950)

Avoir une image de haute qualité de La Madone de Port Lligat pour votre ordinateur ou ordinateur portable. ‣ Cette immense toile, l'une des plus célèbres de Dali, marque le début d'une nouvelle période dans son œuvre. En même temps, c'est le premier tableau si grand, c'est le premier des tableaux religieux, et il annonce l'époque corpusculaire. L'ensemble de la composition s'articule autour du pain eucharistique visible à travers un trou au centre du corps de Jésus, le point d'intersection des lignes diagonales indiquant le milieu du tableau. Gala est représentée comme la Vierge et aussi comme les angles de seiche sur le côté droit de la toile. Un petit garçon de Cadaques appelé Juan Figueras a servi de modèle à l'enfant Jésus.

"La Madone de Gala incarne toutes les vertus géologiques de Port Lligat », écrivait le peintre en 1956 « par exemple, la nourrice, du dos de laquelle la table de nuit a été prise, a cette fois été sublimée dans le tabernacle de chair vivante à travers lequel le ciel céleste peut être vu , et à son tour un autre tabernacle découpé dans la poitrine de l'enfant Jésus, contenant du pain eucharistique en suspension. Dali au Pape Pie XII pour approbation et est maintenant à l'Université Marquette. À propos de la toile plus grande, Dali m'a commenté (Robert Descharnes): "Cette image en raison de sa taille était destinée à connaître de nombreux mésaventures. Au milieu d'une terrible tempête, nous avons dû faire venir un entrepreneur à Port Lligat pour agrandir la fenêtre de la pièce, la pièce avec les oiseaux, car la toile sur son châssis ne passait pas par la fenêtre. Puis Gala a dû louer un camion, car il était trop gros pour le train, pour l'acheminer d'abord à Paris puis au Havre, afin de l'acheminer par bateau vers l'Amérique. À New York, il était trop grand pour n'importe quel ascenseur qu'ils devaient hisser avec une corde jusqu'aux fenêtres de l'étage sur lequel se trouvait la Carstairs Gallery et où il devait être exposé. Le marchand, George Keller, a lui-même dit à l'époque : « Ce tableau est magnifique, mais je ne pourrai jamais le vendre, car il n'y a pas de maison assez grande pour cela, et il coûte trop cher de l'expédier. C'est pourtant celui qui m'a ouvert les portes à la vente de tous mes grands tableaux." Aujourd'hui La Madone de Port Lligat fait partie de la collection de Lady Beaverbrook au Canada. Il n'est jamais montré dans les expositions rétrospectives car, pour le sortir, il faudrait défoncer la porte ou sortir une des fenêtres de la bibliothèque où il est accroché.

Christ de Saint Jean de la Croix (1951)

Avoir une image de haute qualité de Christ de Saint Jean de la Croix pour votre ordinateur ou ordinateur portable. ‣ La plus populaire de toutes les œuvres religieuses de Dali est sans aucun doute son Christ de Saint Jean de la Croix, dont la figure domine la baie de Port Lligat. Le tableau s'inspire d'un dessin conservé au couvent de l'Incarnation à Avila, en Espagne, et réalisé par saint Jean de la Croix lui-même après avoir vu cette vision du Christ lors d'une extase. Les personnages à côté du bateau sont tirés d'un tableau de Le Nain et d'un dessin de Velazquez pour La reddition de Breda. Au bas de ses études pour le Christ, Dali écrivait : « En premier lieu, en 1950, j'ai fait un ‘rêve cosmique’ dans lequel je voyais cette image en couleur et qui dans mon rêve représentait le ‘noyau de l'atome. ' Ce noyau prit plus tard un sens métaphysique je le considérai comme « l'unité même de l'univers », le Christ ! la Croix, j'ai élaboré géométriquement un triangle et un cercle, qui résumaient « esthétiquement » toutes mes expériences précédentes, et j'ai inscrit mon Christ dans ce triangle."

Cette œuvre fut considérée comme banale par un important critique d'art lors de sa première exposition à Londres. Néanmoins, quelques années plus tard, il fut tailladé par un fanatique alors qu'il était accroché au Glasgow Museum, preuve de son effet étonnant sur les gens. Dali raconte que lorsqu'il terminait le tableau à la fin de l'automne 1951, il faisait si froid dans la maison de Port Lligat que Gala décida brusquement de faire installer le chauffage central. Il se souvient des moments de terreur qu'il vécut alors, craignant pour sa toile sur laquelle la peinture était encore humide, avec toute la poussière soulevée par les ouvriers : « Nous l'avons emmenée de l'atelier à la chambre pour que je puisse continuer à peinture, recouverte d'une feuille blanche qui n'ose pas toucher la surface de l'huile. J'ai dit que je ne croyais pas pouvoir refaire mon Christ s'il devait lui arriver un accident. C'était une véritable angoisse cérémonielle. En dix jours la centrale le chauffage a été installé et j'ai pu finir le tableau afin de l'emmener à Londres, où il a été exposé pour la première fois à la Galerie Lefèvre." Lors de la Biennale d'Art de Madrid, avec d'autres œuvres du peintre, le général Franco a demandé que deux des huiles du maître de Figueras soient apportées au palais d'El Pardo - Panier de pain et Christ de Saint Jean de la Croix.

Tête Raphaelesque Explosant (1951)

Avoir une image de haute qualité de Tête raphaelesque qui explose pour votre ordinateur ou ordinateur portable. ‣ C'est encore une autre œuvre dans laquelle Dali combine des images et des références à de nombreuses facettes différentes de sa vie dans un tout. La fascination classique de Dali pour la structure atomique, un retour aux influences de la Renaissance et ses origines religieuses se rejoignent dans cette œuvre remarquable.

L'intérêt de Dali pour les formes parfaites l'a amené à idolâtrer les cornes de rhinocéros que l'on peut voir flotter au-dessus du sourcil gauche du personnage. Ces cornes représentent la conviction de Dali que la base de la vie elle-même était en effet une spirale. Le visage de la Madone est ici représenté dans un état de fragmentation nucléaire, illustrant ainsi davantage le point de Dali. La couronne de la tête semble être constituée d'un plafond voûté, certainement une référence à l'amour de Dali pour tout ce qui est classique, et peut-être aux ruines d'Ampurius près de sa maison d'enfance.

Asummpta Corpuscularia Lapislazulina (1952)

Avoir une image de haute qualité de Asummpta Corpuscularia Lapislazulina pour votre ordinateur ou ordinateur portable. ‣ Assomption Corpusculaire Lapis-lazuli répète plusieurs des images vues dans Tête raphaelesque qui explose (1951). On peut voir la silhouette du Panthéon, dont le sommet agit comme un halo sur la tête de Gala. Comme la Madone, Gala explose, son corps délimité par les cornes de rhinocéros qui tourbillonnent autour du tableau.

Au-dessus d'un autel se trouve la figure du Christ crucifié. Le modèle du Christ était un garçon de Cadaques appelé Juan dont les Dalis étaient très proches, le traitant comme un fils adoptif. Le corps du garçon forme un triangle, une forme répétée par les bras et la tête de Gala au-dessus. Dali a fait poser un sol en verre dans son atelier afin de pouvoir regarder de haut en bas ses modèles afin de recréer cette perspective.

Dali considérait ce tableau comme une interprétation de l'idée du philosophe Nietzsche de la force naturelle, bien que nous ayons ici Gala en tant que "super-femme", montant au ciel par sa propre force innée. Dans une explication ultérieure de l'œuvre, Dali a écrit que Gala s'élevait au ciel avec l'aide des « anges anti-matière ». La peinture peut être interprétée comme le corps de Gala en train de se désintégrer ou de s'intégrer.

Crucifixion (Corpus Hypercubus) (1954)

Avoir une image de haute qualité de Crucifixion (Corpus Hypercubus) pour votre ordinateur ou ordinateur portable. ‣ Au débarquement du bateau à vapeur Amérique au Havre le 27 mars 1953, à son retour de New York, Dali annonce aux journalistes réunis autour de lui qu'il va peindre un tableau qu'il qualifie lui-même de sensationnel : un Christ explosif, nucléaire et hypercubique. Il a dit que ce serait le premier tableau peint avec une technique classique et une formule académique mais en fait composé d'éléments cubiques. À un journaliste qui lui a demandé pourquoi il voulait représenter le Christ en train d'exploser, il a répondu : « Je ne sais pas encore. D'abord j'ai des idées, je les explique plus tard. Cette image sera le grand travail métaphysique de mon été.

C'est à la fin du printemps 1953 à Port Lligat que Dali a commencé cette œuvre, mais elle est datée de 1954, année où elle a été achevée puis exposée au mois de décembre à la Carstairs Gallery de New York. La peinture peut être considérée comme l'une des plus importantes de ses huiles religieuses dans le style classique, avec La Vierge de Port Lligat, Christ de Saint Jean de la Croix, et Le dernier souper, qui se trouve à la National Gallery de Washington, D.C.

« Le cubisme métaphysique et transcendant » est la façon dont Dali définit son image, dont il dit : « Il est entièrement basé sur le Traité de la forme cubique par Juan de Herrera, architecte de Philippe II, constructeur du palais de l'Escurial c'est un traité inspiré par Ars Magna du philosophe et alchimiste catalan Raymond Lulle. La croix est formée par un hypercube octaédrique. Le nombre neuf est identifiable et devient surtout consubstantiel au corps du Christ. La figure extrêmement noble de Gala est l'union parfaite du développement de l'octaèdre hypercubique au niveau humain du cube. Elle est représentée devant la baie de Port Lligat. Les êtres les plus nobles ont été peints par Velazquez et Zurbaran. Je n'approche la noblesse qu'en peignant Gala, et la noblesse ne peut s'inspirer que de l'être humain."

Crucifixion est une œuvre étonnante qui combine avec succès des éléments du mysticisme nucléaire de Dali avec son retour à son héritage catholique pendant cette période. Dans cet ouvrage, Dali nous livre une crucifixion à l'ère de la science moderne, complétant son thème commencé en Christ de Saint Jean de la Croix.

Il convient de noter en particulier l'athlétisme étonnant avec lequel le sauveur crucifié est représenté. Même les trous de clous dans les paumes et les pieds ne sont pas présents, car Salvador nous montre sa parfaite rédemption. La croix elle-même, un cube octaédrique à huit côtés, représente le reflet théorique possible d'un monde séparé en 4 dimensions. La fascination de Dali pour les mathématiques est incorporée à son retour à sa foi catholique plus tard dans sa vie. Cette union représente l'affirmation de Dali selon laquelle les deux mondes apparemment diamétralement opposés de la foi et de la science PEUVENT coexister.

D'une hauteur de six pieds, ce tableau peut être considéré comme l'un des 18 chefs-d'œuvre, ainsi nommés par M. Reynolds Morse. Gala Dali regarde la crucifixion en tant que témoin respectueux, enveloppé dans des robes dorées et blanches, debout sur un grand échiquier, tandis que le contour familier des montagnes de Catalogne s'éloigne au loin.

Désintégration rhinocéros d'Illissus de Phidias (1954)

Avoir une image de haute qualité de Désintégration rhinocéros d'Illissus de Phidias pour votre ordinateur ou ordinateur portable. ‣ Peint pendant la période corpusculaire de Dali, c'est l'un des tableaux dans lesquels l'artiste a utilisé des cornes de rhinocéros en suspension pour former une partie ou la totalité de la figure de son sujet, comme dans Tête raphaelesque qui explose de 1951, Étude paranoïaque-critique de la dentellière de Vermeer de 1954-55, ou Jeune vierge auto-sodomisée par sa propre chasteté. Les Illisos a commencé à Port Lligat au cours de l'été 1953 en même temps que Dali travaillait sur le Crucifixion (Corpus Hybercubus), aujourd'hui au Metropolitan Museum de New York. Dans son Le Journal d'un génie, Dali a rendu compte en détail de ses progrès quotidiens sur ces deux œuvres, décrivant comment il a réussi à surmonter sa peur d'entreprendre certaines surfaces de la toile, qui semblait provenir de sa peur névrotique de ne pas avoir de testicules et de toujours garder les dents trop serrées.Il a vaincu cette peur un après-midi en s'attaquant à deux choses complètement différentes : le torse et les testicules d'Illisos. Le soin qu'il a consacré chaque jour à ce tableau doit être considéré comme le travail acharné d'un peintre qui sait chercher la maîtrise en faisant une nature morte en même temps qu'il maîtrise l'atmosphère et le rendu d'une œuvre de son imagination, telle comme Crucifixion (Corpus Hybercubus). En guise de répit de la tension exigée par son travail sur le Crucifixion, il a fait le Illisos dans son atelier, en utilisant comme modèle une réplique en plâtre de cette merveilleuse sculpture de Phidias, trouvée à l'origine sur le fronton ouest du Parthénon et aujourd'hui au British Museum de Londres.

La figure mythologique est représentée en suspension au milieu de la baie de Cadaqués, où l'on aperçoit en arrière-plan le rocher appelé Cucurucuc qui se dresse à l'entrée de la baie. Le dessous de l'eau est traité de la même manière que dans deux autres tableaux, le premier daté de 1950 et intitulé Dali à l'âge de six ans quand il se croyait une jeune fille, soulevant avec une extrême précaution la peau de l'eau pour observer un chien dormir à l'ombre de la mer, et le second de 1963 : Hercule soulève la peau si la mer et arrête Vénus pour un instant de réveiller l'amour.

La Cène (1955)

Avoir une image de haute qualité de Le dernier souper pour votre ordinateur ou ordinateur portable. ‣ Cet ouvrage est un autre excellent exemple de l'idée de Dali sur le mysticisme nucléaire, dans lequel il a combiné des idées de science et de religion. Comme dans plusieurs autres chefs-d'œuvre de Dali (à savoir Le Conseil œcuménique) nous ne pouvons pas voir le visage de Dieu ici. Les éléments de l'Eucharistie catholique, le pain et le vin, sont présents sur la table, une référence directe à l'héritage catalan de Dali. Le paysage merveilleux de la patrie de Dali domine à nouveau le fond environnant, et toute la scène semble se dérouler à l'intérieur d'un bâtiment surréaliste et éthéré.

Peut-être plus important encore, cette œuvre traduit le désir de Dali de devenir Classique en ce qu'il adhère aux règles de la proportion divine. La théorie de la section d'or, telle que transmise par Euclide, a créé à Dali un tout nouveau style de peinture, dans lequel ces techniques artistiques classiques ont été élevées à des niveaux de maîtrise modernes.

Nature Morte Vivante (Nature morte vivante) (1956)

Avoir une image de haute qualité de Nature Morte Vivante (Nature Morte Vivante) pour votre ordinateur ou ordinateur portable. ‣ Les influences classiques sont à nouveau les plus répandues dans ce chef-d'œuvre. Dali a souvent peint des natures mortes telles que des tables remplies de fruits, de poisson ou de pain. Mais cette œuvre est particulièrement importante car elle montre certains de ces objets en mouvement, suggérant les thèmes de Dali du mysticisme nucléaire.

Le couteau au centre du tableau divise l'œuvre en plusieurs sections parfaites, une autre référence à l'obsession de Dali pour la méthodologie classique. Les fruits dans la partie supérieure droite de l'œuvre sont tous en mouvement nucléaire, tout comme l'un des bols à fruits et l'eau qui s'écoule de la carafe. Une main tient une corne de rhinocéros sur le côté gauche de l'œuvre, tandis qu'un fleuron de chou-fleur domine la partie supérieure droite. Tous ces objets suggèrent les formes naturelles en spirale avec lesquelles Dali était devenu si obsédé.

Les petits morceaux colorés en bas au centre de l'œuvre représentent, selon Dali, les morceaux de matière qui restent de l'époque où il a peint cette œuvre. Pris dans son ensemble, cet article est un examen approfondi des principes exposés sur Dali dans ses théories du divisionnisme et du mysticisme nucléaire. Dali a affirmé que toute la matière n'était pas du tout ce qu'elle semblait, mais avait plutôt des attributs que même lui ne pouvait que deviner. Alors que la physique nucléaire continuait à mûrir, Dali s'est quelque peu « confirmé » dans ces croyances, une fois que la vraie nature de la matière a commencé à être dévoilée.

La découverte de l'Amérique de Christophe Colomb (1959)

Avoir une image de haute qualité de La découverte de l'Amérique par Christophe Colomb pour votre ordinateur ou ordinateur portable. Depuis le premier jour où il a foulé le pavé du Paris surréaliste, Dali n'a cessé de proclamer que la plupart des pompiers les peintres et les ultra-académiciens, notamment Meissonier et l'Espagnol Mariano Fortuny, étaient mille fois plus intéressants que les représentants des « ismes » vieillissants de l'art moderne, et les objets d'art africains, polynésiens, indiens et même chinois. Il était donc normal qu'à un certain moment de sa vie il se retrouve face à face avec le patriotisme et, comme le pompiers l'a fait à la fin du XIXe siècle, il a décidé de peindre des tableaux glorifiant l'histoire de son pays.

La découverte de l'Amérique par Christophe Colomb a été peinte en 1958 et 1959. Cette huile antidatée Santiago el Grande, qui représente Saint Jacques de Compostelle, patron de l'Espagne. Dali dit que dans cette toile il a peint pour la première fois avec un frisson existentialiste : le frisson pour l'unité de la patrie. Tout y jaillit des quatre pétales d'une fleur de jasmin explosant dans un nuage atomique de génie créatif. Deux ans après avoir terminé son Découverte de l'Amérique, Dali a produit un troisième ouvrage historique, La bataille de Tétouan, inspiré du tableau du même nom de Mariano Fortuny qui se trouve au Musée d'Art Moderne de Barcelone. La découverte de l'Amérique par Christophe Colomb était une étape majeure dans la peinture de Dali de cette période. On retrouve ici pour la première fois, réunie et intimement mêlée aux styles antérieurs, la technique de sa période corpusculaire. Dans cette toile, le personnage sur la bannière est Gala et le moine agenouillé et tenant le crucifix est Dali. Dans une interview enregistrée en 1972, en parlant de cette image, il m'a dit (Robert Descharnes) qu'il avait souhaité rendre hommage à la gloire de Vélasquez. En revanche, ce qui lui paraissait plus important d'un point de vue technique, c'était d'employer un procédé utilisant les traits du photograveur qui, fortement agrandis, permettrait à l'image, prise à partir du Christ de Glasgow, pour réapparaître pour qu'il semble se mêler aux glorieuses hallebardes des guerriers espagnols, inspirées du tableau de Velazquez au musée du Prado, La reddition de Breda.

Il peut sembler surprenant de dire que Dali a décidé de peindre des tableaux glorifiant le sien pays, puis montrez Colomb découvrant l'Amérique. Cependant, il a été avancé que Colomb était un Espagnol. Il n'a jamais rien écrit en italien, tous les écrits sont en espagnol, et certains historiens pensent que sa famille a été forcée de quitter l'Espagne et de fuir en Italie. Les Catalans croient fermement qu'il était de Catalogne. Par conséquent, pour Dali, c'était le début logique de ses peintures historiques.

Trois influences majeures (autres que Gala, qui était TOUJOURS la principale muse de Dali) ont inspiré Dali pour créer ce chef-d'œuvre, qui mesure plus de 14 pieds de haut. Le premier d'entre eux était l'approche du 300e anniversaire de la mort de Velazquez, qui était très important pour Dali. La seconde était qu'il y avait un débat académique considérable à l'époque concernant la véritable nationalité de Colomb. Certains affirmaient que Colomb avait été catalan plutôt qu'italien, et Dali saisit cette occasion pour glorifier davantage sa merveilleuse Catalogne. Enfin, la galerie qui a chargé Dali de peindre cette œuvre, la Huntington Hartford Gallery, était située sur Columbus Circle à New York. La combinaison de ces 3 choses était suffisante pour inspirer Dali à des sommets de créativité merveilleux.

La nomination de Colomb pour explorer le Nouveau Monde par le roi Ferdinand et la reine Isabelle d'Espagne est représentée en haut au centre du tableau. Juste à droite de cela, les croix volantes et les lances, les étendards et les armes d'hast tenus en l'air par les figures ci-dessous sont des références directes à la peinture de Velazquez La reddition à Breda (ou Les Lances). De cette façon, Dali rend un hommage direct au maître espagnol du 17ème siècle qui l'a tant influencé.

Le centre du tableau est dominé par un jeune Colomb qui dirige l'un de ses navires sur le rivage du Nouveau Monde. Il tient dans sa main droite un étendard sur lequel le visage de Gala est représenté dans la pose de Sainte-Hélène, la mère de Constantin. Constantin était le fondateur de Constantinople et de l'Empire byzantin, qui a si fortement influencé le développement de la civilisation occidentale. À droite de Colomb, se trouve une figure agenouillée d'un moine, qui est en fait Dali, et dans le coin inférieur droit, la figure dont la tête est totalement recouverte par le manteau est représentative du côté introspectif et privé de son épouse Gala.

Dans le coin inférieur gauche, un évêque translucide tient son bâton en l'air parmi une série de croix et d'autres objets. Il s'agit de saint Narcisso, évêque de Gérone, qui avait été assassiné dans sa propre abbaye. Il y avait une légende espagnole qui disait que chaque fois qu'un envahisseur étranger pénétrait dans la zone de la tombe de Saint-Narcisse, d'énormes nuages ​​de taons se déversaient afin de chasser les envahisseurs étrangers.

Ce tableau est avant tout un hommage à l'héritage catholique espagnol de Dali. La pose de Gala sur la bannière tenue par Colomb symbolise la manière dont Gala a aidé Dali à découvrir l'Amérique. Elle était en grande partie responsable de bon nombre des pitreries pour lesquelles il est devenu célèbre, et grâce à ses conseils, Dali a atteint les sommets que nous connaissons maintenant.

Rose méditative (1958)

Avoir une image de haute qualité de Rose méditative pour votre ordinateur ou ordinateur portable. ‣ Les roses apparaissent dans de nombreuses œuvres de Dali dans les années 30, il a réalisé plusieurs peintures de femmes dont la tête était formée de roses. Dali utilise la rose comme symbole sexuel féminin. L'homme invisible (1929-32) comprend deux femmes partiellement nues avec d'énormes roses apparaissant là où devraient être leurs utérus. En 1930, Dali réutilisa cette image mais de manière plus définitive, représentant une femme nue avec des roses saignantes sortant de son ventre. Pour Dali alors, la rose représentait la menstruation et les organes reproducteurs internes des femmes.

La rose partage une structure similaire avec le Portrait de Gala avec les symptômes rhinocéros (1954). Les deux peintures ont le ciel intensément bleu familier comme toile de fond à une image centrale dominante qui plane au-dessus d'un paysage espagnol. Les peintures partagent également la même couleur rouge vif de la rose, qui contraste si efficacement avec le ciel bleu dans Portrait de Gala avec les symptômes rhinocéros, le rouge est utilisé pour la bordure sous sa tête. Dans La rose, il y a une toute petite goutte d'eau sur l'un des pétales de la fleur, aussi réaliste qu'une photographie. Dali a souvent utilisé cet effet de trompe l'oeil pour mettre en valeur un petit détail d'un tableau.

L'Ascension du Christ (1958)

Avoir une image de haute qualité de L'Ascension du Christ pour votre ordinateur ou ordinateur portable. ‣ Dali a dit que son inspiration pour L'Ascension du Christ provenait d'un "rêve cosmique" qu'il avait fait en 1950, environ huit ans avant que le tableau ne soit terminé. Dans le rêve, qui était de couleur vive, il a vu le noyau d'un atome, que nous voyons à l'arrière-plan du tableau, Dali s'est rendu compte plus tard que ce noyau était la véritable représentation de l'esprit unificateur du Christ.

Les pieds du Christ pointent du doigt le spectateur, attirant l'œil vers l'intérieur le long de son corps jusqu'au centre de l'atome derrière lui. L'atome a la même structure intérieure que la tête d'un tournesol. Comme pour la plupart des autres peintures du Christ de Dali, son visage n'est pas visible. Au-dessus du Christ se trouve Gala, les yeux humides de larmes.

La figure du Christ, de ses pieds au premier plan à ses bras tendus, forme un triangle. Dali avait utilisé la même géométrie pour son Assomption Corpusculaire Lapis-lazuli. Il a utilisé une structure triangulaire d'abord dans la peinture de 1951 Christ de Saint Jean de la Croix. L'inspiration pour cette forme est venue d'un dessin du mystique espagnol Saint-Jean-de-la-Croix, où le Christ est représenté comme vu d'en haut.

Portrait de mon frère mort (1963)

Avoir une image de haute qualité de Portrait de mon frère mort pour votre ordinateur ou ordinateur portable. Le frère de Dali, également nommé Salvador, est décédé à l'âge de deux ans, un an avant sa naissance. Il ressemblait beaucoup à son frère décédé et a déclaré que son "identification forcée avec une personne décédée signifiait que ma véritable image de mon propre corps était celle d'un cadavre en décomposition, en décomposition, mou et vermifuge". C'est la seule peinture que Dali a faite de son frère, bien que le garçon soit plus âgé que son vrai frère avant sa mort. Dali avait l'impression d'exorciser l'esprit de son frère avec ce tableau.

Le visage du garçon est créé par une matrice de points, une technique largement utilisée dans la période Pop Art des années 60. Cette technique met l'accent sur la qualité fantomatique du garçon, il est insignifiant, mais sa présence remplit le paysage. Les cheveux du garçon font également partie des ailes d'un corbeau, un oiseau souvent considéré comme un signe avant-coureur de la mort. Sous le garçon se trouve une représentation miniature de Millet L'Angélus. Dali croyait que grâce à une radiographie de L'Angélus, il serait prouvé que le panier sur lequel le couple prie était initialement le cercueil d'un enfant.

Le Toréador hallucinogène (1970)

Avoir une image de haute qualité de Le toréador hallucinogène pour votre ordinateur ou ordinateur portable. ‣ Cette grande composition verticale a été commencée à Port Lligat en 1968 et terminée en 1970, lorsqu'elle a été achetée par M. et Mme A. Reynolds pour le musée Salvador Dali de Cleveland, pour être accrochée avec leurs autres œuvres déjà assemblées là.

La double image apparaissant au centre de cet ouvrage est celle du Vénus de Milo répété plusieurs fois sous des angles différents de telle sorte que les ombres forment les traits d'un toréador dont le manteau de lumières est constitué des corpuscules obtenus par la multiplication des points et des mouches, mêlés à l'image corpusculaire du taureau mourant. La première obsession de Dali pour la Vénus de Milo remonte à 1936, lorsqu'il transforma une réplique en plâtre en Vénus de Milo avec tiroirs, mettant des tiroirs dans son corps et dans son front. Il m'a dit (Robert Descharnes) récemment qu'il n'avait pratiquement pas touché au plâtre d'origine, sur lequel il avait seulement marqué l'emplacement des tiroirs. C'est Marcel Duchamp, créateur du ready-made, qui entreprend la réalisation du modèle.

Ici, c'est dans la Vénus de Milo reproduite sur la couverture d'une boîte de crayons d'une marque bien connue que Dali a instantanément vu apparaître le visage d'un toréador. L'architecture de l'arène éclairée par les ombres du soleil à cinq heures de l'après-midi, l'heure de la corrida, est un mélange d'arènes espagnoles classiques avec des structures palladiennes vues en Italie et les portiques de l'ancien théâtre en ruine de Figueras avant sa transformation en Teatro-Museo Dali.

Dans l'ensemble, ce tableau peut être considéré comme le tableau rétrospectif le plus complet et le plus complet de la carrière de Dali. Il incorpore des éléments de la culture catalane de Dali, de son éducation religieuse et de nombreux autres éléments spécifiques de sa vie. Dali a conçu l'idée de ce tableau alors qu'il se trouvait dans un magasin de fournitures d'art. Dans le corps de Vénus, sur une boîte de crayons de cette marque, il a vu le visage du toréador. Il s'agit d'une peinture à double image qui répète l'image de la Vénus de Milo plusieurs fois de telle sorte que les ombres forment les traits d'un toréador.

Le visage du toréador est imposé sur la Vénus médiane. Le visage est incliné, les lèvres sont inclinées et le sein droit de Vénus constitue le nez du toréador. En commençant par le bouton à la taille de la deuxième Vénus à gauche, transformez cette zone en bouton de col et col homme. La jupe verte de la Vénus devient la cravate du toréador. Son abdomen devient son menton, tandis que son ventre et son sein gauche constituent le reste de son visage. Le côté droit de son visage devient l'œil du toréador, qui verse une larme pour le taureau mourant. L'arène au sommet constitue le chapeau du toréador. Le toréador apparaît à nouveau dans la figure aux contours jaunes avec les bras levés en dédicace du taureau à Gala. Elle apparaît dans le coin supérieur gauche entourée de jaune. Dali a peint Gala avec un froncement de sourcils parce qu'elle n'aimait pas les corridas.

La larme à l'œil (à la nuque de Vénus) est versée pour le taureau mourant. Les mouches légendaires de Saint-Narciso (qui proviendraient de la tombe de Saint-Narciso chaque fois qu'une puissance étrangère tentait d'envahir l'Espagne) sont montrées d'abord de manière réaliste, puis plus symboliquement où elles se fondent dans les détails de la cape du toréador. Au sommet du tableau, les mouches suggèrent les petites boules de fil noir qui étaient autrefois cousues aux résilles à cheveux portées par les toréadors du temps de Goya, et persistent encore dans les sur-tabliers noirs des vieilles femmes de l'Espagne rurale . Les sphères colorées rappellent celles des flèches de la cathédrale "Sagrada Familia" d'Antonio Gaudi. Ils font également référence à l'art optique, car les sphères créent un cube en 3D.

L'image du taureau mourant émerge du terrain rocheux du cap Creus qui apparaît juste en dessous du cap du toréador. Une grosse mouche compose l'œil. Ce qui pourrait d'abord sembler être une mare de sang sous le taureau est en réalité une baie translucide. Sur cette baie une femme apparaît sur un radeau jaune. Cette apparente incongruité symbolise l'invasion des « touristes modernes » du Cap Creus que même les mouches de Saint-Narciso n'ont pas pu arrêter ! Dali a fait remarquer un jour qu'il n'était pas trop inquiet de la profanation de son bien-aimé Cape Creus car ses rochers « finiraient par vaincre les touristes français et le temps détruirait les déchets qu'ils laissent partout ».

Au centre du premier plan en bas du tableau, un chien apparaît composé de taches de couleur expressionnistes qui pourraient être des reflets de l'eau. Ce chien a été dérivé d'une photographie de 1966 par Ronald C. James montrant un Dalmatien. Le chien a été enlevé, mais les taches sont restées. Cette photo abordait le même problème qui concernait Dali dans toutes ses doubles images : combien d'informations visuelles sont nécessaires pour reconnaître une forme ? Ce chien en ramène aussi un au tableau de 1923 Cadaqués avec son chien au même endroit, montrant l'étendue de l'art et du génie de Dali. Enfin, souvent à peine visible même dans les meilleurs scans couleur de cette œuvre, dans le coin inférieur gauche, Dali signe sa propre rétrospective avec une petite figure de lui-même en garçon. Il porte son costume de marin bleu préféré et joue avec ses jouets préférés, un cerceau et un os fossilisé.

Dali du dos de la peinture Gala du dos éternisé par six cornées virtuelles provisoirement reflétées dans six vrais miroirs (1973)

Avoir une image de haute qualité de Dali du dos de la peinture Gala du dos éternisé par six cornées virtuelles provisoirement reflétées dans six vrais miroirs pour votre ordinateur ou ordinateur portable.‣ La recherche de la troisième dimension, entièrement contrôlée par les lois rigoureuses de la perspective, joue un rôle prépondérant dans l'œuvre de Salvador Dali. Le peintre s'est toujours intéressé aux méthodes de représentation des dimensions spatiales, aux ramifications de l'optique et de la photographie, à la stéréoscopie, à l'holographie, à la stéréo-vidéo. « Dans le domaine pictural, écrit-il, mes seules ambitions étaient tournées vers la vérité optique, avant même d'arriver à Paris. J'ai toujours fait l'éloge de la photographie en couleurs. L'extrême précision avec laquelle il peint ses sujets, copiés selon ses besoins aussi bien d'après photographies que d'après nature - son talent le permet - lui fait ainsi définir la peinture. "Photographie en trois dimensions et en couleur des images ultrafines de l'irrationalité concrète, entièrement réalisées à la main."

Depuis 1961, alors que Dali étudiait la stéréoscopie, je (Robert Descharnes) ai pu collaborer directement avec lui dans tous ses travaux de recherche. En 1971, il découvre l'œuvre du peintre hollandais Gérard Dou, et il constate que plusieurs tableaux de cet élève de Rembrandt, réalisés en deux versions, présentent des caractéristiques stéréoscopiques indéniables. Il décide alors de revenir sur les expériences de Dou : partant de documents stéréoscopiques, il peint deux toiles, l'une pour l'œil gauche, l'autre pour l'œil droit. Ceux-ci semblaient être en trois dimensions, à l'aide d'un système de miroirs focalisés par Roger de Montebello. Les premières images furent décevantes, l'inconvénient majeur étant le poids du verre, sa fragilité, et l'impossibilité de se débarrasser de la double image réfléchie causée par l'épaisseur des miroirs du verre. J'ai pu résoudre ce problème, à la plus grande satisfaction de Dali, en utilisant un film plastique très étiré avec un pouvoir de réfraction supérieur à celui du verre. Grâce à ces nouvelles méthodes, la stéréoscopie cesse d'être un secret pour devenir monumentale. Allant plus loin, dépassant la peinture, j'ai proposé en décembre 1973 à Dali d'appliquer notre découverte à la télévision, en créant une vidéo-stéréo dans laquelle l'expérimentation se poursuit.

Cette planche en couleur montre la peinture pour l'œil droit fidèlement copiée par Dali à partir de la photographie stéréoscopique en noir et blanc. Tout le travail du peintre s'est tourné vers l'étude des variations de couleurs, de valeurs, et le rendu des lumières et des ombres de la toile à l'autre afin d'obtenir un effet tridimensionnel et d'offrir une nouvelle vision stéréoscopique, binoculaire, grâce à la superposition optique de ses deux tableaux.

Salvador Dalí Art

Des articles

Art Encyclopedia Une histoire mondiale de l'art en articles.
      Modernisme
            Salvador Dalí
                  Art, vie et monde surréaliste.
                  Les premières années. Art, peintures et œuvres.
                  Des années surréalistes. Art, peintures et œuvres.
                  Années classiques. Art, peintures et œuvres.


Jetez un œil à certains des grands artistes hispaniques qui ont façonné l'art et la culture occidentaux.

Diego Velácutezquez (1599 – 1660)

“The Rokeby Venus” de Diego Velázquez. c.1644 – 1648. (Photo: domaine public via WikiArt)

Né à Séville, Diego Velázquez a eu une carrière extrêmement réussie qui a fait de lui l'artiste principal de ce qu'on appelle l'âge d'or espagnol. Une grande partie de sa production artistique est liée à son rôle de peintre de la cour du roi Philippe IV, poste qu'il a occupé pendant près de 40 ans. Son style individualiste se démarquait des autres peintres baroques et ses coups de pinceau lâches allaient influencer à la fois les peintres réalistes et impressionnistes. De grands maîtres comme Picasso, Dali et Francis Bacon ont tous rendu hommage à Velacutezquez en recréant certaines de ses œuvres les plus célèbres comme Las Meninas.

Francisco Goya (1746 – 1828)

“Le 3 mai 1808 (Exécution des défenseurs de Madrid)” de Francisco Goya. 1814. (Photo : domaine public via WikiArt)

L'un des peintres les plus influents du XVIIIe siècle, Francisco Goya connu un énorme succès de son vivant. Son œuvre est souvent associée au mouvement romantique et il est considéré comme l'un des derniers grands maîtres anciens. L'un des tableaux les plus célèbres de Goya, Le 3 mai 1808 (Exécution des défenseurs de Madrid), est un chef-d'œuvre politiquement chargé qui honore la résistance espagnole pendant l'occupation du pays par Napoléon. Ce travail révolutionnaire a créé un nouveau précédent sur la façon dont les horreurs de la guerre étaient représentées dans l'art.

José Clemente Orozco (1883 – 1949)

Miguel Hidalgo y Costilla, chef de la guerre d'indépendance mexicaine par José Clemente Orozco. Détail de la peinture murale au palais gouvernemental de Jalisco à Guadalajara, au Mexique. 1949. (Photo: Photos d'archives de posztosE/Shutterstock)

caricaturiste et peintre mexicain José Clemente Orozco a contribué à inaugurer une ère importante de muralisme mexicain qui a encouragé l'unité dans le pays après la révolution mexicaine. Beaucoup de ses peintures murales, qui parlent souvent du sort des paysans et des ouvriers, sont encore visibles dans tout le pays. Son œuvre puissante peut souvent être macabre et teintée de colère face aux injustices sociales qui se produisent au Mexique. Beaucoup de ses meilleures peintures murales se trouvent à Guadalajara. Ses 57 fresques de l'Instituto Cultural Cabañas de la ville ont été inscrites au patrimoine mondial de l'UNESCO en 1997.

Frida Kahlo (1907 – 1954)


Avec son œuvre profondément personnelle et symbolique, l'artiste mexicaine Frida Kahlo est devenu l'un des artistes les plus célèbres du XXe siècle. Pendant une grande partie de sa carrière, elle a souvent été négligée en tant que simple épouse de Diego Rivera, mais l'appréciation de ses peintures n'a augmenté qu'à partir des années 1970. Fièrement fière de son identité mexicaine, elle a souvent incorporé des symboles précolombiens dans ses peintures et est connue pour sa robe mexicaine colorée. Kahlo, qui a souffert de problèmes de santé tout au long de sa vie en raison d'un accident de bus dans sa jeunesse, a vu sa carrière florissante interrompue en raison de sa mort prématurée à 47 ans. Son héritage continue de vivre et elle reste une icône de nombreux mouvements féministes et politiques.

Diego Rivera (1886 – 1957)

“L'histoire du Mexique” par Diego Rivera. 1929-1935. (Photo : photos de Florian Augustin/Shutterstock)

Avec José Clemente Orozco et David Alfaro Siqueiros, Diego Rivera était considéré comme l'un des « trois grands peintres du mouvement mural mexicain ». Les fresques de Rivera ont établi l'art mexicain au niveau international car il a aidé à forger une identité nationale basée sur Mexicanidad. Cette fierté de l'identité mexicaine est visible dans l'art de Rivera à travers sa palette de couleurs audacieuses et l'utilisation de formes simplifiées influencées par l'art maya et aztèque. Alors que certaines de ses œuvres les plus connues se trouvent à Mexico, Rivera a également beaucoup peint aux États-Unis. Sa fresque L'homme à la croisée des chemins, a été retiré du Rockefeller Center à New York en raison d'une image de Lénine dans l'œuvre.

Pablo Picasso (1881 – 1973)

“Les Demoiselles d'Avignon” de Pablo Picasso. 1907. (Photo : domaine public via Wikipédia)

Il est impossible de créer une liste de peintres hispaniques influents sans inclure Pablo Picasso. En tant qu'artiste qui a changé le visage de l'art moderne, ses contributions à la culture occidentale sont indéniables. Que nous regardions ses œuvres cubistes révolutionnaires ou que nous étudiions l'incroyable développement de son style à travers différentes périodes distinctes, il y a tant à dire sur le peintre espagnol. C'était un enfant prodige qui maîtrisait d'abord les techniques classiques avant de se lancer seul pour briser la manière traditionnelle de créer de l'art. Son œuvre est impressionnante, car il a produit environ 50 000 œuvres au cours de sa vie entre peintures, sculptures, céramiques, dessins et gravures.

Joan Miróacute (1893 – 1983)

artiste catalane Joan Miró était une force imparable dans le monde de l'art, appréciant le succès tout au long de sa vie. Ses premières peintures sont regroupées avec le mouvement surréaliste et reposent sur l'automatisme et le mdash lorsque l'inconscient est autorisé à prendre le contrôle de la peinture. Véritable artiste multimédia, Miró a souvent fait des pauses dans la peinture pour se concentrer sur la sculpture, la céramique, la scénographie et la gravure. Son travail a été très influent pour de nombreux artistes modernes, son abstraction ayant influencé les générations suivantes comme l'expressionniste abstrait Jackson Pollock. Désireux d'aider les jeunes artistes, il a créé en 1975 la Fondation Joan Miró et le Centre d'études d'art contemporain dans sa Barcelone natale.

Jean-Michel Basquiat (1960 – 1988)

Bien qu'il ait vécu jusqu'à l'âge de 27 ans, l'artiste américain Jean-Michel Basquiat a laissé une marque indélébile dans le monde de l'art. D'origine haïtienne et portoricaine, Basquiat s'est fait un nom pour la première fois lorsque l'étiquette de graffiti SAMO est apparue dans la ville de New York à la fin des années 1970. Basquiat a été l'un des premiers graffeurs de la scène underground à faire la transition vers le marché des beaux-arts, ses peintures néo-expressionnistes étant exposées dans le monde entier. Son art est rempli de commentaires sur les injustices sociales et les luttes de classe, souvent en relation avec la communauté noire. En 2017, il a établi un record pour un artiste américain aux enchères lorsque sa peinture de 1982 d'un crâne noir avec des ruisseaux rouges et noirs s'est vendue 110,5 millions de dollars.

Salvador Dalíacute (1904 – 1989)

Avec une carrière de plus de six décennies, Salvador Dal´ est l'un des artistes les plus influents de l'art moderne. Célèbre pour ses peintures surréalistes comme La persistance de la Mémoire, Dalí était aussi un sculpteur, cinéaste, photographe et illustrateur prolifique. Il a même créé un livre de cuisine basé sur les dîners légendaires que lui et sa femme Gala organiseraient. Avec une personnalité éclectique et excentrique à la hauteur de sa production artistique, il continue de captiver l'imagination du public 30 ans après sa mort.

Fernando Botero (1932 –)

peintre et sculpteur colombien Fernando Botero est connu pour son style unique et signature. Connu sous le nom de Boterisme, ce style présente des peintures et des sculptures de personnages aux proportions courbées et exagérées. En tant que l'un des artistes les plus reconnus d'Amérique latine, Botero est profondément influencé par ses racines. Son utilisation de contours forts et de couleurs plates et vibrantes est un clin d'œil à l'art populaire latino-américain. Plus récemment, son travail s'est concentré sur des thèmes politiques. Sa série 2005 Abou Ghraib, qui est basé sur des rapports d'abus militaires américains à la prison d'Abou Ghraib pendant la guerre en Irak, a attiré l'attention internationale lorsqu'il a été exposé.


Rêve causé par le vol d'une abeille autour d'une grenade une seconde avant le réveil par Salvador Dali

Dans l'une des œuvres les plus connues de Dali de l'après-Seconde Guerre mondiale, un nu allongé plane au-dessus de l'un des rochers plats de Port Lligat qui à son tour flotte sur la mer Méditerranée. Cet état d'immobilité et d'animation suspendue peut être lié au nouvel intérêt de l'artiste pour la fission nucléaire et l'énergie atomique, qui avait remplacé sa fascination antérieure pour la psychanalyse freudienne. Comme le titre de ce tableau l'indique, cependant, l'imagerie onirique était toujours au cœur de son esthétique, comme en témoigne la cavalcade alarmante de créatures féroces et d'armes dangereuses qui menacent la silhouette féminine endormie.

Dans une succession d'images en forme de chaîne, une grenade éclate pour libérer un vivaneau rouge géant qui dégorge à son tour deux tigres déchaînés, dont les formes bondissantes sont dérivées d'une affiche de cirque Ringling Bros et Barnum-Bailey. Le plus proche du nu féminin défiant la gravité est un fusil à baïonnette qui est sur le point de lui percer le bras, tandis qu'au milieu, près de l'horizon, un éléphant portant un obélisque sur le dos traverse la mer d'un bleu éclatant sur des pattes échasses. Cette créature hybride, une variation sur l'éléphant-monument du Bernin, était pour Dali un symbole de guerre et de destruction, et sa présence dans cette peinture contribue à transmettre une atmosphère de terreur et de confusion appropriée à une vision aussi cauchemardesque. L'image déconcertante d'un énorme poisson vomissant une paire de tigres bondissants semble avoir été directement inspirée de l'œuvre de Jérôme Bosch.


Bonjour Touch

Jimmyjane a été fondée par Ethan Imboden (maintenant responsable des produits d'entreprise chez frog, nous avons déjà parlé avec Imboden de la conception de jouets sexuels). La société primée de Bay Area fabrique des jouets sexuels haut de gamme, et le célèbre designer Yves Béhar a conçu le premier produit de la société. En 2013, Jimmyjane a sorti Hello Touch. Le vibromasseur est doté d'une source d'alimentation qui s'enroule autour du poignet et se connecte à des coussinets en silicone pulsants qui glissent sur le bout des doigts. Il donne à la main humaine une touche bionique.


Identifier les machines à coudre anciennes

Il y a plusieurs années, on m'a offert une ancienne machine à coudre à pédale Singer qui a été transmise par ma famille depuis quelques générations. Je n'avais aucune idée de sa date de fabrication ni de son numéro de modèle. Plusieurs pièces manquent, il n'est pas en très bon état et il n'est fondamentalement pas fonctionnel, mais c'est toujours un merveilleux souvenir de famille et j'adore l'avoir chez moi. Mon téléviseur à écran plat se trouve généralement au-dessus du meuble Singer, donc je le regarde tous les jours. Peut-être qu'un jour je le remettrai en état, et quand cela arrivera, il sera important d'en savoir un peu plus sur la machine.

Grâce à la récente célébration du 160e anniversaire de Singer, j'ai pu identifier l'année modèle de ma machine ancienne en saisissant son numéro de série dans la base de données en ligne de Singer. C'est agréable de savoir que ma machine à coudre a été fabriquée en 1907. Mais je voulais aussi connaître le numéro de modèle, ce qui, au début, me semblait être une proposition beaucoup plus difficile. Heureusement, une recherche rapide en ligne a donné plusieurs ressources qui m'ont aidé à affiner le numéro de modèle de mon chanteur.

Le meilleur et le plus facile à naviguer est le guide d'identification du chanteur en ligne Sandman Collectibles’. En vous référant à votre ancien chanteur, vous répondez à une série de questions oui/non sur les caractéristiques de votre machine. En fonction de vos réponses, le formulaire en ligne vous renvoie à d'autres questions d'identification, jusqu'à ce que vous arriviez éventuellement à un ou plusieurs modèles possibles. En utilisant ce formulaire d'identification, j'ai réduit mon modèle de chanteur à 27/28 ou 127/128. Sur la base de certains facteurs, je pense qu'il s'agit très probablement d'un modèle 127/128. Sandman Collectibles propose également à la vente de nombreux manuels d'utilisation de machines Singer vintage.

Une autre ressource très utile est le blogueur Nicholas Rain Noe’s “The Vintage Singer Sewing Machine Blog”. À travers plusieurs articles de blog, Nicholas propose des conseils tout au long du processus d'analyse des caractéristiques d'une machine et de distinction des modèles très similaires les uns des autres.

Le site Web de la Société internationale des collectionneurs de machines à coudre vaut également le détour. La société archive les manuels de machines à coudre, les publicités et autres informations et propose de nombreux documents téléchargeables sur son site Web. Il publie également des résultats de recherche, des résultats d'enchères et des informations sur la restauration de machines anciennes pour un groupe international de collectionneurs de machines à coudre.

Les accessoires mystérieux des machines anciennes peuvent être un peu plus difficiles à identifier, mais vous pouvez utiliser bon nombre des mêmes ressources disponibles pour identifier les machines. En outre, il existe de nombreux fournisseurs spécialisés dans les pièces originales ou de reproduction pour les machines anciennes et vintage, et le simple fait de comparer la pièce mystérieuse de votre machine, comme un pied-de-biche, à celles disponibles à la vente peut vous aider à comprendre son objectif. Je suis assez sûr que les deux pieds-de-biche identiques sur la photo sont des fixations pour volants (je sais que le troisième pied est une fixation à ourlet roulé).

Possédez-vous une machine à coudre vintage ou antique ? Votre antiquité est-elle un héritage familial ou une trouvaille de vente de garage ? Avez-vous identifié son modèle et son année de fabrication ? Avez-vous des ressources préférées pour identifier les machines anciennes et remplacer les pièces ?

Ma machine à coudre Singer de 1907 à pédale.

Sur la base de la série de questions posées par le guide d'identification du chanteur en ligne de Sandman Collectibles, et sur la base de détails supplémentaires, je pense qu'il s'agit d'un modèle 127/128.

Les fixations mystérieuses du pied-de-biche à gauche sont très probablement des volants, et celle de droite est assez manifestement un pied à ourlet roulé.

Inscrivez-vous à la lettre Threads

Recevez les dernières informations, notamment des astuces, des techniques et des offres spéciales, directement dans votre boîte de réception.

Recevez les dernières informations, notamment des astuces, des techniques et des offres spéciales, directement dans votre boîte de réception.


Voir la vidéo: HISTOIRES DART #13: Pas de bras.. Vénus de Milo - jphilippe mercé (Mai 2022).