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Porte intérieure, Butrint



Château de Versailles, France (c.1624-98)

Le château de Versailles (construit vers 1624-98), magnifique exemple de l'architecture baroque française, est le château royal le plus célèbre de France. L'échelle gigantesque de Versailles illustre le thème architectural de la "création par division" - une série de répétitions simples rythmiquement délimitées par la répétition des grandes fenêtres - qui exprime les valeurs fondamentales de l'art baroque et dans lequel le point focal de l'intérieur, ainsi que de l'ensemble du bâtiment, est le lit du roi. Parmi ses célèbres conceptions architecturales se trouve la Galerie des Glaces (Galerie des Glaces), qui est l'une des salles les plus célèbres au monde. Situé à une vingtaine de kilomètres au sud-ouest de Paris et au milieu d'un vaste parc, le palais et sa décoration ont stimulé une mini-renaissance de la décoration intérieure, ainsi que des arts décoratifs, aux XVIIe et XVIIIe siècles. En effet, l'art décoratif français de la période 1640-1792 - notamment le Meuble français - est synonyme des rois de France Louis Quatorze (XIV), Louis Quinze (XV) et Louis Seize (XVI), dont il tire son nom. Les nombreux designers et artisans français qui ont contribué à l'architecture, à l'ameublement et à la objets d'art, comprenait Louis Le Vau, Jules Hardouin Mansart, André le Notre, Charles Le Brun, Jean Bérain l'Ancien, André-Charles Boulle, Charles Cressent, Jean-Baptiste Oudry, François Lemoyne et Juste-Aurèle Meissonnier, entre autres. De 1682 au début de la Révolution française en 1789, le château de Versailles a abrité le roi et l'ensemble de la cour royale de France, au total quelque 3 000 habitants, ce qui en fait un symbole de l'absolutisme et de la décadence de la Ancien Régime en général, et la monarchie française en particulier. Le château royal lui-même n'est pas le seul ensemble immobilier du parc, qui comprend également cinq chapelles, plus le Grand Trianon (1687-88), le Pavillon Français (1749) et le Petit Trianon (1762-8) ainsi que 800 hectares de jardins, aménagés dans le style classique des jardins à la française.

En 1624 - sur les traces de François Ier (règne 1515-47) qui transforma un pavillon de chasse médiéval en un magnifique château, créant ainsi l'école de Fontainebleau - le roi Louis XIII (règne 1610-43) ordonna la construction d'un château de chasse gîte sur terrain à proximité du village de Versailles. Celui-ci a pris la forme d'une petite structure, conçue par Philibert Le Roy, en pierre et brique rouge. En 1632, les premiers agrandissements sont réalisés, cependant, il faudra attendre le règne de Louis XIV pour que la loge se transforme en l'un des plus grands palais du monde.

Pour commencer (c.1661), les architectes baroques sous la direction du concepteur en chef Louis Le Vau (1612-70), le jardinier André le Nôtre (1613-1700) et arts supremo Charles Le Brun (1619-1690), convertit le pavillon de pierre et de brique en un château de 3 étages doté d'une impressionnante cour de marbre noir et blanc, dotée de colonnes et de balcons en fer forgé. Il a reçu un toit plat et deux nouvelles ailes, contenant des appartements pour le roi et la reine, et était connu sous le nom de Cour de marbre.

Par la suite, dans une série de quatre campagnes principales de construction - étape un (1664�), étape deux (1669�) étape trois (1678�) et étape quatre (1699�) - le château a été enveloppé dans un nouveau et plus grand complexe palatial, sous la supervision de l'architecte Jules Hardouin Mansart (1646-1708), petit-neveu du célèbre architecte royal François Mansart (1598-1666), inventeur du « toit mansardé » très répandu. Cette expansion visait à donner effet à la décision de Louis XIV de reloger l'ensemble de la cour royale à Versailles (qui eut lieu en 1682), afin d'exercer un plus grand contrôle sur ses nobles et d'éloigner le gouvernement de la foule parisienne. En centralisant tous les bureaux du gouvernement au Palais, et en obligeant ses nobles à y passer un certain temps, son objectif était de créer une monarchie toute-puissante et absolue.

Faits saillants de l'architecture

Une cour de 3 000 habitants, dont le roi et la reine, des membres de la famille royale, des ministres du gouvernement, des aristocrates, des diplomates, des fonctionnaires et autres, nécessitait un bâtiment suffisamment grand et aucune dépense n'a été épargnée. En effet, le nouveau complexe est devenu l'apogée de l'architecture des palais. Entouré de 800 hectares de jardins immaculés, avec de belles vues, des fontaines et des statues, le palais contenait plusieurs suites symétriques d'appartements pour l'usage public et privé du roi et de la reine, ainsi que de nombreux autres éléments architecturaux.

Ceux-ci comprenaient la galerie des glaces (1678-90) - la galerie centrale du palais - qui comprenait 17 arcs recouverts de miroirs reflétant les 17 fenêtres. Au total, 357 miroirs ont été utilisés pour sa décoration. Les ornements - les toiles le long du plafond qui célèbrent l'apothéose du roi, les marbres polychromes, les bronzes dorés - ont été organisés par Le Brun, et dans cette entreprise, on peut dire qu'il a atteint le sommet des possibilités expressives du baroque français de l'art.

Une autre salle célèbre est l'Opéra Royal de Versailles, conçu par Ange-Jacques Gabriel (1698-82), qui peut accueillir jusqu'à 1200 invités. C'est l'une des premières expressions du style Louis XVI. Parmi les autres salles de réception importantes, citons : les salons d'Hercule, de Diane, de Mars, de Mercure, d'Apollon, de Jupiter, de Saturne et de Vénus, tous nommés d'après des dieux et déesses romains. Les chambres étaient décorées de peintures murales, en grande partie de Le Brun, qui était fortement influencé par la tradition italienne de la peinture baroque architecturale, comme en témoignent les quadratura illusionnisme de Pietro da Cortona (1596-1669) au Palais Pitti à Florence.

Des travaux de construction supplémentaires ainsi que des modifications des jardins ont été initiés par Louis XV et Louis XVI, mais aucun changement majeur n'a eu lieu.

Design d'intérieur et décoration

L'aménagement intérieur et la décoration du château de Versailles étaient légendaires par leur gamme, leur qualité et leur coût. Il comportait les meilleurs meubles et meubles, un bel art de la céramique, notamment de la porcelaine de Sèvres, ainsi que de l'art de la tapisserie et de la sculpture en bronze à petite échelle. Les salons initiaux et la Galerie des Glaces contenaient même de somptueux présentoirs de pièces de table en argent, guéridons et d'autres meubles, bien qu'ils aient ensuite été fondus pour financer d'autres campagnes militaires. Sans surprise, les dépenses astronomiques de Louis XIV ont stimulé une énorme expansion de l'artisanat français et des arts appliqués spécialisés, ont conduit directement à l'émergence de l'art rococo (dominé par la France) et ont créé une impulsion dans la peinture et la sculpture françaises qui ont ouvert la voie à Paris pour devenir la capitale mondiale des arts.

La relation étroite du palais royal avec son parc était d'une importance fondamentale, car le parc, exactement comme le palais lui-même, était conçu pour servir les exigences cérémonielles et festives du roi. Conçu pour les divertissements de la cour, le parc constitue le cadre naturel et idéal pour des festivités sans fin fondées sur la relation étroite - typique du baroque - entre la fête et l'architecture, entre l'éphémère et le permanent. Dès le concept original, le palais était considéré comme le centre d'un système urbanistique et un remaniement du paysage.

Telles étaient l'esthétique et le but d'André Le Nôtre, inventeur du jardin "à la française", qui commença ses travaux à Versailles en 1662. Bien qu'il conserve la symétrie de la tradition italienne, le parc de Versailles possède un réseau d'allées axiales menant à l'horizon. Ces chemins sont rythmés par des ronds-points, des pavillons, une architecture arboricole, des espaces plus larges qui apparaissent soudainement devant, des escaliers, des terrasses, des bassins et des fontaines monumentales qui élargissent la perception visuelle de l'espace et ajoutent un sentiment d'émerveillement. Les jardins de Versailles contiennent plusieurs types de statues, y compris des œuvres de sculpteurs comme : François Girardon (Apollon soigné par les nymphes de Thétis) Jean Baptiste Tuby (Fontaine d'Apollon) Antoine Coysevox (portraits de Louis XIV et Le Brun) Gaspard Marsy (Fontaine de Bacchus ou "l'Ile d'Automne") entre autres.

Versailles n'a pas été créé uniquement pour servir de refuge et de lieu de divertissement : son organisation innovante de l'espace se voulait aussi symbolique du nouvel ordre de l'État. L'aménagement du parc et ses thèmes iconographiques interprètent la signification symbolique de l'ordre royal dans le monde. Le château de Versailles a continué d'influencer l'architecture de la fin du XVIIIe siècle et au-delà, bien qu'il ait d'abord dû survivre à l'iconoclasme de la Révolution française.

L'âge de Versailles

Dans tous les arts, le siècle de Louis XIV est marqué par l'éclat et la splendeur. L'art a été organisé par l'État dans le but d'accroître la gloire de la France à travers la figure de Louis, le Roi Soleil, et la décoration de ses édifices privés et publics. Bien qu'un contrôle aussi étroit de l'art aboutisse souvent à l'obsolescence, l'art officiel français de la seconde moitié du XVIIe siècle se caractérise par une grandeur et une confiance en soi suprêmes.

Depuis l'invasion de l'Italie par Charles VIII en 1494, la France avait souhaité imiter l'art de la Renaissance italienne, et l'influence des Italiens fut immense tout au long du XVIe siècle. Le palais de Fontainebleau, par exemple, a été décoré par des Italiens comme Francesco Primaticcio (1504-70), Rosso Fiorentino (1494-1540) et Benvenuto Cellini (1500-71) à partir de 1530, et les architectes italiens ont fourni des conceptions qui ont grandement influencé les architectes indigènes. . Peu à peu, à partir de 1560 environ, la France a développé sa propre école d'architectes, mais en peinture et en sculpture, les artistes étrangers ont continué à être utilisés jusqu'au XVIIe siècle. Les artistes français avaient tendance à se rendre en Italie pour se former et plusieurs ont choisi d'y rester tout au long de leur carrière, dont Claude Lorrain (1600-82) et Nicolas Poussin (1594-1665), désormais considérés comme les plus grands artistes français de l'époque.

En 1627, le peintre Simon Vouet (1590-1649) revient d'Italie en France, apportant avec lui une version simplifiée et moins extravagante du style baroque italien. Il forme les artistes de la génération suivante, dont Eustache LeSueur (1616-55) et Charles LeBrun (1619-90). LeBrun est devenu le dictateur virtuel de l'art officiel sous Louis XIV, son travail reflétant la pompe et la formalité de la vie de cour. Poussin avait rencontré moins de succès que sa visite à Paris en 1640-1642 pour travailler pour la Couronne était malheureuse, car ses peintures de petit format austères et réfléchies ne pouvaient rivaliser avec la mode baroque.

À cette époque, Poussin s'était tourné vers des sujets chrétiens et classiques, dans lesquels il explorait la nature de l'émotion humaine dans des compositions claires et simples. Sa conviction était que la peinture devait viser à révéler des vérités universelles sur la vie et l'humanité. Par son style et sa philosophie, cet artiste est comparable aux deux grands dramaturges tragiques de l'époque, Pierre Corneille (1606-84) et Jean Racine (1639-99).

Arts sous le Roi Soleil

Louis XIV monta sur le trône en 1643 à l'âge de quatre ans. Son premier ministre fut d'abord Mazarin, mais à sa mort en 1661, Louis prit pratiquement lui-même le gouvernement du pays. Louis est l'exemple suprême du monarque absolu : sa conviction de son autorité divine était symbolisée par son emblème solaire, présent partout dans la décoration de son palais de Versailles. Son règne a vu la France prééminente en Europe, sa puissance politique et sa sophistication artistique se reflétaient dans la cour que Louis dirigeait avec une formalité et une cérémonie rigides.

Quelques ministres puissants sont retenus par Louis, parmi lesquels Colbert, qui est chargé d'organiser les arts. Pendant cette période, la France a été dotée d'académies d'architecture, de musique, d'inscriptions et de danse. L'Académie de peinture et de sculpture, fondée en 1648, passe sous le contrôle de Colbert en 1661 : il augmente sa puissance et la rend plus exclusive. L'idée de l'académie était italienne, et a pris le relais du système de guilde médiéval, avec sa période d'apprentissage menant à la production d'un « chef-d'œuvre », après quoi l'apprenti est devenu membre à part entière. Colbert a établi un système similaire. Les artistes apprenaient le style « officiel » s'ils le suivaient dans leur propre travail, ils étaient sélectionnés pour un emploi par l'État, que ce soit comme peintres, sculpteurs, bijoutiers ou menuisiers.

Le style de peinture «approuvé» à l'époque de Louis XIV était une version modifiée du baroque italien. L'architecture révèle les mêmes influences, à l'œuvre dans le projet de reconstruction du Louvre, siège parisien des rois de France. La conversion du bâtiment d'un château médiéval en un palais moderne a progressé lentement de 1546 jusqu'à son achèvement en 1674 par une équipe de concepteurs : LeBrun, LeVau et Perrault. Colbert, en sa qualité de directeur des bâtiments, a demandé des plans pour le front est de grands architectes français. Ceux qui ont été soumis ont été rejetés pour divers motifs et, enfin, des plans ont été demandés au grand Bernin (1598-1680), le maître du baroque italien.

En tout, Bernini a soumis trois conceptions, qui ont chacune été jugées hors de caractère avec le reste du bâtiment. La visite du Bernin à Paris, où il a suscité la colère des artistes et architectes français par sa mauvaise opinion de leur travail, a conduit au rejet de sa troisième et dernière conception - et avec elle toute l'extravagance du baroque italien. Le front est, tel qu'il a été érigé, devait encore quelque chose à ses plans, étant sobre mais festif, mais il complète les sections antérieures du bâtiment, plutôt que de les rabaisser, comme toutes les conceptions du Bernin avaient tendance à le faire.

Château de Versailles - Symbole de Splendeur

Les membres de la même équipe ont été employés dans le projet architectural le plus ambitieux de l'époque - le remodelage de Versailles. Versailles a commencé sa vie comme un pavillon de chasse de taille très modérée, refuge privé du roi, mais s'est réincarné en palais en 1661 pour abriter toute la cour de France. Son premier architecte fut Louis LeVau (1612-1670), qui en plus de collaborer au Louvre avait conçu le grand château de Vaux-le Vicomte pour Fouquet, ministre des Finances de Louis. LeBrun en tant que décorateur et LeNotre, un jardinier, avaient également travaillé sur le château. Lorsque Fouquet est emprisonné pour malversation en 1661, toute l'équipe est réengagée à Versailles.

Aujourd'hui, on ne peut qu'apprécier le remodelage de Versailles par LeVau à travers des gravures, car son œuvre a été détruite (à partir de 1678) par Jules-Hardouin Mansart, qui a été chargé d'étendre la façade du jardin du bâtiment sur une longueur de 402 mètres (1 319 pieds) . A une telle échelle, la grandeur confine à la monotonie.

La contribution la plus célèbre de Mansart à l'intérieur du palais est la galerie des Glaces (1678-84). Les miroirs - une denrée chère utilisée pour une profusion extravagante - sont entrecoupés de pilastres de trophées dorés en marbre vert assis sur la corniche richement décorée (la moulure ornementale en saillie le long du haut d'un mur) et le plafond voûté est décoré de peintures de LeBrun. Les mêmes qualités d'échelle immense, de couleur, de richesse, ainsi que l'utilisation de matériaux coûteux se retrouvent dans le parc, où LeNotre a été aidé par des armées d'entrepreneurs et d'ouvriers. Eau et fontaines (avec des mécanismes de pompage compliqués), avenues rayonnantes et parterres (les motifs ornementaux des parterres de fleurs) sont tous des éléments importants dans l'effet total de l'ordre et de la formalité.

Dans le plan de l'ensemble, l'autorité du palais semble rayonner vers l'extérieur pour contrôler ses environs. Dans l'utilisation des principes d'urbanisme baroques que révèle ce schéma, la France a découvert une manière d'exprimer sa suprématie européenne.

L'ameublement de pièces aussi nombreuses et vastes que celles créées dans des palais comme Versailles exigeait une organisation précise des arts décoratifs. Encore une fois, c'est Colbert qui a fourni la réponse. En 1667, il crée les Meubles de la Couronne aux Gobelins comme, trois ans auparavant, il avait donné à la manufacture de Beauvais le titre de Tapisserie Royale. L'entreprise familiale Gobelin, fondée 200 ans auparavant, avait été reprise en 1662 pour la Couronne par Colbert, qui déclara que désormais l'art serait au service du Roi.

L'usine des Gobelins, avec Charles LeBrun comme directeur artistique, devait abriter "..peintres, maîtres tisserands de tapisserie haute chaîne, fondeurs, graveurs, tailleurs de pierres précieuses, menuisiers en chêne et autres bois, teinturiers, et d'autres travailleurs qualifiés dans toutes sortes d'arts et d'artisanat.."

Le mobilier produit pendant cette période était lourd (bien que rarement aussi lourd que la suite d'argent massif faite pour le bureau du roi - bientôt fondue pour aider les dépenses militaires). La marqueterie (incrustation de bois de diverses couleurs) et les décors appliqués en bronze doré étaient particulièrement prisés. Courbes et volutes, motifs allégoriques et antiques étaient souvent utilisés. Les murs étaient souvent tapissés de tapisseries, qui prenaient beaucoup plus de temps à faire que des peintures de même dimension, et qui pouvaient être enrichies de fils d'or et d'argent. Des tapis tissés à Aubusson ou à la Savonnerie décoraient les sols des palais.

Un style d'une telle magnificence ne pouvait survivre ni au déclin de la fortune de la France ni à la mort du Roi-Soleil en 1715. Au faste de cette époque succéda la légèreté et la gaieté pastel du XVIIIe siècle. Dans l'architecture et les arts décoratifs comme dans la peinture et la sculpture, le nouveau style, connu sous le nom de rococo, régnera jusqu'à ce qu'il soit contesté par l'esthétique néoclassique après le milieu du siècle.

Révolution française et après

Durant cette période, durant laquelle une quantité énorme d'œuvres d'art françaises et objets d'art ont été pillés et profanés, le château de Versailles a subi son lot de vandalisme et de vols. Finalement, le gouvernement de la République a décrété qu'il devrait devenir un dépôt d'œuvres d'art de valeur confisquées à la monarchie, et un musée a été créé au palais, pour être fermé et ses œuvres dispersées peu de temps après. Ce n'est qu'avec la nomination de Pierre de Nolhac comme conservateur du château de Versailles en 1892, que des tentatives sont faites pour remettre le palais dans un état proche de son état d'avant la Révolution. Cependant, aucun travail complet de réparation et de conservation n'a été achevé avant les années 1950, lorsque Gerald van der Kemp a été nommé conservateur en chef (1952-80). Aujourd'hui, le château de Versailles est une attraction touristique internationale et un monument majeur de la culture française au cours de la Ancien Régime.

Architectes et concepteurs principaux

Parmi les nombreux designers français qui ont contribué au château de Versailles, les personnalités de premier plan étaient Louis Le Vau, Jules Hardouin Mansart et Charles Le Brun.

Premier architecte du roi Louis XIV et surintendant des constructions royales, Louis Le Vau joué un rôle important dans l'évolution de l'architecture française du XVIIe siècle. Sa période de formation comprend un important voyage en Italie avec des visites à Gênes et à Rome en 1650, il commence à travailler pour la couronne française, construisant les pavillons du roi et de la reine à Vincennes, agrandissant l'église de St Sulpice et participant à l'achèvement des Persienne. L'une de ses œuvres majeures fut le château de Vaux-le-Vicomte, construit en cinq ans seulement (1656-1661) pour le ministre des Finances Nicolas Fouquet. Il entame alors les travaux du palais royal de Versailles, où il conçoit un agrandissement de la structure d'origine construite en 1623 pour Louis XIII, en collaboration avec Le Brun et Le Nôtre, qui avaient travaillé avec lui à Vaux-le-Vicomte. Le Vau était responsable du noyau central du palais, les deux ailes de la cour, le cour d'honneur, où convergent les routes de Paris, la façade du jardin et l'adoption inhabituelle du toit plat «à l'italienne», peut-être dérivé du plan proposé par Bernini pour le Louvre. De plus, il était responsable du premier grand projet de chinoiserie décoration en décoration d'intérieur - qui apparaît dans le Trianon de Porcelaine (1670). La sélection de Le Vau, qui avait déjà réalisé le château révolutionnaire de Vaux-le-Vicomte, révèle la volonté d'une structure en lien étroit avec la nature environnante comme dans le concept « entre cour et jardin », illustré par l'aménagement de un système axial et l'aménagement du parc.

Jules Hardouin Mansart (1646-1708)

Petit-neveu de François Mansart, célèbre architecte de Louis XIII, avec qui une nouvelle période classique commence en France, Jules Hardouin Mansart était le favori de Louis XIV, qui le nomma surintendant des constructions royales. Il avait été l'élève de son oncle, dont il tirait la sobriété de la décoration extérieure et la justesse des proportions. Son œuvre majeure fut le palais royal de Versailles, dans lequel il mena à terme le projet de Le Vau de retravailler la petite structure existante et d'agrandir le palais avec des structures postérieures, dont tout particulièrement le Galerie des Glaces, le Grand Trianon et la chapelle. Architecte et urbaniste, Mansart a conçu Place Vendôme, Auparavant Place Louis-le-Grand, mais son plus grand travail était le Dôme des Invalides, une église au plan en croix grecque couronnée d'un dôme relié à la façade, dans laquelle il supprima les excès de décoration, privilégiant les combinaisons de volumes et de lignes.

Charles Le Brun (1619-90)

Le plus grand artiste-politicien du XVIIe siècle, Charles Le Brun fut l'élève de Simon Vouet avant d'obtenir le patronage du cardinal de Richelieu en 1641. Il devint le fondateur et directeur de l'Académie française, après quoi il supervisa les décorations de Vaux-le-Vicomte, pour le ministre Fouquet. Après la chute de Fouquet, les talents de Le Brun sont reconnus par le puissant Jean-Baptiste Colbert (1619–1501683), ministre des finances de Louis XIV, qui le nomme directeur de la manufacture de tapisseries des Gobelins et peintre en chef du roi. Nommé une sorte de surveillant de création au Château, Le Brun est directement chargé de peindre la Galerie des Glaces, ainsi que la Salons de la Guerre et de la Paix.

André Le Nôtre (1613-1700)

Premier grand architecte jardinier, Le Nôtre est le créateur du jardin dit à la française, caractérisé par des dispositions axiales menant à des vues ininterrompues avec l'espace du jardin délimité par des parterres de fleurs et de haies, des plans d'eau, des canaux et des fontaines. Ses œuvres les plus célèbres sont le parc du château royal de Versailles (commencé en 1661), celui de Vaux-le-Vicomte (1655-61) et celui du château de Chantilly.

• Pour la chronologie du design d'intérieur français sous le règne de Louis XIV, voir : Chronologie de l'histoire de l'art.
• Pour plus d'informations sur la peinture en France, consultez la page d'accueil.


L'histoire du Ferry Building

Nous sommes très attachés à la communauté alimentaire artisanale et à la promotion des valeurs de cette communauté ici au Ferry Building. Nous envisageons le Ferry Building Marketplace comme un rassemblement dynamique d'agriculteurs locaux, de producteurs artisanaux et d'entreprises alimentaires indépendantes et exploitées ainsi que les clients qu'ils servent. Nous avons créé une communauté de personnes partageant les mêmes idées pour soutenir notre mission et nos objectifs clés.

Mettre en valeur les petits producteurs régionaux qui pratiquent des techniques agricoles ou de production traditionnelles.

Promouvoir la grande diversité ethnique de la Bay Area et servir d'incubateur pour les producteurs artisanaux.

Fournir un emplacement central pour la promotion des régions productrices d'aliments et de vins de classe mondiale du nord de la Californie.

Collaborer avec les autorités de transport locales pour établir des liens régionaux solides avec le Ferry Building.

Fonctionner comme un lieu de rassemblement communautaire pour la célébration de la culture et de la cuisine locales.

Histoire de la construction du ferry

Qu'est-ce qui fait du Ferry Building le monument le plus célèbre de San Francisco ? Le premier est son emplacement stratégique au pied de Market Street --- à l'extrémité ouest du continent et au centre du quartier financier, bancaire et des transports de la ville. Deuxièmement, son histoire en tant que principal portail de la ville. Troisièmement, la tour de l'horloge spectaculaire qui est l'icône du front de mer de San Francisco depuis plus de 100 ans.

Ouvert en 1898, le Ferry Building est devenu le point central du transport pour tous ceux qui arrivent en train. De la ruée vers l'or jusqu'aux années 1930, l'arrivée par ferry-boat est devenue le seul moyen pour les voyageurs et les navetteurs – à l'exception de ceux venant de la péninsule – d'atteindre la ville. Les passagers des bateaux ont traversé un élégant espace public de deux étages avec des arcs intérieurs répétés et des lucarnes au plafond. À son apogée, jusqu'à 50 000 personnes par jour faisaient la navette par ferry.

L'ouverture du Bay Bridge et du Golden Gate Bridge, ainsi que l'utilisation massive de l'automobile, ont rendu obsolètes les trajets quotidiens en ferry. Dans les années 1950, le Ferry Building était très peu utilisé. L'intérieur historique de la structure du Ferry Building a été perdu en 1955, lorsqu'une grande partie du bâtiment a été convertie en espace de bureau standard. L'autoroute Embarcadero à deux niveaux a également jeté son ombre pendant 35 ans. jusqu'au tremblement de terre de Loma Prieta en 1989.

En mars 2003, l'emblématique San Francisco Ferry Building a rouvert ses portes au public après une vaste restauration de quatre ans. Le Ferry Building Marketplace - un marché alimentaire public de classe mondiale - est organisé le long d'une rue intérieure spectaculaire, la Nef. Aujourd'hui, les terminaux de ferry fonctionnent à Larkspur, Sausalito, Vallejo et Alameda avec des plans pour l'amélioration et l'expansion continues du réseau.


Intérieur du château de Heidelberg

La partie interne du château se compose de pièces de taille et de décorations modestes. La plupart de ces chambres décorées se trouvent dans le bâtiment Friedrick.

Intérieur du château de Heidelberg

Couloir intérieur du château

Intérieur du château de Heidelberg

Intérieur de l'église du château de Heidelberg


Histoire

La période architecturale victorienne en Amérique a duré environ de 1835 à 1900, selon le site Web Victorian Station. Les structures victoriennes d'avant la guerre de Sécession étaient de style plus simple que les structures élaborées d'après-guerre qui combinaient parfois plusieurs styles architecturaux tels que la reine Anne, l'italien et le Second Empire. L'utilisation de couleurs plus vives s'est également produite dans la dernière partie du 19ème siècle. Les intérieurs et les extérieurs richement colorés avec des garnitures multicolores ont remplacé les tons blancs et beiges des maisons antérieures.


Pouvez-vous couper une porte en deux pour créer une demi-porte ?

La beauté des demi-portes est que le concept vous permet de profiter de deux styles de portes différents avec une seule unité.

Compte tenu de la complexité des demi-portes et du fait qu'elles doivent souvent être commandées sur mesure, elles peuvent être un peu plus chères que les autres conceptions de portes. Cependant, il est possible de couper une porte d'usine en deux horizontalement pour créer une demi-porte. Pouvoir fabriquer votre propre porte hollandaise pourrait être incroyablement utile pour les portes intérieures (et peut servir d'excellente barrière pour bébé dans les crèches) où vous ne voudrez peut-être pas payer pour une toute nouvelle porte. Mais, avant de le faire, il y a certaines choses essentielles à garder à l'esprit.

Pour commencer, déterminez si vous voulez que votre demi-porte soit une porte extérieure ou intérieure. Choisir de bricoler une porte à guillotine double est beaucoup plus facile avec une porte intérieure. Les portes extérieures nécessiteront une imperméabilisation supplémentaire pour empêcher les éléments comme le vent et l'eau d'entrer. Les portes hollandaises en tant que portes d'entrée nécessitent également des mesures de sécurité supplémentaires par rapport à leurs homologues intérieures.

Deuxièmement, vous voudrez tenir compte de deux choses importantes concernant la porte que vous allez couper. Tout d'abord, vous voulez penser aux panneaux de votre conception de porte existante. Vous voudrez que votre coupe horizontale fonctionne avec les panneaux existants. Une pause dans vos panneaux trop haute ou trop basse peut créer une ambiance gênante ou rendre son utilisation inconfortable. Vous voudrez également déterminer si vous travaillez avec une dalle de porte ou si vous avez déjà des trous pour la poignée de porte dans la dalle. Vous voudrez que la poignée de porte soit sur la partie inférieure de la porte. Encore une fois, cela pourrait rendre la porte difficile à utiliser selon l'endroit où elle se trouve, alors assurez-vous de confirmer que votre porte existante fonctionnera.

Il est également important de considérer le matériau de votre porte existante. Pour bricoler une demi-porte, votre meilleure option est une porte solide en bois. Bien que cela soit possible avec une porte à âme creuse, en aluminium ou en acier, cela peut devenir un peu plus compliqué. Vous devrez également vous assurer d'utiliser les bons outils, car vous aurez besoin d'une lame de coupe spéciale en métal pour obtenir un bord lisse.

Ensuite, il est important de se rappeler que les demi-portes nécessitent une quincaillerie spéciale. La plupart des portes d'origine sont livrées avec deux charnières d'usine. Pour que la moitié supérieure de la porte pivote en toute sécurité séparément de la moitié inférieure, vous devez vous assurer d'avoir au moins quatre charnières pouvant supporter le poids de votre porte. Vous aurez également besoin d'un loquet pour fixer les moitiés supérieure et inférieure ensemble dans un seul panneau au besoin. Si vous travaillez sur une porte extérieure, vous devrez ajouter un pêne dormant supplémentaire à la partie supérieure de la porte pour plus de sécurité. Vous garderez la poignée de porte et le verrou sur la moitié inférieure de la porte. Assurez-vous également d'inclure un mécanisme de verrouillage pour la moitié supérieure afin d'éviter que les doigts ne se coincent entre les deux moitiés si la partie supérieure se ferme. Vous pouvez souvent trouver tout le matériel dont vous aurez besoin dans un kit, ce qui simplifie un peu le processus.

Gardez également à l'esprit votre vision du produit fini. Si vous voulez des portes en demi-verre, envisagez de travailler avec un fabricant, comme Rustica, qui peut personnaliser la conception de votre porte tout en respectant vos spécifications exactes. Si, d'un autre côté, vous travaillez avec une porte solide et êtes à l'aise avec les outils électriques, alors le bricolage peut être l'option pour vous. Dans tous les cas, vous voudrez vous assurer que votre porte est correctement accrochée dans le cadre.


Le bois est à l'honneur

Le bois est présent dans toutes les pièces inspirées du design du sud-ouest. Le bois utilisé est de couleur miel ou autre finition brune comme un clin d'œil à la nature. Les meubles sont généralement construits avec des pieds épais, ce qui les rend volumineux et substantiels dans la pièce. Pour un intérêt supplémentaire, il est courant de trouver des meubles peints dans les pièces d'inspiration sud-ouest, et pas seulement en blanc ou en crème. Les tables et armoires rouges, vert citron et bleu cobalt sont des amorces de conversation et créent un intérêt visuel.


Quand les studios d'Hollywood ont épousé des stars gays pour garder leur sexualité secrète

Au cours de l'âge d'or d'Hollywood dans les années 1920, les acteurs et actrices sont devenus célèbres&# x2014, mais seulement s'ils adaptaient leurs images aux exigences des grands studios. Pour les acteurs LGBT, cela signifiait souvent épouser une personne du sexe opposé.

Le début du 20e siècle a représenté une période unique pour les personnes LGBT dans le pays. Tout au long des années folles, les hommes déguisés en femmes et la non-conformité de genre et l'homosexualité n'étaient plus aussi tabous dans les grandes villes comme ils le seraient des années plus tard.

L'homosexualité pouvait être appréciée sur scène, mais dans la vie de tous les jours des grandes stars, elle était souvent cachée dans des unions factices connues sous le nom de "mariages à la lavande", selon&# xA0Stephen Tropiano, professeur d'études sur l'écran au Ithaca College et auteur de Le placard aux heures de grande écoute : une histoire des gays et des lesbiennes à la télévision.

Ces mariages ont été arrangés par les studios hollywoodiens entre une ou plusieurs personnes gaies, lesbiennes ou bisexuelles afin de cacher leur orientation sexuelle au public. Ils remontent au début du 20e siècle et ont continué après le mouvement de libération gay des années 1960.

Les mariages à la lavande étaient une solution en partie pour les clauses morales émises par les grands studios de l'époque. The clauses, first introduced by Universal Film Company, permitted the company to discontinue actors&apos salaries "if they forfeit the respect of the public.” The kind of behavior deemed unacceptable ranged widely from criminal activity to association with any conduct that was considered indecent or startling to the community. Les clauses existent à ce jour.

“We have to remember that a lot of these decisions that were being made, they were economic decisions,” says Tropiano. “It was about a person holding on to their career.”

One of the earliest speculated lavender marriages was the 1919 union of silent film actor and early sex symbol Rudolph Valentino and actress Jean Acker, who was rumored to have򠯮n lesbian. On the couple’s wedding night, Acker apparently quickly regretted the marriage and locked her new husband out of their hotel room, according to the Le New York Times. Peu de temps après, ils ont divorcé.

Rudolph Valentino and Jean Acker, circa 1920s.

ullstein bild/Getty Image Topical Press Agency/Getty Images

Valentino also married costume designer Natacha Rambova in 1923, at a time when his career was starting to take off and the roles he played were seen as less typically masculine, such as in the film “Monsieur Beaucaire” in 1924. His marriage to Rambova ended in 1925, which left some speculating that the marriages of the “pink powder puff” (a nickname Valentino acquired after playing effeminate roles on screen) were coverups to keep the sex symbol’s reputation intact.

Identifying how many Hollywood couples tied the knot to cloak their sexuality is, of course problematic since it’s primarily based on speculation.

“I think the hardest thing for a historian is to kind of sift through what the rumor [is] and what is actually factual," says Tropiano.

Une source de spéculation couramment citée est les mémoires de Scotty Bowers, Service complet : mes aventures à Hollywood et la vie sexuelle secrète des stars. Bowers’ account details sexual encounters, gay and straight, that he claims he both arranged and took part in, beginning in 1946.

Bowers a écrit qu'il avait été sexuellement impliqué avec l'acteur principal Cary Grant et son colocataire, Randolph Scott, pendant plus d'une décennie. À l'époque, Grant parcourait cinq mariages avec des femmes. Grant’s daughter, Jennifer Grant, has disputed the allegations, through her spokeswoman, saying in 2012 that her father as “very straight,” according to Le New York Times.

Actors Cary Grant and Randolph Scott lived together in the 1930s.

John Kobal Foundation/Getty Images

Grant est décédé en 1986, et bon nombre des sujets dont Bowers décrit la vie sont également décédés. Some have questioned whether Bowers&apos accounts in the autobiography, and the corresponding 2017 documentary Scotty et l'histoire secrète d'Hollywood, sont exacts. But the self-proclaimed 𠇏ixer” includes details and photographs that he argues back up his claims.

Parmi les mariages de lavande les plus spéculés, celui entre le célèbre acteur Rock Hudson et sa secrétaire Phyllis Gates. They married in 1955 and separated two years later, after rumors of his homosexuality and infidelity began to pile up. 

Waves of rumors and speculation around Hudson’s affairs became so widespread that they even helped foster the growth of celebrity tabloid journalism. La publication Confidentiel est devenu populaire au milieu des années 1950 en présentant des nouvelles salaces sur les célébrités. Le tabloïd a dévoilé des personnalités populaires comme Hudson avant que la sortie ne soit même une chose. Malgré la couverture médiatique, Hudson n'a jamais parlé publiquement de son orientation sexuelle avant de mourir du sida en 1985.

Rock Hudson and his bride Phyllis Gates at their 1955 wedding.

Archives Bettmann/Getty Images

Certains acteurs homosexuels ont choisi de vivre ouvertement, malgré le risque. Dans les années 1930, l'acteur William Haines refusait de cacher sa relation avec son partenaire. Haines was contracted with MGM in the 1920s and �s, while also living with a former sailor named Jimmy Shields.

Even with the common—yet unspoken—knowledge that the two men were romantically involved, Haines’ popularity didn’t take a hit until years later. That’s when he was given an ultimatum, either get married to a woman or he would be dropped by MGM, according to Tropiano.

William Haines, circa 1932.

Hulton Archive/Getty Images

“[Haines] had to make a choice between getting rid of his male partner and having a career,” says Tropiano. 𠇊nd he actually chose the male partner.”

Haines a ensuite quitté le grand écran pour créer une entreprise de design d'intérieur prospère avec son partenaire. He’s now often considered one of Hollywood’s first openly gay stars.

Lavender marriages became less prevalent in the 1960s and �s as the gay rights movement gained momentum following the Stonewall Riots of 1969. 

Although representation in film and on television was still scarce, the actual lives of the stars on screen—straight, gay or bisexual—weren’t dictated by studios as much as they had been in the past.

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Data Resources

The BLM, with its extensive and complex land-management mission across 245 million surface and 700 million sub-surface acres, regularly gathers, maintains, and publishes various types of data to inform stakeholders and the general public about its stewardship responsibilities. This data includes detailed information on the commercial uses of the public lands (such as energy development, livestock grazing, mining, and timber harvesting) recreational activities and revenues wild horse and burro management, including figures relating to on-range herd populations, removals from the range, and national adoption figures cadastral (mapping) surveys conservation of rangeland resources and more than 870 special units, such as wilderness areas, that are part of the BLM's 34 million-acre National Conservation Lands system and the socio-economic impacts of public land management.

Below are links to publications, such as Public Land Statistics and A Sound Investment for America, that collectively tell the story of how the BLM is managing America's public lands for a variety of uses.

Socioeconomic Data

Public Land Statistics

The BLM publishes the Public Land Statistics report annually. Each report provides information about our multiple-use land management activities.


Golden Gate Theater reveals gorgeous new interiors

The theater first opened in 1922 (side note: the National Registry of Historic Places cites the building’s inception as 1921, but SHN defers to the 1922 date these days) as a vaudeville venue and became a mainstay of what was then San Francisco’s hustling Market Street theater district, hosting the likes of Frank Sinatra, the Andrews Sisters, and the Three Stooges.

By 1954 there wasn’t much of a market for vaudeville anymore, so owners RKO leased the place out as a movie house instead.

Unfortunately, this meant the first of the Golden Gate’s many renovations, with the 1954 revamp being the most damaging to the original Gustave Lansburgh 1920s design. Gracie Hays wrote in SHN Magazine in June in 2014:

There was a strong effort to stamp out its seemingly outdated vaudeville past in hopes of appealing to a wider audience. Consequently, much of Lansburgh’s interior work was torn down in favor of giving the theatre a more modern appearance. The grand marble staircase was replaced with an escalator, and the walls were covered with neon signs.

Like most MidMarket theaters, the Golden Gate fell on hard times during the 1960s and closed in 1972. SHN moved in seven years later and made a bid to restore much of the Lansburgh look.

Working on the lobby during the ‘79 restoration. SFPL

Photos from recent years, however, reveal that the ’70s luster had dimmed again by the 21st century, and increasingly the Golden Gate appeared dated and dingy compared to the likes of the dynamic new Curran Theater (which complete its own renovation in 2017) or even the nearby Orpheum Theater (which last benefitted from a renovation 20 years ago).

After 2017’s tour of The Curious Incident of the Dog In the Night-Time wrapped up, the theater went under wraps and tapped ELS Architecture (the same firm behind the restoration of Oakland’s Fox Theatre) to try to turn back time again. SHN refers to the work only as a “multimillion dollar” renovation without citing a specific figure.

The resulting photos look pretty sterling, but, as always, opening night will serve as the final test of the work done. The Golden Gate Theater reopens to the public on September 11.


Voir la vidéo: الطريقة السهلة في تركيب إطارات الأبواب يوميات عامل بناء (Novembre 2021).