Informations

Les Trois Grâces, Louvre



Charités

Dans la mythologie grecque, un Charis ( / k eɪ r ɪ s / grec : , prononcé [kʰáris] ) ou la grâce est l'une des trois ou plusieurs déesses du charme, de la beauté, de la nature, de la créativité humaine, de la bonne volonté et de la fertilité, connues ensemble sous le nom de Charités / ˈ k ær ɪ t iː z / ( Χάριτες [kʰáritɛs] ) ou Grâces. [1] La liste habituelle, telle qu'elle est donnée dans Hésiode, est Aglaea ("Shining"), Euphrosyne ("Joy") et Thalia ("Blooming"). [2] [1] Hésiode déclare qu'Aglaea est la plus jeune de ce groupe et la femme d'Héphaïstos. [3] Dans la mythologie romaine, ils étaient connus sous le nom de Gratiae, les « Grâces ». Dans certaines variantes, Charis était l'une des Charites, qui était assimilée à Aglaea plutôt qu'à une forme singulière du nom, car elle est également appelée l'épouse d'Héphaïstos. [4]

Les Charites étaient généralement considérées comme les filles de Zeus et de l'Océanide Eurynome. [2] Rarement, on disait qu'elles étaient les filles de Dionysos et de Kronois ou d'Hélios et de la Naïade Aegle. [5] [6] D'autres noms possibles de leur mère par Zeus sont Eurydome, Eurymedousa, ou Euanthe. [7] Homère les a identifiés comme faisant partie de la suite d'Aphrodite. Les Charites étaient également associés au monde souterrain grec et aux mystères d'Eleusis.

Dans la peinture et la sculpture, les trois Charites ou Grâces sont souvent représentées nues ou presque nues, cependant, pendant les périodes archaïque et classique de la Grèce, elles étaient généralement représentées comme entièrement vêtues. [1]


Borghèse au Louvre

C'est drôle comment ces messages arrivent. En raison du dernier message concluant le Trois Grâces série, j'ai en tête la Collection Borghèse du Louvre. Cependant, il y a tellement d'endroits pour commencer sur ce sujet, et tellement de chemins vers lesquels s'égarer. Une relation rocailleuse entre l'Italie et la France en est certainement une (pensez à la campagne d'Italie de 1796-7, où Napoléon s'est fait un nom), tout comme la collection actuelle de 695* antiquités incroyables (l'Hermaphrodite endormi, le Gladiateur Borghèse, les Trois Grâces, pour n'en citer que quelques-uns). La manière dont ces antiquités sont arrivées au Louvre est digne d'une grande partie du tome en deux tomes de Marie-Lou Fabréga-Dubert »La Collection Borghèse au Musée Napoléon», publié conjointement en 2009 par les éditions du musée du Louvre et la direction éditoriale des Beaux-Arts de Paris. Les NY Times l'a examiné favorablement ici, et comme pour toute bonne critique, le Fois fournit d'excellents morceaux du livre.

Ensuite, il y a les personnalités — Napoléon n'a jamais manqué de fournir des anecdotes à l'histoire, son beau-frère le prince Camillo Borghese de la noblesse romaine, est bien sûr la source de la collection et puis il y a la sœur de Napoléon et la femme de Camillo, Pauline, dont les habitudes salaces étaient déjà bien ancrées dans son premier mariage avec le général Leclerc (je crois qu'on lui attribuait la « promiscuité bacchanale » lorsqu'elle était en Haïti avec le général Leclerc).

Et bien sûr, nous ne pouvons pas négliger les personnages mineurs – mineurs pour l'histoire, mais avec des ailes et des cours entières qui portent leur nom, je suppose que «mineur» est relatif. Dominique-Vivant Denon (directeur des musées impériaux) et Ennio Quirino Visconti ("surveillant" des antiquités romaines au musée Napoléon - ce qui est maintenant le Louvre), étaient responsables de la tâche colossale d'acheminer les antiquités de Rome à Paris - pas facile exploit lorsque les Britanniques avaient un embargo en Méditerranée qui a fait voyager les Français par voie terrestre. Denon, Sully et Richelieu auront certainement leurs posts ThatLou à un moment ou à un autre (concernant aussi bien les ailes que les personnages hauts en couleur de l'histoire de France). Dans l'un de mes premiers articles, j'ai écrit sur la cour Visconti, qui est sur le point d'être partout dans la presse lorsque la nouvelle aile islamique ouvrira ses portes en septembre (soi-disant - l'ouverture a été reportée de quelques années).

PS/ Je n'arrive pas à comprendre le nombre d'antiquités que Napoléon (mmm, désolé, je veux dire l'État français) a acheté à Borghese. Wikipedia, qui bien sûr n'est pas digne de confiance, dit qu'il s'agit de 344 antiquités. Un chiffre que j'ai vu dans d'autres sources googlées (qui ont peut-être utilisé wikipedia). En s'adressant à Borghese Kylix, le site Web du Louvre dit que Napoléon a acheté la collection entière de Borghese - ce qui bien sûr ne peut pas être juste car il y a un petit musée avec seulement quelques Berninis sur la colline Pincian à Rome appelé la Villa Borghese (photographié ci-dessus, où Denon et Visconti a commencé son processus d'expédition). Donc, bien que je n'aie pas lu Mme. Les 2 tomes de Fabréga-Dubert, j'ai choisi d'accompagner sa figurine de 695 pièces. Si sans aucun doute parce que je viens de NY et que je fais confiance aux éditeurs du Fois au moins la citer correctement.

Informations supplémentaires sur la Galerie Borghèse :

HORAIRES : ouvert du mardi au dimanche de 20h30 à 19h30

ADRESSE : Piazzale del Museo Borghese, 00197 Roma (au milieu du grand parc, Villa Borghese)

Recommandation de ThatMuse : Achetez des billets en ligne avant de partir (ils peuvent souvent être vendus car c'est l'un des meilleurs musées de Rome, avec Bernini, Caravaggio, Canova et tout le reste !)


Les Trois Grâces d'Antonio Canova

Considéré internationalement comme un chef-d'œuvre de la sculpture européenne néoclassique, Les Trois Grâces ont été sculptés à Rome par Antonio Canova (1757 – 1822) entre 1815 et 1817 pour un collectionneur anglais. Ce groupe de trois sœurs mythologiques était en fait une seconde version d'un original – celui commandé par Joséphine de Beauharnais, première épouse de Napoléon Bonaparte.

Les Trois Grâces, sculpture, Antonio Canova, 1814 - 17, Italie. Musée n° A.4-1994. © Victoria and Albert Museum, Londres

Prenant son motif de la littérature grecque antique, Les Trois Grâces représente les trois filles de Zeus, dont chacune est décrite comme étant capable d'accorder un don particulier à l'humanité : (de gauche à droite) Euphrosyne (gaieté), Aglaia (élégance) et Thalia (jeunesse et beauté). La première version de cette pièce a été commandée par l'une des femmes les plus célèbres de l'époque, Joséphine de Beauharnais, qui était alors la première épouse divorcée de Napoléon. En mai 1814, avant qu'Antonio Canova n'ait achevé la sculpture, De Beauharnais mourut. John Russell, le 6e duc de Bedford, a visité l'atelier de Canova à Rome en décembre de la même année et, impressionné par l'art de Les Trois Grâces, a dit à Canova qu'il voulait acquérir le marbre fini. Le fils de De Beauharnais, le prince Eugène de Beauharnais, voulait également acheter le groupe que sa mère avait commandé, alors Canova a proposé de faire du duc de Bedford une « réplique avec des modifications ».

Peu de temps après avoir accepté cette offre, en janvier 1815, le duc écrivit à l'artiste en disant :

Je déclare franchement que je n'ai rien vu dans la sculpture ancienne ou moderne qui m'ait fait plus de plaisir… Je laisse les variations dans le groupe… entièrement à votre jugement, mais j'espère que la vraie grâce qui distingue si particulièrement cette œuvre sera complètement préservée. .

Les Trois Grâces (détail), sculpture, Antonio Canova, 1814 - 17, Italie. Musée n° A.4-1994. © Victoria and Albert Museum, Londres

Pour la deuxième version de la pièce (que Canova lui-même a apparemment préféré), le matériau est passé du marbre veiné au marbre blanc, le pilier du carré au rond, et la figure centrale (Aglaia) a reçu une taille légèrement plus large. La sculpture terminée a été livrée à la maison du duc de Bedford, l'abbaye de Woburn, en 1817 (l'original se trouve maintenant à l'Ermitage, à Saint-Pétersbourg). Le duc a célébré avec enthousiasme sa nouvelle acquisition, et elle est rapidement devenue l'une des sculptures européennes les plus célèbres de son temps. Dans un catalogue des marbres de sa collection, le duc décrit Les Trois Grâces comme "un travail d'habileté consommée certainement inégalé par aucun spécimen moderne de l'art de la sculpture", et a noté "la morbidezza, - cet aspect de douceur vivante donnée à la surface du marbre, qui semble céder au toucher ".

Les Trois Grâces (détails), sculpture, Antonio Canova, 1814 - 17, Italie. Musée n° A.4-1994. © Victoria and Albert Museum, Londres

À Woburn Abbey, la sculpture de Canova était exposée dans le Temple des Grâces, une rotonde éclairée par le haut spécialement conçue pour elle par l'architecte à la mode Jeffrey Wyatville, qui se trouvait à l'extrémité ouest de la galerie de sculptures existante. Lors d'une visite que Canova a faite à Woburn en 1815, avant la construction de ce nouvel espace, le sculpteur lui-même avait apparemment donné des conseils sur la position et l'éclairage corrects à utiliser pour sa pièce. Les Trois Grâces a été installé sur ce que l'on pensait être un ancien socle en marbre (en fait, il datait du XVIIIe siècle), de manière à pouvoir être tourné, permettant au spectateur de profiter facilement de plusieurs points de vue. Dans sa maison construite à cet effet, la pièce était entourée de nombreuses sculptures anciennes exceptionnelles de la collection du duc, ainsi que d'œuvres de sculpteurs britanniques contemporains, notamment Joseph Nollekens, Francis Chantrey et Richard Westmacott.

Les Trois Grâces (détail), sculpture, Antonio Canova, 1814 - 17, Italie. Musée n° A.4-1994. © Victoria and Albert Museum, Londres

Canova est maintenant largement reconnu comme l'un des plus grands artistes européens de son époque, mais à partir du milieu du XIXe siècle, sa réputation a souffert, en partie à cause de ce qui était considéré comme la relation problématique entre son travail et la sculpture ancienne. Le grand savant allemand Gustav Waagen a commenté dour Les Trois Grâces dans son étude approfondie des œuvres d'art dans les collections britanniques de 1854 : "Mais si attrayante que soit la finition tendre et magistrale du marbre blanc éblouissant, le caractère joli mais insipide des têtes ne peut satisfaire un goût familier avec l'antiquité".


La danse de la beauté

Niki de Saint Phalle, Les Trois Grâces, 1999, New York Avenue, Washington

Comme on peut le voir, les idéaux de beauté féminine ont toujours existé et ils continueront d'exister. Les critiquer ou les fermer les yeux n'est peut-être pas la meilleure approche. Si nous regardons l'art, nous trouvons une méthode utile. Niki de Saint Phalle a abordé le sujet de la Trois grâcess, représentant un groupe de trois femmes colorées différentes. Ils sont ensemble mais ils se défendent aussi. Leurs corps sont volumineux mais néanmoins, leurs mouvements sont gracieux. Ils semblent danser et être heureux. On voit ici le contraire de Trois Grâces du passé : des femmes individuelles, dansant pour elles-mêmes, célébrant leurs diverses formes de beauté.

À quoi devrions-nous ressembler, nous pourrions nous demander de temps en temps. Voici la réponse : Tout comme nous, et n'oublions jamais de danser pour cela, une danse pour célébrer sa propre beauté qui n'est jugée par personne d'autre que par nous-mêmes.

Katharina est titulaire d'un doctorat en histoire de l'art. Dans ses études, elle s'est concentrée sur les femmes et l'art. Maintenant, elle aime beaucoup la combinaison des femmes, des enfants et de l'art. Sa fille de presque trois ans a une grande influence sur cela. Jamais auparavant Katharina n'avait été aussi souvent dans les musées qu'avec elle. D'ailleurs, Katharina écrit sur son blog ArtStories.

Plus dans Corps et art érotique

/>

Corps Et Art Érotique


Les Trois Grâces, Louvre - Histoire

Raphaël’s Trois Grâces montre les trois grâces du mythe grec et romain. Aglaea, Euphrosyne et Thalia dansent ensemble dans un pré. Dans une main, chacun tient une pomme, peut-être les pommes d'or du Jardin des Hespérides. Leurs autres mains sont sur les épaules de l'autre dans ce qui semble une démonstration d'affection fraternelle. Ils sont tous innocemment nus, bien que la déesse de gauche porte un morceau de tissu diaphane sur ses hanches, et la femme de droite porte un collier de bijoux. Les cheveux des trois Grâces sont soigneusement coiffés et maintenus en place ou ornés de bijoux.

Un premier travail

Le tableau, qui est une huile sur panneau, a été peint entre 1504 et 1505, alors que Raphaël était au début de la vingtaine. Il est réputé être la première étude que le jeune peintre fit du nu féminin de face et de dos. La jeunesse de Raphaël est manifeste dans ce tableau. Bien qu'il dépeint l'anatomie des trois déesses avec soin et réalisme, les coups de pinceau sont un peu grossiers et il y a un manque de raffinement dans les visages par ailleurs charmants et doux des femmes. La peinture n'a que des indices de la maîtrise à venir de Raphaël. Cela peut particulièrement être vu dans la déesse du milieu, dont le dos fait face au spectateur et dont le visage est dans un profil rendu primitivement.

Beauté et noirceur

L'arrière-plan rappelle au spectateur, avec méfiance, l'arrière-plan de la Joconde, qui a été peint à la même époque. Fait dans le style brumeux et sfumato qui était populaire à l'époque, l'arrière-plan de Raphael est plein de collines douces mais sombres, d'un lac et d'arbres rabougris qui marchent, dans une perspective parfaitement maîtrisée, vers des montagnes brumeuses et gris craie. Les Grâces elles-mêmes semblent se tenir sur une parcelle de terre aride ou défrichée, et au premier plan se trouvent quelques mauvaises herbes d'apparence faible. Le tableau est un contraste presque violent avec celui de Botticelli. Trois Grâces, qui dansent au milieu d'une nature colorée et en plein essor.


Kehinde Wiley - Essai des trois grâces

Kehinde Wiley est un artiste afro-américain bien connu pour ses vitraux, ses peintures, son sourire aux dents béantes et son style flamboyant. Wiley est né en 1977 et a grandi à Los Angeles, en Californie. Son père, d'origine nigériane, et sa mère se sont séparés avant sa naissance, ce qui a conduit Wiley à être élevé par sa mère afro-américaine (Wiley 10). À l'âge de 11 ans, Wiley est allé dans une école d'art où il s'est principalement concentré sur les autoportraits et a visité des musées du sud de la Californie le week-end. En 1999, Wiley est allé au San Francisco Art Institute où il a pratiqué et excellé dans la peinture. Lorsqu'il est entré à l'Université de Yale, il a commencé à se concentrer davantage sur l'art en tant que plate-forme politique pour son MFA.

Reconnaissant l'absence des Noirs en tant qu'adolescent amateur de musées, Wiley a été inspiré pour faire des Afro-Américains le centre d'intérêt principal de sa peinture et de son art du vitrail. Wiley a arrêté des hommes afro-américains au hasard dans les rues de Harlem, en vêtements de tous les jours, pour poser pour lui. Il apportait avec lui des livres d'histoire de l'art et disait à ses modèles de choisir n'importe quelle pose qu'ils voulaient imiter, en mêlant la haute culture, des peintures européennes des XVIIIe et XIXe siècles à la culture populaire, des jeans baggy, des bottes en bois et des bandanas sur la tête (Wiley 12). Par exemple, sa peinture Napoléon à la tête de l'armée sur les Alpes ne propose que cela. Les retombées de chefs-d'œuvre occidentaux plus anciens sont le point fort de Wiley.

Wiley s'est intéressé à élargir sa recherche de sujets après avoir rendu visite à son père en Afrique, ce qui l'a incité à commencer une série de peintures connues sous le nom de La scène mondiale. Par exemple, La scène mondiale : France 1880-1960 a exploré les pays africains tels que le Maroc, le Gabon, la Tunisie et les cultures camerounaises ainsi que l'effet du colonialisme français sur ces pays. La date de 1880-1960 signifie la présence coloniale de la France en Afrique (Wiley 6). La plupart des peintures que Wiley a adaptées dans le La scène mondiale utilisé des chefs-d'œuvre occidentaux du Musée du Louvre en France (Wiley 6).

Peint pour la section édition France de La scène mondiale séries, Les Trois Grâces re imagine Raphael’s célèbre, toute femme de race blanche, la peinture de The Charities comme trois hommes africains. Wiley se détourne davantage de la peinture en faisant en sorte que ses modèles soient vêtus avec désinvolture à la mode du début du XXe siècle, contrairement à la peinture de Raphaël de toutes les femmes nues, et a fait tenir à son modèle des pommes vertes au lieu de rouges. L'homme en chemise blanche jette un coup d'œil au spectateur alors qu'il tient une pomme dans une main et place sa main gauche sur le monsieur à sa gauche. Les deux hommes qui l'entourent regardent droit le spectateur avec leurs visages tournés vers l'intérieur vers l'homme au milieu, alors qu'ils tiennent tous deux des pommes vertes.

Wiley a cueilli des pommes vertes spécifiquement pour être utilisées par ses modèles car le vert et le rouge sont des couleurs complémentaires opposées l'une à l'autre sur la roue chromatique. Wiley a utilisé des pommes vertes pour montrer que l'ancienne version de Les Trois Grâces et la nouvelle version sont complémentaires. Les deux tableaux montrent différents aspects de la vie. Présentant l'un des nombreux messages dans ses peintures, l'équilibre de ces deux peintures présente un Yin et un Yang entre la culture occidentale et la culture noire.

L'arrière-plan devient également une pièce importante de la peinture. Dans la plupart des chefs-d'œuvre européens, l'arrière-plan est un espace vide et plat pour l'image principale, les personnes étant reconnues. Les œuvres caritatives de Raphael étaient aussi nues que l'arrière-plan (Wiley 12). Wiley, d'autre part, intègre des imprimés et des motifs ouest-africains à l'arrière-plan et au premier plan des modèles pour montrer que chaque petit détail ajoute et est important pour la peinture.

Wiley a commenté sa représentation de la force et du pouvoir dans ses portraits en disant : « Les Noirs ont toujours été des personnes puissantes [son] projet consistait simplement à restaurer le point de vue du spectateur », présentant les Africains comme des personnes royales et fortes dans un manière qui ne leur a pas été attribuée à travers l'histoire (Wiley 10). Raphael’s Charities représentait trois aspects de la générosité, donner, recevoir et retourner des cadeaux. Dans la mythologie grecque, elles sont représentées comme des déesses mineures connues pour leur grâce, leur charme et leur beauté. Wiley a inséré trois hommes africains dans les mêmes décors pour montrer aux Noirs comment il décrit les Noirs comme généreux, orgueilleux, célestes et impériaux.

On pourrait conclure que l'adaptation de Wiley de les trois grâces était de faire preuve de fierté ethnique face à un domaine de travail majoritairement blanc. Wiley a dit un jour que ses œuvres d'art sont des autoportraits (Solomon). Cela peut sembler paradoxal car aucun des portraits qu'il a terminés ne le représente, mais ce qui est lui, c'est la couleur. La représentation permet aux gens de se sentir entiers. Voir quelqu'un de votre couleur faire quelque chose d'extraordinaire peut vous inciter à essayer de faire l'impossible. Eugénie Tsai, conservatrice de l'exposition du Brooklyn Museum, observe que « [Wiley] utilise le pouvoir des images pour remédier à l'invisibilité historique des hommes et des femmes noirs » à travers l'histoire (Solomon). En mettant les hommes et les femmes afro-américains au premier plan de nombreuses peintures, il montre que les personnes de couleur sont une force avec laquelle il faut compter. Voir un manque de représentation dans l'enfance de Wiley l'a amené à commencer l'œuvre d'art qu'il a produite pour changer le paradigme de l'histoire de l'art du Caucase.

Les critiques de son travail disent que ses peintures sont sur-sexualisées parce qu'il a commenté qu'il choisit ses modèles en fonction de « [son] type [qui] est enraciné dans [son] propre désir sexuel », même s'il choisit des raisons culturelles. aussi (Davis). Le fait qu'il soit un homosexuel afro-américain qui se concentre principalement sur les hommes bruns, chez certaines personnes, change le point de vue et le sens de son travail. L'attraction fait partie du travail lorsque vous travaillez avec des gens, Wiley ne laisse pas cela entraver la réalisation d'œuvres d'art remarquables.

Les critiques ont également estimé que son travail était trop stéréotypé (Daivis). Ils ont l'impression que c'est encore et encore la même chose : un arrière-plan floral, un chef-d'œuvre d'art occidental et des Noirs. Pourtant, à 39 ans, même si Wiley n'a pas vécu assez longtemps pour avoir une évolution de ses peintures, les critiques pensent toujours qu'il devrait changer les choses.

Dans l'ensemble, il y aura toujours des gens qui ne peuvent pas être satisfaits du travail accompli, peu importe à quel point ses pièces sont magnifiques et culturellement révélatrices. Ces peintures de personnes qu'il arrête dans la vie de tous les jours ne faisant que vaquer à leurs occupations font penser à d'autres Noirs qu'ils peuvent également être puissants. Qu'ils pouvaient être considérés comme des gens royaux et nobles, même en tenue de ville. Wiley laisse derrière lui un héritage auquel aspirer les jeunes artistes noirs, ainsi que des portraits puissants de personnes noires.

Davis, Ben. “Kehinde Wiley’s Dilemme: Comment l'artiste s'est peint dans un coin avec ses nouvelles œuvres.” Blouin Artinfo. Blouin Artinfo, 15 juin 2012. Web. 17 juillet 2016.

Salomon, Déborah. “Kehinde Wiley donne une touche classique à ses sujets contemporains.” Le New York Times. The New York Times, 31 janvier 2015. Web. 17 juillet 2016.

Wiley, Kehinde. Kehinde Wiley the World Stage : France 1880-1960 = La Scène Mondiale : La France 1880-1960. Paris : Galerie Daniel Templon, 2015. Impression.


Louvre – Statue – Les Trois Grâces

Les Grâces ou Heures, parfois aussi appelées Charités, étaient les compagnes des dieux et des héros, et particulièrement favorisées par Hermès. Ils ont été fréquemment représentés dans l'iconographie grecque et romaine, à commencer par l'introduction de divinités féminines nues.

Ici, les trois déesses sont représentées se tenant par l'épaule, sur un même plan, comme dans un motif de danse. Mais ils ne dansent pas le rythme suggéré par la flexion des genoux et l'élévation inhabituelle des hanches n'est que l'exagération des motifs de hanche de la période classique. C'est un nouveau rythme statique où le goût des formes pleines et féminines a remplacé l'étude quasi exclusive du nu athlétique au Ve siècle.

On peut imaginer ces personnages assistant à une scène sur le mont Olympe. L'origine de ce motif semble se trouver dans la peinture, expliquant ainsi la représentation linéaire des trois sculptures sur un même plan. De là, le motif, bien dans le goût de l'époque hellénistique, est ensuite isolé et reproduit en trois dimensions.

Dans le monde hellénistique, le rôle des déesses était en effet presque uniquement d'assister aux moments agréables de la vie des dieux et des hommes, pendant lesquels leur présence bienfaisante garantissait une authenticité et une qualité plus durables.


Jolies femmes : la beauté féminine et les trois grâces en peinture

Les peintures représentant trois Grâces sont présentes dans toute l'histoire de l'art. Bien que les personnages soient les mêmes, les représentations changer beaucoup heures supplémentaires. Notre histoire commence avec la mythologie grecque et voyage dans le temps avec les trois femmes qui ont incarné l'idéal de la beauté féminine pour divers artistes au cours des siècles.

Tout le monde sait qu'Aphrodite (connue sous le nom de Vénus par les Romains) est la déesse de l'amour et de la beauté. En plus d'être vénérée dans les temples du monde antique, la déesse irrésistible était également représentée par des artistes de tous les temps.

Mais il y avait aussi d'autres déesses de l'amour appelées les Charites ou les Grâces. Il s'agissait de trois filles qui, selon le poète Hésiode, étaient les filles de Zeus et d'Eurynome, une nymphe de la mer avec laquelle le dieu de l'Olympe eut une brève histoire d'amour.

Les trois Grâces s'appelaient Aglaia, Euphrosyne et Thalya, et elles étaient toujours ensemble. Outre l'amour et la beauté, les déesses étaient également associées à la bonne volonté, à la nature, à la créativité, à la fertilité, au charme, à la splendeur et à la joie, en d'autres termes, aux grâces.

Danse par trois grâces, mosaïque au sol, env. 3e siècle, Musée Archéologique National de Naples, Naples, Italie. Wikimedia Commons.

Dans certains mythes, ils apparaissent au sommet de l'Olympe, chantant et dansant avec les Muses et Apollon dans d'autres, ils sont toujours en compagnie d'Aphrodite. D'ailleurs, quand Aphrodite est née – de l'écume de la mer – ce sont les trois Grâces qui l'ont reçue et soignée. Quand Aphrodite a voulu séduire Anchise, le seul mortel avec qui elle a eu un enfant, ce sont encore les trois Grâces qui l'ont habillée et parfumée pour le rendez-vous. Et même lorsque la déesse a été surprise en train de tromper Héphaïstos avec Arès, et vue par tous les dieux, une fois de plus les Grâces étaient là, pour l'habiller et la consoler.

Nicolas Vleughels, Vénus et les trois grâces s'occupant de Cupidon, 1725, collection particulière. Wikimedia Commons.

Malgré le fait que, dans les mythes, les trois Grâces sont toujours apparues comme l'assistante de la déesse, dans l'art, elles sont devenues les protagonistes d'innombrables œuvres, de l'Antiquité à nos jours. Et avec cela, ils ont servi à représenter non seulement les personnages mythologiques mais aussi l'idéal de beauté féminine de chaque période et pour chaque artiste.

Les premières représentations des trois Grâces sont apparues dans les mosaïques et les sculptures des temples antiques. Puis, à la Renaissance, les déesses, ainsi que d'autres figures mythologiques, sont devenues un thème récurrent dans la peinture.

Raphaël, Les Trois Grâces, 1504-5, Musée Condé, Chantilly, France.

Représenter les femmes comme des personnages mythologiques était la seule façon officielle de représenter le corps féminin nu, sinon, ce serait trop choquant pour le spectateur ordinaire. Dans la peinture de Raphaël, clairement basée sur des sculptures antiques, l'accent est mis sur la pâleur et le regard indifférent des filles. Bien que leurs corps soient matures, les organes sexuels sont subtilement exposés et les seins ne sont pas exposés.

Lucas Cranach l'Ancien, Les Trois Grâces, 1531, Louvre, Paris, France.

Lucas Cranach, comme Raphel, a représenté les trois Grâces complètement nues, mais dans son œuvre, les déesses ne détiennent pas d'attributs symboliques, comme la pomme ou les fleurs. Au lieu de cela, ils ont des accessoires (un chapeau et des colliers). Une seule des filles s'appuie sur sa sœur, contrairement à d'autres tableaux dans lesquels elles se tiennent toujours la main.

Les Trois Grâces de Raphaël et Cranach ont quelque chose en commun : leurs corps ressemblent à des corps d'adolescents. L'idéal de beauté semble résider précisément dans la jeunesse des modèles.

Pierre-Paul Rubens, Les Trois Grâces, 1630-5, Musée du Prado, Madrid, Espagne.

Un peu différent de la représentation de Raphaël est celui du peintre Rubens, qui a opté pour des grâces plus matures, avec des corps moins fermes et des formes plus opulentes. Remarquez également comment leurs regards se croisent, suggérant peut-être un peu plus d'intimité.

Cependant, la composition est pratiquement la même. Deux des filles sont vues de face, tandis que l'autre est représentée de dos.

Alessandro Varotari (Il Padovanino), Les Trois Grâces, vers 1620-1640, collection privée. Wikimedia Commons.

Alessandro Varotari (Il Padovanino) modifie cette composition en plaçant deux des déesses vers l'avant, tandis que le troisième tourne le dos à l'observateur. Bien que nues, les filles portent des voiles, élément qui se répète dans d'autres Trois Grâces peintures.

Environ deux siècles plus tard, lorsque les thèmes mythologiques ont commencé à être revus, Les Trois Grâces des peintures ont continué à être créées. L'iconographie, cependant, a changé car elle ne montrait plus de corps réalistes ou anatomiquement parfaits, comme dans la peinture de Raphaël, l'atmosphère n'était ni idyllique ni romantique, comme dans les années Varotari.

Koloman Moser, par exemple, n'a révélé que le côté du corps de chacune de ses Trois Grâces, les peaux de ton ocre et les veines rouges. La composition, qui est symboliste, ne présente pas un jardin ou un champ comme avant.

Koloman Moser, Les Trois Grâces, date inconnue, collection privée. Beaux-Arts d'Amérique.

Dans la peinture de Moser, ce n'est pas seulement la structure de la composition qui change, mais aussi la technique et surtout l'idéal de beauté féminine.

Et parlant de changements de représentation, Lawrence Alma-Tadema crée sa version de Les Trois Grâces en utilisant un ensemble complexe de symboles.

Sir Lawrence Alma-Tadema, Les Trois Grâces, 1876, collection privée. Sotheby’s.

En plus de représenter les trois personnages au centre, le peintre a montré les autres grâces dans les coins de l'œuvre (en haut à gauche, par exemple, Loi, Commander, et Autorité). Comme dans les tableaux précédents, les femmes sont très proches, mais Alma-Tadema n'a représenté que leurs visages.

Au début du XXe siècle, alors que les mouvements d'avant-garde européens sont à leur apogée, le peintre Robert Delaunay pose Les Trois Grâces dans la Villa de Paris. Bien que Delaunay fragmente les personnages, il est encore possible de voir clairement qu'il suit la même structure compositionnelle que Raphaël.

Robert Delaunay, La Ville de Paris, 1912, Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, Paris, France.

Les Trois Grâces sont une belle inspiration d'une grande partie de ce que c'est d'être une femme. Bien que les personnages soient les mêmes, les représentations au fil du temps ont beaucoup changé. Parfois minces et avec des corps d'enfants, parfois plus matures, nus ou habillés, cheveux longs ou courts… Ces peintures prouvent que l'idée de beauté est dynamique et change tout le temps. Et c'est là que réside le paradoxe : l'idéal de beauté féminine n'est pas une idéal. Chaque femme a une particularité qui la rend plus belle. Et c'est la vraie Grâce d'être une femme.


Les Trois Grâces, Louvre - Histoire

Le musée du Louvre V
Article écrit par Rick Archer, mai 2007


029. Les Trois Grâces - Un mystère!

Note de Rick Archer : Eh bien, je pensais que c'était les Trois Grâces, mais je ne trouve aucune preuve corroborante que cette sculpture fait partie du Louvre. J'ai vu des photos d'au moins quatre sculptures différentes des « Trois Grâces », dont aucune n'incluait cette image ci-dessus.

Juillet 2010 Mystère Résolu !

Anna Anderson : c'est l'œuvre de James Pradier , sculpteur suisse, 1790-1852 . Il crée Les Trois Grâces en 1831. Il réside en effet au Louvre.


030. La Mort de Sardanapal , Eugène Delacroix, 1827

Eugène Delacroix compte parmi les plus grands et les plus influents des peintres français. Il est le plus souvent classé comme artiste de l'école romantique. Son utilisation remarquable de la couleur influencera plus tard les peintres impressionnistes et même les artistes modernes tels que Pablo Picasso.

Delacroix est né le 26 avril 1798 à Charenton-St-Maurice, en France. En 1815, il devient l'élève du peintre français Pierre-Narcisse Guérin et commence une carrière qui produira plus de 850 peintures et un grand nombre de dessins, peintures murales et autres œuvres. En 1822, Delacroix soumet son premier tableau à l'importante exposition du Salon de Paris : Dante et Virgile en enfer. Une technique utilisée dans cette œuvre - de nombreuses couleurs non mélangées formant ce qui, à distance, ressemble à un tout unifié - sera plus tard utilisée par les impressionnistes. Sa prochaine entrée au Salon date de 1824 : Massacre de Chios. Avec une grande vivacité de couleurs et une forte émotion, il dépeint un incident au cours duquel 20 000 Grecs ont été tués par des Turcs sur l'île de Chios. Le gouvernement français l'a acheté pour 6 000 francs.

Impressionné par les techniques de peintres anglais tels que John Constable, Delacroix visite l'Angleterre en 1825. Ses visites des galeries, ses visites au théâtre et ses observations de la culture anglaise en général le marquent durablement.

Entre 1827 et 1832, Delacroix semble produire un chef-d'œuvre après l'autre. Il a de nouveau utilisé des thèmes historiques dans La bataille de Nancy et La bataille de Poitiers. La poésie de Lord Byron a inspiré une peinture pour le Salon de 1827, Mort de Sardanapale.

(Remarque : le tableau le plus célèbre de Delacroix, La liberté guidant le peuple, se trouve à la page suivante.)


031. Quelqu'un connaît-il le nom du tableau ci-dessus ?


032. Abraham et Melchisédek, Pierre Paul Rubens (1577-1640). Musée des Beaux-Arts de Caen, France. (Titre contribué par Olga Milner. Veuillez noter que cette image n'est pas au Louvre.)


033: Triptyque de Jan Floreins (panneau central), artiste Hans Memling, 1479


Titre contribué par Anna Anderson, juillet 2010, avec cette note :

D'après ce que je comprends, cette photo ne fait pas partie du Louvre. On dit qu'il réside au Memlingmuseum, Sint-Janshospitaal, Bruges

Peut-être que votre photo en est une copie ? Les couleurs sont plus vives, mais c'est clairement le même travail. C'est un début.


034. Les deux soeurs , 1843, Théodore C hasserau (Titre contribué par Olga Milner)


035. L'usurier et sa femme (1514) Quentin Metsys (titre contribué par Rebecca)

Titre confirmé le Musée du Louvre site Internet


O bjectif Art

le neuf Muses sont les déesses grecques de l'inspiration, de l'apprentissage, des arts et de la culture. Selon la Théogonie d'Hésiode, Zeus a couché avec Mnémosyne ("Mémoire") pendant neuf jours et elle a donné naissance aux Muses. Ces déesses résidaient sur le mont Parnasse en Grèce centrale, cependant, certaines sources affirment que le mont Helicon en Béotie mérite cet honneur. Leur chef est Apollon, le dieu de la musique et de l'harmonie. Their frequent companions are the Three Graces and Desire.

The ancient Greeks believed that all learning was under the patronage of the Muses, and that they were the inspirers of poetry, music, and art. It was common for schools to have a shrine dedicated to the Muses, and any place dedicated to them was known as a "mouseion," -- the source of our word "museum." Plato and the Pythagoreans explicitly considered philosophy to be a sub-set of " m ousik ." The historian Herodotus, whose primary medium of delivery was public recitation, named each one of the nine books of his Histoires after a different Muse.

When Plato founded his Academy at Athens, he dedicated a shrine to these goddesses of learning. Subsequently, Aristotle founded a school in Athens called the Peripatos. His school also possessed a shrine which contained statues of the Muses. The famous Museum at Alexandria, founded by King Ptolemy I, was a temple of learning dedicated to the Muses. Before poets and storytellers would recite their work, it was customary for them to first invoke the inspiration and protection of the Muses.


Voir la vidéo: Visite de lexposition Le Corps et lÂme au Louvre English subtitles (Novembre 2021).