Informations

Cultures de l'image et cultures de la parole


La critique de Steven Weinberg en 2002 sur Stephen Wolfram Un nouveau genre de science contient les éléments suivants :

En cela, Wolfram s'allie à un camp dans l'antique lutte entre ce que (avec beaucoup de simplifications excessives) on pourrait appeler les cultures de l'image et les cultures du mot. À notre époque, il a fait surface dans la concurrence entre la télévision et les journaux et entre les interfaces utilisateur graphiques et les interfaces de ligne de commande dans les systèmes d'exploitation informatiques.

La culture de l'image a eu raison ces derniers temps. Pendant un certain temps, la culture du mot semblait avoir remporté une victoire avec l'introduction du son dans les films. Dans Boulevard du Coucher de Soleil, Norma Desmond rappelle que dans les films muets, « Nous n'avions pas besoin de dialogues. Nous avions des visages. Mais maintenant, les films peuvent durer de longues périodes sans mots, seulement le bruit des voitures se heurtant et le grésillement des sabres laser. L'essor de la culture de l'image a été favorisé par l'informatique et l'étude de la complexité, qui ont rendu possible la simulation d'images visuelles complexes.

Je suis un croyant non reconstruit en l'importance du mot, ou de son analogue mathématique, l'équation.

L'expression cruciale ici est "avec beaucoup de simplification excessive". Je me demande quelle pourrait être la tendance plus large qui se manifeste dans l'histoire des idées à laquelle Weinberg fait référence : son observation de « l'emprise de la culture de l'image » semble assez évidente à notre époque, et l'on pourrait conjecturer que la culture de l'image mot avait remporté une victoire plus tôt avec l'invention de l'imprimerie, disons. La dichotomie semble aussi porter sur un contraste entre modes de pensée et d'expression exacts/plus intuitifs que l'on attribue parfois à Ouest/Est (ou modernisme/postmodernisme, voire Wittgenstein I/II :).

Si la tendance a été observée (et nommée) par les historiens des idées, la décrivent-ils comme un va-et-vient entre (des généralisations appropriées) des cultures de l'image et du mot respectivement à travers les époques et les cultures, ou est-ce plutôt d'une emprise uniforme de la culture de l'image facilitée peut-être par les progrès technologiques et le fait que tout aurait pu être dit (mais pas par tout le monde) dans certains domaines ? Ou n'y a-t-il pas de tendance plus importante dans l'histoire et ce ne sont que des mots sentimentaux d'un individu plus âgé (et sage) d'un genre qui est peut-être constant d'une génération à l'autre ?


Je pense que Weinberg a tort d'affirmer la lutte entre le mot et l'image. Je pense que cet article d'Atiyah peut être informatif concernant l'interaction image-mot. En voici une citation pertinente :

« Laissez-moi essayer d'expliquer ma propre vision de la différence entre la géométrie et l'algèbre. La géométrie concerne, bien sûr, l'espace, cela ne fait aucun doute. Si je regarde le public dans cette salle, je peux voir beaucoup de choses ; dans une seule seconde ou microseconde, je peux absorber une grande quantité d'informations, et ce n'est bien sûr pas un accident.

Nos cerveaux ont été construits de telle manière qu'ils sont extrêmement préoccupés par la vision. La vision, je comprends d'amis qui travaillent en neurophysiologie, utilise quelque chose comme 80 ou 90 pour cent du cortex du cerveau. Il y a environ 17 centres différents dans le cerveau, dont chacun est spécialisé dans une partie différente du processus de vision : certaines parties sont concernées par la verticale, certaines parties avec l'horizontale, certaines parties avec la couleur ou la perspective, et enfin certaines parties sont soucieux du sens et de l'interprétation. Comprendre et donner un sens au monde que nous voyons est une partie très importante de notre évolution. Par conséquent, l'intuition spatiale ou la perception spatiale est un outil extrêmement puissant, et c'est pourquoi la géométrie est en fait une partie si puissante des mathématiques - non seulement pour les choses qui sont évidemment géométriques, mais même pour les choses qui ne le sont pas. Nous essayons de les mettre en forme géométrique car cela nous permet d'utiliser notre intuition.

[… ]

L'algèbre, d'autre part (et vous n'y avez peut-être pas pensé ainsi), concerne essentiellement le temps. Quel que soit le type d'algèbre que vous faites, une séquence d'opérations est effectuée l'une après l'autre et « une après l'autre » signifie que vous devez avoir le temps. Dans un univers statique, vous ne pouvez pas imaginer l'algèbre, mais la géométrie est essentiellement statique. Je peux juste m'asseoir ici et voir, et rien ne peut changer, mais je peux toujours voir. L'algèbre, cependant, se préoccupe du temps, parce que vous avez des opérations qui sont exécutées séquentiellement et, quand je dis « algèbre », je ne parle pas seulement de l'algèbre moderne. Tout algorithme, tout processus de calcul, est une séquence d'étapes exécutées les unes après les autres ; l'ordinateur moderne le montre assez clairement. L'ordinateur moderne prend ses informations dans un flux de zéros et de uns, et il donne la réponse.

L'algèbre s'intéresse à la manipulation du temps et la géométrie s'occupe de l'espace. Ce sont deux aspects orthogonaux du monde, et ils représentent deux points de vue différents en mathématiques. Ainsi, l'argument ou le dialogue entre les mathématiciens du passé sur l'importance relative de la géométrie et de l'algèbre représente quelque chose de très, très fondamental.

Bien sûr, il ne sert à rien de considérer cela comme un argument dans lequel une partie perd et l'autre gagne. J'aime penser à cela sous la forme d'une analogie : « devriez-vous être simplement algébriste ou géomètre ? » c'est comme dire « Préféreriez-vous être sourd ou aveugle ? Si vous êtes aveugle, vous ne voyez pas l'espace : si vous êtes sourd, vous n'entendez pas, et l'audition se fait dans le temps. Dans l'ensemble, nous préférons avoir les deux facultés."

Je voudrais ajouter à la citation ci-dessus que, selon l'OMI, il y a une certaine interaction entre le mot (ce qui est similaire à limité dans le temps algèbre car il décrit le Monde comme un séquence de mots) et le image (qui est similaire à l'espace géométrie pour des raisons évidentes). Suivant l'analogie d'Atiyah, prendre parti dans la prétendue lutte entre eux, c'est comme faire un choix entre être sourd et être aveugle ; la plupart des gens, comme il l'a dit, « préféreraient avoir les deux facultés ».


La culture de l'image

Lorsque l'ouragan Katrina a frappé la côte du golfe du Mississippi, de l'Alabama et de la Louisiane à la fin du mois d'août, les images de l'immense dévastation étaient immédiatement disponibles pour toute personne disposant d'un téléviseur ou d'une connexion Internet. Bien que des images de catastrophes naturelles et causées par l'homme aient longtemps été diffusées dans les journaux et à la télévision, le nombre et la variété des images à la suite de Katrina révèlent la sophistication, la vitesse et la puissance des images dans la culture américaine contemporaine. Des photographies satellite de l'espace nous ont offert des images miniatures avant et après du centre-ville de la Nouvelle-Orléans et de la côte endommagée de Biloxi. Des séquences vidéo d'un éventail de médias ont suivi les opérations de sauvetage et enregistré les pensées des survivants. téléphones portables ou appareils photo numériques et postés sur des blogs personnels, ont suivi le bilan des catastrophes sur d'innombrables personnes. Le monde s'est vu offrir, dans un espace de temps négligeable, des vues à la fois de l'œil de Dieu et de l'œil de l'homme d'une région dévastée. En quelques jours, alors que des images de la misère au Louisiana Superdome et des photographies de cadavres abandonnés dans les rues du centre-ville ont émergé, nous avons été confrontés à notre incapacité à faire face au chaos, à la destruction et au désespoir immédiats causés par la tempête. Ces images ont brutalement fait comprendre à quel point les États-Unis n'étaient pas préparés à faire face à une telle catastrophe.

Mais comment cette saturation d'images a-t-elle influencé notre compréhension de ce qui s'est passé à la Nouvelle-Orléans et ailleurs ? Comment la vitesse de diffusion des images a-t-elle modifié la réponse humanitaire et politique à la catastrophe ? Et comment, à terme, ces images influenceront-elles notre mémoire culturelle de la dévastation causée par l'ouragan Katrina ?

De telles questions pourraient être posées à propos de n'importe quelle catastrophe contemporaine et l'ont souvent été, en particulier à la suite des attentats terroristes de septembre 2001 à New York et à Washington, D.C., qui ont gravé à jamais dans la mémoire publique l'image des tours jumelles en feu. Mais la personne moyenne voit des dizaines de milliers d'images au cours d'une journée. On voit des images à la télévision, dans les journaux et magazines, sur les sites Web et sur les côtés des bus. Les images ornent les canettes de soda, les t-shirts et les panneaux d'affichage. "Dans notre monde, nous dormons et mangeons l'image, la prions et la portons aussi", a observé le romancier Don DeLillo. Les moteurs de recherche Internet peuvent instantanément obtenir des images pour pratiquement tous les mots que vous tapez. Sur flickr.com, un site Web de partage de photos, vous pouvez taper un mot tel que &ldquolove&rdquo et trouver des photos numériques amateurs de couples enlacés ou de parents étreignant leurs enfants. Tapez &ldquoterror&rdquo et parmi les résultats se trouve une photographie des tours du World Trade Center en feu. &ldquoVous vous souvenez quand c'était une image choquante ?&rdquo demande la personne qui a posté la photo.

La question n'est pas seulement rhétorique. Cela indique quelque chose d'important à propos des images dans notre culture : elles sont devenues, par leur nombre et leur facilité de reproduction, moins magiques et moins choquantes, une situation inconnue jusqu'à assez récemment dans l'histoire de l'humanité. Jusqu'au développement de la reproduction de masse, les images avaient plus de pouvoir et évoquaient plus de peur. Le deuxième des dix commandements énumérés dans Exode 20 met en garde contre l'idolâtrie, ou même la fabrication d'images taillées : , ou qui est dans l'eau sous la terre. Pendant la Réforme anglaise, le conseiller d'Henry VIII Thomas Cromwell a dirigé l'effort pour détruire les images et les icônes religieuses dans les églises et les monastères du pays, et a réussi suffisamment pour que peu survivent à ce jour. La décision prise en 2001 par le gouvernement taliban en Afghanistan de détruire les images dans tout le pays &mdash, y compris les deux imposants Bouddhas de pierre sculptés dans les falaises de Bamiyan &mdash n'est que l'exemple le plus récent de cette impulsion. Les dirigeants politiques ont longtemps craint les images et ont pris des mesures extrêmes pour les contrôler et les manipuler. Les sbires anonymes de manipulateurs qui ont désinfecté des photographies à la demande de Staline (un homme qui n'a apparemment jamais rencontré d'ennemi qu'il n'a pas assassiné, puis à l'aérographe de l'histoire) sont peut-être l'exemple le plus connu. Le contrôle des images a longtemps été une préoccupation des puissants.

On comprend pourquoi tant de personnes ont été si jalouses de l'influence de l'image. La vue est notre sens le plus puissant, beaucoup plus dominant dans la traduction de l'expérience que le goût, le toucher ou l'ouïe. Et les images font appel à l'émotion et souvent de manière viscérale. Ils réclament notre attention sans prononcer un mot. Ils peuvent nous persuader, nous repousser ou nous charmer. Ils peuvent être absorbés instantanément et facilement par quiconque peut voir. Ils semblent parler d'eux-mêmes.

Aujourd'hui, toute personne possédant un appareil photo numérique et un ordinateur personnel peut produire et modifier une image. En conséquence, le pouvoir de l'image a été dilué dans un sens, mais renforcé dans un autre. Il a été dilué par l'omniprésence des images et les nombreuses technologies populistes (comme les appareils photo bon marché et les logiciels de retouche d'images) qui donnent à presque tout le monde le pouvoir de créer, de déformer et de transmettre des images. Mais il a été renforcé par la capitulation progressive du mot imprimé devant les images, en particulier les images animées et la cession du texte à l'image, qui pourrait être comparée non pas à un candidat politique vaincu cédant à son adversaire, mais à une personne articulée rendue muette. , forcé de communiquer par le geste et l'expression plutôt que par le langage.

Les Américains aiment les images. Nous aimons le pouvoir de démocratisation des technologies &mdash telles que les appareils photo numériques, les caméras vidéo, Photoshop et PowerPoint &mdash qui nous permettent de créer et de manipuler des images. Ce que l'on est moins enclin à considérer, ce sont les effets culturels plus larges d'une société vouée à l'image. Les historiens et les anthropologues ont exploré l'histoire du mouvement de l'humanité d'une culture basée sur l'oral à une culture écrite, et plus tard à une culture imprimée. Mais ce n'est qu'au cours des dernières décennies que nous avons commencé à assimiler les effets du passage d'une culture basée sur l'imprimé à une culture largement basée sur les images. En faisant des images plutôt que des textes notre guide, ouvrons-nous de nouvelles perspectives pour la compréhension et l'expression, créant une forme de communication qui est "mieux que l'impression", comme l'a soutenu le professeur de communication de l'Université de New York Mitchell Stephens ? Ou sommes-nous simplement en train de faire un retour étrange et malvenu à des formes de communication autrefois dominantes dans les sociétés pré-lettrées &mdash créant peut-être un monde de hiéroglyphes et d'idéogrammes (bien que technologiquement sophistiqués) &mdash et dans le processus devenant, comme l'a soutenu feu Daniel Boorstin, servilement dévoué à l'image enchanteresse et superficielle au détriment des vérités plus profondes que seul l'écrit peut véhiculer ?

Deux choses en particulier sont en jeu dans notre confrontation contemporaine avec une culture basée sur l'image : Premièrement, la technologie a considérablement miné notre capacité à faire confiance à ce que nous voyons, mais nous n'avons pas suffisamment lutté contre les effets de cela sur nos notions de vérité. Deuxièmement, si l'on passe effectivement de l'ère de l'imprimé à une ère dominée par l'image, quel impact cela aura-t-il sur la culture au sens large et ses institutions ? À quoi ressembleront l'art, la littérature et la musique à l'ère de l'image ? Et allons-nous, à l'ère de l'image, nous habituer trop facilement à des choses vraisemblables plutôt que vraies, préférant l'apparence à la réalité et, ce faisant, rejetant les exigences de discipline et de patience que les choses vraies exigent souvent de nous si nous voulons comprendre leur sens et le décrire avec précision ? Les coûts potentiels du passage du mot imprimé à l'image sont immenses. Nous pouvons nous retrouver dans un monde où notre capacité à communiquer est ralentie, notre compréhension et notre acceptation de ce que nous voyons discutable, et notre désir de transmettre la culture d'une génération à l'autre sérieusement compromis.

Le miroir avec une mémoire

Le créateur de l'une des premières technologies de l'image a nommé son invention, à juste titre, pour lui-même. Louis-Jacques-Mandé Daguerre, un Français connu pour sa scénographie élaborée et fantaisiste dans le théâtre parisien, a commencé à s'appuyer sur le travail de Joseph Nicéphore Niepce pour essayer de produire une image fixe. Daguerre a appelé l'image qu'il a créée en 1837 le &ldquodaguerréotype&rdquo (l'acquisition d'un brevet du gouvernement français pour le procédé en 1839). Il a fait des réclamations extravagantes pour son appareil. Ce n'est "pas seulement un instrument qui sert à dessiner la nature", écrit-il en 1838, il lui "donne le pouvoir de se reproduire".

Malgré sa fragilité technologique et ses images souvent spectrales, le daguerréotype était étrangement efficace pour capturer des lueurs de personnalité dans ses portraits fixes. Les daguerréotypes existants d'Américains bien connus au XIXe siècle comprennent: un jeune et sérieux Abraham Lincoln, sans barbe, un affable Horace Greeley en chapeau de poêle et une image austère de la suffragette Lucy Stone. Un daguerréotype d'Edgar Allen Poe, pris en 1848, représente l'écrivain avec une expression sinistre et les bras croisés, et a été pris peu de temps avant que Poe ne soit trouvé en délire et au seuil de la mort dans les rues de Baltimore.

Mais le daguerréotype a fait plus que capturer la posture d'un citoyen en équilibre. Cela a également changé les perceptions des artistes sur la nature humaine. Nathaniel Hawthorne & rsquos 1851 romance gothique, La maison aux sept pignons, a une morale ancienne (« les méfaits d'une génération vivent dans les générations successives ») mais a utilisé une technologie moderne, le daguerréotype, pour dérouler son histoire sur le démasquage d'un mal latent et purulent. Dans l'histoire, Holgrave, l'étrange locataire vivant dans la maison à pignon, est un daguerréotypiste (ainsi qu'un radical politique) qui dit de son art : personnage avec une vérité sur laquelle aucun peintre ne s'aventurerait jamais, même s'il pourrait le détecter. & rdquo Ce sont les daguerréotypes argentés de Holgrave qui révèlent finalement les motifs infâmes du juge Pyncheon & mdash et suggèrent ainsi que la caméra pourrait exposer le caractère humain plus intensément que l'œil .

Oliver Wendell Holmes a appelé la photo le « miroir avec une mémoire » et, en 1859, il a prédit que le « quorimage deviendrait plus important que l'objet lui-même et rendrait en fait l'objet jetable ». Mais l'éloge de la photographie n'était pas universel. &ldquoUn Dieu vengeur a prêté l'oreille aux prières de cette multitude. Daguerre était son Messie », disait le poète français Charles Baudelaire dans un essai écrit en 1859. « Notre société sordide se précipita, Narcisse vers un homme, pour contempler son image triviale sur un morceau de métal. le génie s'appauvrissait.

Les critiques contemporaines de la photographie ont parfois fait écho à la peur de Baudelaire. Dans son élégant essai prolongé, Sur la photographie, feu Susan Sontag soutient que les images &mdash en particulier les photographies &mdash comportent le risque de saper les choses vraies et les expériences authentiques, ainsi que le danger de bouleverser notre compréhension de l'art. &ldquoConnaître beaucoup de choses sur ce qu'il y a dans le monde (l'art, la catastrophe, les beautés de la nature) à travers des images photographiques&rdquo, note Sontag, &ldquo les gens sont souvent déçus, surpris, impassibles quand ils voient la vraie chose.&rdquo Ce n'est pas un problème nouveau , bien sûr, cela a tourmenté le monde de l'art lorsque le processus d'impression a permis la reproduction en série de grandes œuvres d'art, et ses effets peuvent encore être vus chaque fois que l'on surprend un visiteur de musée exprimer sa déception que le Van Gogh qu'il voit accroché au mur ne soit nulle part presque aussi vibrant que celui sur sa tasse de café.

Mais le point de Sontag&rsquos est plus large et suggère que la photographie nous a obligés à considérer que l'exposition aux images ne crée pas nécessairement une compréhension des choses elles-mêmes. Les images ne conduisent pas nécessairement au sens, les informations qu'elles véhiculent ne conduisent pas toujours à la connaissance. Cela est dû en partie au fait que les images photographiques doivent être constamment rafraîchies si l'on veut continuer à attirer l'attention sur elles. &ldquoLes photographies choquent dans la mesure où elles montrent quelque chose de nouveau&rdquo, soutient Sontag.&ldquoMalheureusement, la mise ne cesse d'augmenter &mdash en partie à cause de la prolifération même de telles images d'horreur.» Les images, conclut Sontag, ont transformé le monde &ldquoien un grand magasin ou un musée-sans-murs»,» un endroit où les gens &ldquo deviennent des clients ou des touristes de réalité.»

D'autres critiques contemporains, comme Roger Scruton, ont également déploré ce danger de diversion et se sont inquiétés de notre dépendance potentielle aux images. « Les images photographiques, avec leur capacité de réalisation de fantasmes, ont un caractère distrayant qui nécessite un contrôle magistral pour ne pas devenir incontrôlable », écrit Scruton. &ldquoLes gens élevés avec de telles images … en ont inévitablement besoin.» Marshall McLuhan, le gourou des médias des années 60, a proposé peut-être la métaphore la plus directe et la plus appropriée pour la photographie : il l'a appelée &ldquotthe bordel-sans-murs.» Après tout, il noté, les images de célébrités dont nous suivons si avidement le comportement « peut être achetées, étreintes et regardées plus facilement que les prostituées publiques » et le tout pour un prix considérablement réduit.

Néanmoins, les photographies conservent encore une partie de l'allure magique qu'inspiraient les premiers daguerréotypes. Comme l'observe W. J. T. Mitchell dans Que veulent les images ?, &ldquoLorsque les élèves se moquent de l'idée d'une relation magique entre une image et ce qu'elle représente, demandez-leur de prendre une photo de leur mère et de découper les yeux.&rdquo En tant qu'objets, nos photographies ont changé, elles sont devenues physiquement plus fragiles car elles ont changé. devenir plus sophistiqués sur le plan technologique. Daguerre a produit des images sur des plaques de cuivre aujourd'hui, beaucoup de nos photographies ne deviennent jamais des choses tangibles, mais restent plutôt classées sur des ordinateurs et des appareils photo, une partie de l'éther numérique qui enveloppe le monde moderne. Dans le même temps, notre patience pour la création d'images s'est également érodée. Les enfants d'aujourd'hui sont habitués à être suivis dès la naissance par des appareils photo numériques et des enregistreurs vidéo et ils s'attendent à voir les résultats de leurs poses et de leurs performances instantanément. &ldquoLaissez-moi voir&rdquo, dit un enfant, lorsque vous la prenez en photo avec un appareil photo numérique. Et elle le fait, immédiatement. L'espace entre la vie telle qu'elle est vécue et la vie telle qu'elle s'affiche se réduit à une seconde. Pourtant, malgré ces évolutions techniques, les photographies restent puissantes car elles rappellent les personnes et les choses qui nous tiennent à cœur. Ce sont des substituts portés au combat par un soldat ou par un voyageur en vacances. Ils existent pour nous rappeler les absents, les bien-aimés et les morts. Mais dans la nouvelle ère de l'image numérique, ils ont également un plus grand potentiel pour favoriser le mensonge et la supercherie, perpétuant des fictions qui semblent si réelles que nous ne pouvons pas faire la différence.

Commissaires disparus et présidents assoiffés de sang

La nature humaine étant ce qu'elle est, peu de temps s'est écoulé après l'invention de la photographie avant qu'un moyen de modifier et de falsifier les photographies ne soit développé. Un photographe allemand dans les années 1840 a découvert un moyen de retoucher les négatifs, raconte Susan Sontag, et, de manière perverse sinon imprévisible, « la nouvelle selon laquelle l'appareil photo pouvait mentir a rendu la photographie beaucoup plus populaire ».

L'un des manipulateurs de masse les plus réussis de l'image photographique était Staline. Comme le raconte David King dans son livre fascinant, Le commissaire s'évanouit : la falsification des photographies et de l'art dans la Russie stalinienne, la manipulation d'images était le prolongement de la mégalomanie paranoïaque de Staline. « L'éradication physique des opposants politiques de Staline aux mains de la police secrète a été rapidement suivie de leur effacement de toute forme d'existence picturale », écrit King. L'aérographe, l'encre de Chine et le scalpel ont tous été mobilisés pour éliminer les ennemis tels que Trotsky des photographies. «Il n'est guère de publication de la période stalinienne qui ne porte les stigmates de ce vandalisme politique», conclut King.

Même dans les sociétés non autoritaires, la falsification précoce des photos était couramment utilisée pour duper les masses. Une nouvelle exposition au Metropolitan Museum of Art de New York, &ldquoThe Perfect Medium: Photography and the Occult,&rdquo présente une gamme de photographies des États-Unis et de l'Europe de la fin du XIXe et du début du XXe siècle qui prétendent montrer des fantômes, médiums en lévitation, et un éventail hétéroclite d'autres émanations qui ont été présentées comme preuve du monde des esprits par les adeptes du mouvement spirite populaire à l'époque. Les images, qui incluent des images de têtes minuscules enveloppées de fumée et planant au-dessus des sourcils froncés des médiums, et des fantômes en robes diaphanes marchant dans les jardins, sont « devient fantasmagoriques, belles, dérangeantes et hilarantes », note le New York Times. Ils créent des « enregistrements visuels de décennies de fraude, d'arnaques, de flimflams et de crédulité ».

Staline et les spiritualistes n'étaient pas les seuls à manipuler des images au service de la reconstruction du passé et beaucoup d'ex-amoureux en colère ont pris des photos d'un bien-aimé dans l'espoir que l'excision des images pourrait également éliminer les mauvais souvenirs du invite des images. Mais c'était le début d'un programme informatique appelé Photoshop en 1990 qui a permis aux masses, à peu de frais et facilement, de commencer à réécrire l'histoire visuelle. Photoshop et les nombreux programmes de copie qui ont suivi dans son sillage permettent aux utilisateurs de manipuler des images numériques avec une grande facilité &mdash redimensionnement, changement d'échelle et défauts d'aérographe, entre autres &mdash et ils ont tous deux été dénoncés pour avoir facilité la mort de l'ancien chambre noire et salués comme des outils démocratiques de libre expression. "C'est la conséquence inévitable de la démocratisation de la technologie", a déclaré à Salon.com John Knoll, l'inventeur de Photoshop. &ldquoVous donnez aux gens un outil, mais vous pouvez&rsquot vraiment contrôler ce qu'ils en font.&rdquo

Pour certaines personnes, bien sûr, proposer Photoshop comme outil revient à donner un bâton de dynamite à un tout-petit. L'année dernière, La nation a publié une publicité qui utilisait Photoshop pour superposer la tête du président Bush sur l'image d'une sculpture brutale et inquiétante de Richard Serra (qui elle-même emprunte à la peinture de Goya, « Saturne dévorant l'un de ses enfants », de sorte que Bush semblait dévorer avec enthousiasme un torse humain nu. Contrairement à l'image écoeurante, le texte d'accompagnement apparaît prim: www.pleasevote.com. Comme cette image et d'autres le suggèrent, Photoshop a introduit une nouvelle insouciance dans notre relation avec l'image. Nous avons tendance à perdre le respect pour les choses que nous pouvons manipuler. Et quand nous pouvons si facilement manipuler des images &mdash même des images de présidents ou de proches &mdash, nous contribuons au déclin du respect pour ce que l'image représente.

Photoshop est populaire non seulement parce qu'il nous permet de régler des comptes visuellement, mais aussi parce qu'il fait appel à notre désir d'incongru (et de grivois). &ldquoLes concours Photoshop&rdquo tels que ceux trouvés sur le site Web Fark.com offrent aux gens la possibilité de créer des images loufoques et fantastiques qui sont ensuite jugées par d'autres dans le cyberespace. C'est une impulsion qui est antérieure au logiciel et dont le fournisseur américain le plus enthousiaste était peut-être P.T. Barnum. Au XIXe siècle, Barnum a aboyé une tristement célèbre « femme sirène » qui était en fait la tête moisie d'un singe cousue sur le corps d'un poisson. Photoshop nous permet d'utiliser des pixels plutôt que la taxidermie pour réaliser de tels fantasmes, mais la motivation pour les créer est la même : ils sont une forme de réalisation de souhaits et, parfois, un véhicule pour renforcer nos préjugés existants.

Bien sûr, l'ingérence de Photoshop n'est pas la seule tactique disponible pour produire des images trompeuses. Les magazines retouchaient et retouchaient régulièrement les photographies bien avant l'invention des logiciels d'édition d'images. Et bien sûr, même les images &ldquoauthentiques&rdquo peuvent être mises en scène, comme les années 1960 La vie des photos de magazine de Muhammad Ali qui le montraient s'entraînant sous l'eau en fait, Ali savait même nager, et il n'avait fait aucun entraînement sous-marin pour ses combats avant d'entrer dans la piscine pour cette séance photo. Plus récemment, en juillet 2005, le Magazine du New York Times a fait froncer les sourcils lorsqu'il n'a pas révélé que les photographies d'Andres Serrano accompagnant une couverture sur l'interrogatoire des prisonniers étaient en fait des images mises en scène plutôt que du simple photojournalisme. (Serrano était déjà tristement célèbre pour sa photographie controversée de 1989, &ldquoPiss Christ.&rdquo) Le Fois L'éditeur public a réprimandé le magazine pour avoir enfreint les directives du papier selon lesquelles "les images de nos pages qui prétendent représenter la réalité doivent être authentiques à tous points de vue".

Mais si Photoshop n'a pas inventé la fraude à l'image, il a fait de nous tous des praticiens potentiels. Il permet à l'utilisateur moyen d'un ordinateur de devenir un farceur numérique dont les réjouissances avec des photographies peuvent créer plus que des images idiotes et cela peut engendrer une controverse politique et sociale. Dans un article très médiatisé publié dans Salon.com en 2004, Farhad Manjoo a exploré en profondeur l'une de ces controverses : une image qui montrait prétendument un réserviste de la Marine américaine en Irak debout à côté de deux jeunes garçons. Un garçon tenait une pancarte en carton qui disait : &ldquoLe Lcpl Boudreaux a tué mon père puis il a mis ma sœur en cloque !&rdquo Lorsque l'image a trouvé son chemin jusqu'au Council on American-Islamic Relations (CAIR), rapporte Manjoo, cela a semblé prouver que le groupe était pire. craintes concernant le comportement des soldats américains en Irak. Un communiqué de presse en colère a rapidement suivi. Mais ensuite, une autre image a fait surface sur divers sites Web, identique au premier à l'exception du texte écrit sur le panneau en carton, qui disait maintenant, &ldquoLcpl Boudreaux a sauvé mon père puis il a sauvé ma sœur !&rdquo L'authenticité des deux photos n'a jamais été prouvée de manière satisfaisante, et , comme le note Manjoo, l'épisode rappelle que dans le monde Photoshop d'aujourd'hui, & ldquopictures sont infiniment flexibles. & rdquo (Fait intéressant, CAIR s'est retrouvé au centre d'un récent scandale Photoshop, le Hebdomadaire Standard signalé, lorsqu'il a été démontré que l'organisation avait photoshopé un hijab, ou foulard, sur plusieurs femmes sur une photo prise lors d'un événement CAIR, puis posté l'image falsifiée sur le site Web de l'organisation.)

Tout comme les campagnes politiques du passé produisaient des pamphlets et des slogans injurieux, Photoshop aide aujourd'hui à produire des images trompeuses. La campagne Bush-Cheney a été mise au pilori pour avoir utilisé une image photoshopée d'une foule de soldats lors de la récente élection présidentielle. La photo a dupliqué des groupes de soldats pour faire paraître la foule plus grande qu'elle ne l'était en réalité. Les visages répliqués des soldats rappelaient une scène de foule montée plus tôt et plus grossièrement, « Staline et les masses », produite en 1930, qui prétendait montrer le dictateur lugubre, en pardessus et en casquette, debout devant une foule de communistes fidèles. (D'autres campagnes politiques & mdash et les départements de publicité universitaires & mdash auraient également eu recours à Photoshop sur des images pour les faire paraître plus racialement diversifiées.) De même, une image des années 70 de Jane Fonda s'adressant à une foule anti-guerre avec un jeune et admirativement admiratif Le regard de John Kerry a également été créé avec la sorcellerie Photoshop mais a largement circulé sur Internet lors de la dernière élection présidentielle comme preuve des opinions extrêmes de Kerry. L'image falsifiée a dupé plusieurs médias avant que sa provenance douteuse ne soit révélée. (Une autre image de Kerry et Fonda, les montrant tous les deux assis dans le public lors d'un rassemblement anti-guerre en 1970, était authentique.)

Photoshop, en effet, démocratise la possibilité de commettre des fraudes. En conséquence, quelques programmeurs informatiques créent de nouvelles techniques de détection numérique pour découvrir les contrefaçons et les manipulations. L'inspecteur Javert de la fraude numérique est le professeur d'informatique de Dartmouth, Hany Farid, qui a développé un logiciel qui analyse la configuration des pixels dans les images numériques. Étant donné que toutes les images numériques sont, par essence, une collection de codes, le programme Farid&rsquo déniche &ldquo des schémas anormaux d'informations qui, bien qu'invisibles à l'œil, sont détectables par ordinateur&rdquo et qui représentent une possible falsification, selon le New York Times. "Auparavant, vous aviez une photo, et c'était la fin & mdash c'était la vérité", a déclaré Farid en juillet dernier. &ldquoNous&rsquor essayons de ramener une partie de cela. Pour remettre une certaine mesure de garantie dans la photographie.&rdquo

Mais la manipulation numérique des images peut également être utilisée à des fins beaucoup plus éclairées que la suppression des imperfections des modèles et l'attaque des opposants politiques. Certains artistes utilisent Photoshop uniquement pour améliorer les photographies qu'ils prennent, d'autres ont fait de l'édition numérique une partie centrale de leur art. Les vastes images du photographe allemand Andreas Gursky, dont les photos de Montparnasse, de la Bourse de Tokyo et d'un magasin à 99 cents utilisent la retouche numérique, nous incitent à regarder des espaces familiers d'une manière inconnue. Les portraits pris et photoshopés par l'artiste Loretta Lux sont "des images envoûtantes d'enfants qui semblent pris au piège entre le XIXe et le XXIe siècle, qui n'existent que dans le domaine magique de l'art", selon un New York Fois critique. Ici la manipulation de l'image ne s'immisce pas. Il éclaire. Dans ces images, la manipulation de l'image sert au moins une vision artistique authentique, une vision qui s'appuie sur de véritables normes esthétiques et critiques. Ironiquement, ce sont ces mêmes standards qu'une culture vouée à l'image risque de compromettre.

L'effet MTV

L es images fixes du daguerréotypage et de la photographie ont jeté les bases de l'image en mouvement dans le film et la vidéo comme l'a fait la photographie avant eux, ces technologies ont suscité des émerveillements et des revendications générales sur les mérites de cette nouvelle façon de voir. En 1915, après une projection du cinéaste D. W. Griffith&rsquos La naissance d'une nation, Woodrow Wilson a déclaré que c'était "comme écrire l'histoire avec la foudre" (un jugement que Griffith a rapidement commencé à utiliser dans ses efforts de promotion pour le film). Les images en mouvement sont aussi puissantes que les photos, sinon plus. Comme les photographies, elles font appel à l'émotion et peuvent être lues de manières concurrentes. Pourtant, les images en mouvement changent si rapidement et si souvent qu'elles arrêtent notre attention et sollicitent la capacité du cerveau à absorber ce que nous voyons. Ils deviennent une présence omniprésente dans la vie publique et privée &mdash à tel point que Camille Paglia, critique avisée des images, a appelé notre monde &ldquoa starscape médiatique d'images explosives mais évanescentes.&rdquo

L'image en mouvement, comme la photographie, peut également être utilisée pour prouver ou réfuter des affirmations concurrentes. Au cours du débat juridique et politique entourant le cas de Terri Schiavo, par exemple, l'enregistrement vidéo de ses déplacements et de son apparente réactivité envers ses proches est devenu central dans ce conflit familial devenu drame national. Ceux qui ont plaidé pour garder Schiavo en vie ont utilisé les images comme preuve qu'elle avait effectivement des sentiments et des pensées qui rendaient les tentatives de retirer son tube d'alimentation barbares et immorales. Ceux qui pensaient qu'elle devait mourir (y compris son mari) pensaient que la bande était "grossièrement trompeuse", car elle représentait un portrait trompeur de la condition réelle de Schiavo. La plupart du temps, selon son mari et d'autres, Terri n'a pas démontré qu'elle était « quoimmobile, sans expression ». Dans l'affaire Schiavo, l'image en mouvement était à la fois l'alibi et l'accusateur.

La plupart des Américains consomment des images animées via les médias de la télévision et des films (et, dans une moindre mesure, via Internet et les jeux vidéo). Ces dernières années, dans ce que de nombreux observateurs ont appelé « l'effet MTV », ces images en mouvement sont devenues plus agiles et moins exigeantes pour notre attention. Passant rapidement d'une image à l'autre dans des segments montés à la hâte (dans certains cas aussi rapidement qu'une image tous les trentièmes de seconde), la télévision et, dans une moindre mesure, les films nous offrent un flux constant de bonbons visuels. L'ancien vice-président Al Gore, la nouvelle chaîne de télévision d'accès public à but lucratif, Current TV, est la dernière expression de cette tendance. Le site Web du réseau répertorie sa programmation à venir par petits incréments de temps : &ldquoIn 1 min,&rdquo &ldquoIn 3 min,&rdquo &ldquoIn 10 min,&rdquo et ainsi de suite. En passant en revue les premières émissions de la chaîne, New York Times la critique de télévision Alessandra Stanley a noté les nombreuses techniques "conçues pour maintenir une courte durée d'attention", y compris une "barre de progression" en bas de l'écran qui compte le temps restant pour chacun des segments et dont certains ne durent que 15 secondes.

Selon les passionnés de la télévision, la vitesse et la sophistication des images en mouvement permettent des formes nouvelles et améliorées de narration orale qui peuvent et doivent remplacer les véhicules obsolètes comme le roman. Apologiste du jeu vidéo et de la télévision Steven Johnson, auteur de Tout le mal est bon pour vous, rêve d'un monde de &ldquoboîtes de DVD tapissant les étagères du salon comme tant de romans à trois étages.&rdquo Si la télévision est notre nouvelle forme de narration, alors nos compétences en matière de narration ont diminué, comme tous ceux qui ont regardé la nouvelle série de sitcoms et de drames qui première (puis disparaître rapidement) chaque automne sur les grands réseaux peuvent en témoigner. (Montre comme Les Sopranos sont peut-être l'exception rare.) En fait, la télévision ne « raconte pas vraiment d'histoires ». Écrit il y a quelques années dans le journal Valeurs des médias et des amplis, J. Francis Davis a noté que bien que la télévision soit en un sens une forme de narration, les messages les plus importants qui émanent de l'écran &lquo sont ceux qui ne sont pas verbalisés &mdash les histoires et les mythes cachés dans son flux constant d'images.»

Ce sont précisément ces histoires cachées dans l'image en mouvement qui excitent les critiques comme le professeur de NYU Mitchell Stephens. Dans La montée de l'image, la chute de la parole, Stephens soutient que l'image en mouvement offre un remède potentiel à la "crise de l'esprit" qui afflige notre société, et il est enthousiasmé par le fait que "l'image remplace le mot comme moyen prédominant de transport mental". Stephens envisage un avenir de apprendre par synecdoque, en utilisant des images vives et condensées : &ldquoUne demi-seconde du Capitole peut suffire pour indiquer le gouvernement fédéral, une photo rapide d'une femme aux cheveux blancs peut représenter l'âge.La partie, en d'autres termes, se substituera au tout de sorte que dans un laps de temps donné il sera possible de considérer un plus grand nombre de touts. théâtre du XXe siècle, et il deviendra l'écriture du XXIe siècle.

Peut-être le sera-t-il. Mais Stephens, comme d'autres promoteurs de l'image, ne parvient pas à reconnaître ce que nous perdrons et gagnerons si cette révolution réussit. Il dit, par exemple, « nos descendants apprendront sans doute encore à lire et à écrire, mais ils liront et écriront sans doute moins souvent et, par conséquent, moins bien.» Le langage, lui aussi, sera &ldquo moins précis, moins subtil» et les livres &ldquo seront maintenir un public restreint et élitiste. C'est donc l'avenir qui invite à la célébration : un monde où, après un siècle d'efforts pour rendre l'alphabétisation aussi largement accessible que possible & mdash pour en faire un outil pour les masses & mdash la capacité de lire et l'écriture est de nouveau rendue à l'élite. La lecture et l'écriture deviennent soit ce qu'elles étaient avant l'éducation généralisée &mdash une marque de privilège &mdash, soit des préoccupations antiquaires ou de simples passe-temps, comme la collection de pièces de monnaie.

Stephens suppose également que les personnes qui absorberont ces images auront à leur disposition une réserve de connaissances pour les interpréter. Une photo rapide d'une femme aux cheveux blancs pourrait effectivement être assimilée à un symbole de « ldquoage » pour une personne, comme le dit Stephens, mais elle pourrait aussi raisonnablement inciter des idées telles que « la teinture pour les cheveux », « ldquo de la souplesse » ou « la sécurité sociale » à une autre. Comme l'observe Camille Paglia de ses propres élèves, « les jeunes d'aujourd'hui sont inondés d'images déconnectées mais manquent d'un instrument sympathique pour les analyser ainsi que d'un cadre de référence historique dans lequel les situer. » Ils manquent, en d'autres termes, d'un langage partagé ou un lexique qui leur permettrait d'interpréter des images puis de communiquer une compréhension de ce qu'ils voient.

Un tel déficit posera un défi unique pour la transmission culturelle d'une génération à l'autre. Comment, dans le futur monde de l'image en mouvement de Stephens, l'histoire, la littérature et l'art seront-ils transmis à la prochaine génération ? Il pourrait imaginer des salles de classe où les enfants regardent History Channel plutôt que de se pencher sur des manuels ennuyeux. Mais peu importe à quel point on peut apprécier la version télévisée de BBC&rsquos de Orgueil et préjugés, cela ne remplace pas la lecture de la prose d'Austen&rsquos, et un documentaire sur la Convention constitutionnelle américaine n'est pas aussi efficace pour distiller les idéaux politiques de la première république américaine que la lecture Les papiers fédéralistes. Les images en mouvement sont une aide précieuse à l'apprentissage et à la compréhension, mais leur victoire en tant que meilleur moyen de former des habitudes d'esprit rigoureuses n'est en aucun cas assurée.

De plus, Stephens accepte sans critique l'affirmation selon laquelle les "anciens jours" de la culture écrite et imprimée sont révolus (ou presque) et suppose que la vidéo est le langage qui a émergé, comme certaines espèces évoluant par un processus de sélection naturelle, pour prendre sa place. dans la culture. Il n'entrevoit pas la possibilité que la raison pour laquelle l'image en mouvement remplace l'écrit n'est pas parce que c'est, en fait, une forme supérieure pour la communication des idées, mais parce que l'image en mouvement &mdash plus que l'écrit &mdash grossièrement mais satisfait de manière enivrante notre désir de stimulation et de gratification immédiate.

Comme tout bon passionné de techno, Stephens prend les choix que nous avons faits en masse en tant que culture (comme regarder la télévision plutôt que lire), les accepte sans contestation, puis les déclare inévitables. C'est une forme de raisonnement que les passionnés de technologie emploient souvent lorsqu'ils tentent de répondre aux préoccupations des sceptiques. Bien que rhétoriquement utile à court terme, cette stratégie évite les vraies questions : les choses devaient-elles se passer de cette façon plutôt que de cette façon ? Est-ce que chaque tendance culturelle rend une culture vraiment meilleure ? En négligeant de se poser ces questions, l'enthousiaste devient presque panglossien dans ses hymnes à son nouveau monde.

Il existe, bien sûr, une littérature longue et approfondie critique de la télévision et de l'image en mouvement, notamment les travaux de Neil Postman, Jerry Mander et Marie Winn. Et comme pour la photographie, depuis ses débuts, certains craignaient que la télévision ne sape notre appréciation des choses vraies. &ldquoTelevision s'accroche à la théorie discutable selon laquelle tout ce qui se passe n'importe où doit être ressenti partout&rdquo,» E. B. White a écrit dans Le new yorker en 1948. &ldquoSi tout le monde est capable de tout voir, à long terme, toutes les vues peuvent perdre la valeur de rareté qu'elles possédaient autrefois, et il se pourrait bien que les gens, étant capables de voir et d'entendre pratiquement tout, seront particulièrement ne s'intéressent à presque rien.» D'autres sont encore plus directs. Comme l'écrit Roger Scruton, &ldquoEn observant les produits de la culture vidéo, on arrive à comprendre pourquoi les Grecs insistaient pour que les acteurs portent des masques, et que toutes les violences se déroulent en coulisses».» Il est possible, en d'autres termes, d'en voir trop et en voyant perdre notre emprise sur ce qui est réel. La télévision est le véhicule parfait pour cette expérience, car elle nous bombarde d'images choquantes, stimulantes et agréables, tout en nous gardant à l'écart de ce que nous voyons.

Mais le pouvoir que l'image en mouvement exerce désormais sur la vie américaine moderne s'est considérablement accru ces dernières années. C'est comme si l'écran de télévision Jumbotron qui surplombe Times Square à New York s'était répliqué et installé en permanence dans l'espace public. De grands écrans diffusant un nombre illimité d'images et de publicités peuvent être trouvés dans la plupart des arènes sportives, des restaurants et des centres commerciaux, ils apparaissent même dans un nombre croissant de grandes églises. Le cabinet du dentiste et du médecin ne sont plus des refuges à l'abri d'un barrage d'images et de sons. Une promenade dans un terminal d'aéroport est désormais un gant d'images en mouvement, car les téléviseurs boulonnés dans les plafonds ou les murs émettent des segments vides de CNN & rsquo dédié à la programmation de l'aéroport & rdquo une fois à bord d'un avion, nous avons droit à des affichages non-stop de films et d'options télévisées comme & ldquoNBC In Flight. &rdquo L'omniprésence des téléviseurs dans l'espace public est souvent expliquée comme une tentative de divertir et de distraire, mais en fait elle semble plus réussie à l'agacement ou à l'anesthésie. Pour les personnes qui souhaitent voyager, manger ou prier en silence, il existe peu d'options au-delà du dispositif délicieusement subversif &ldquoTV-B-Gone&rdquo, une télécommande universelle de la taille d'un porte-clés qui permet aux utilisateurs d'éteindre les téléviseurs dans les lieux publics. Cependant, compte tenu du nombre de téléviseurs actuellement utilisés, il faudrait une armée d'utilisateurs de TV-B-Gone pour rétablir la paix et la tranquillité dans l'espace public.

L'un des développements les plus surprenants de ces dernières années est l'interjection d'images en mouvement dans la salle de concert classique. En 2004, le New York Philharmonic a expérimenté un écran de 15 pieds sur 20 pieds qui projetait d'énormes images des musiciens et du chef d'orchestre au public lors des représentations de Wagner et Brahms. L'administrateur de l'orchestre qui a encouragé le projet a été catégorique quant à sa motivation : &ldquoNous voulons augmenter la fréquentation des concerts, changer la démographie»», a-t-il déclaré au New York Times. &ldquoEt la jeune génération est plus sensible aux stimuli visuels.&rdquo Un consultant de l'industrie de la musique classique a fait écho à ce sentiment. "Nous devons reconnaître qu'il s'agit d'une génération visuelle", a-t-il déclaré. &ldquoIls sont habitués à voir les choses plus qu'à entendre.&rdquo Les symphonies de Vancouver, San Diego, Omaha, Atlanta et Philadelphie ont toutes essayé d'utiliser des images en mouvement pendant les concerts, et certains orchestres ont recours à des gadgets tels que la projection d'œuvres de l'art lors des représentations de Moussorgski&rsquos &ldquoPictures at an Exhibition,&rdquo ou la diffusion d'images de l'espace pendant Holst&rsquos &ldquoThe Planets.&rdquo

Parmi les moins satisfaits du triomphe de l'image en mouvement dans la salle de concert, il y a les musiciens eux-mêmes, qui se transforment malencontreusement en stars de la vidéo. « J'ai trouvé cela très distrayant », a déclaré un violoniste du New York Philharmonic. &ldquoLes gens pourraient aussi bien rester à la maison avec leur téléviseur grand écran&rdquo, a déclaré un autre avec résignation. "C'est la voie de MTV, et je ne suis pas sûr que ce soit la voie à suivre". Les images, qui défilent sur un grand écran au-dessus de leurs têtes, exigent beaucoup moins de l'attention active de leur public que les notes et accords compliqués, les rythmes et les motifs, provenant de leurs instruments. La capitulation de la salle de concert devant l'image en mouvement suggère que dans une culture fondée sur l'image, l'art n'aura de valeur que dans la mesure où il peut être commercialisé comme un divertissement. L'image en mouvement redéfinit toutes les autres formes d'expression à son image, nous laissant souvent appauvris dans le processus.

Bonbons Cerveau

L'inquiétude concernant les effets à long terme de la saturation par les images en mouvement n'est pas simplement l'expression d'une angoisse quasi-luddite ou d'un conservatisme culturel. Il repose sur ce que les neurosciences nous apprennent sur le cerveau et sur la façon dont il traite les images. Les images peuvent avoir un impact physiologique profond sur ceux qui les regardent. Le Dr Steven Most, chercheur postdoctoral à l'Université de Yale, a récemment découvert que les images graphiques peuvent nous "aveugler" en altérant brièvement le cerveau, souvent pendant un cinquième de seconde. Comme son collègue chercheur l'a expliqué à Nouvelles de la découverte: &ldquoLes mécanismes cérébraux qui nous aident à nous occuper des choses deviennent liés par l'image provocatrice, incapables de s'orienter vers d'autres stimuli.&rdquo

Une autre étude menée par des chercheurs du Center for Cognitive Science de l'Ohio State University a révélé que, pour les jeunes enfants, le son était en fait plus captivant que les images et, dans certains cas, très largement. Les résultats de la recherche, publiés dans Développement de l'enfant, a montré que « les enfants semblent être capables de traiter un seul type de stimuli à la fois » et que « pour les nourrissons, les sons sont préférés presque exclusivement », une préférence qui se poursuit jusqu'à l'âge de quatre ans au moins. Dans leur livre Imagination et jeu à l'ère électronique, Dorothy et Jerome Singer soutiennent que « les médias électroniques tels que la télévision, le cinéma et les jeux vidéo peuvent désormais contribuer au développement de l'enfant » d'une conscience continue autonome mais avec des contraintes particulières. Regarder et écouter seuls sans autres incitations sensorielles", écrivent-ils, "peuvent être des guides d'action trompeurs".

Les recherches sur la fonction de la région principale du cortex visuel du cerveau suggèrent qu'il n'est pas alarmiste de supposer qu'une stimulation visuelle constante du type diffusé à la télévision pourrait avoir des effets profonds sur le cerveau des enfants, dont la fonction neurologique continue de se développer tout au long de l'enfance et adolescence. Une étude menée à l'Université de Rochester et publiée dans la revue La nature en 2004, impliqué, assez étrangement, de suivre les modèles de traitement visuel des furets qui ont été forcés de regarder le film La matrice. Les chercheurs ont découvert des choses surprenantes : les furets adultes « avaient des motifs neuronaux dans leur cortex visuel qui étaient très bien corrélés avec les images qu'ils voyaient », selon un résumé de la recherche, « mais cette corrélation n'existait pas du tout chez les très jeunes furets, ce qui suggère le très la base de la compréhension de la vision peut être une tâche très différente pour les jeunes cerveaux par rapport aux vieux cerveaux. & raquo Les jeunes furets " absorbaient et traitaient les stimuli visuels " tout comme les furets adultes, mais ils " ne traitaient pas les stimuli d'une manière qui reflète la réalité ".

Ces types de découvertes ont conduit à des avertissements concernant l'impact négatif à long terme des images en mouvement sur les jeunes esprits. Une étude publiée en 2004 dans la revue Pédiatrie, par exemple, a trouvé un lien clair entre l'écoute précoce de la télévision et des problèmes ultérieurs tels que le trouble déficitaire de l'attention/hyperactivité, et des recherches récentes ont suggéré des effets troublants à court terme sur le comportement des jeunes joueurs de jeux vidéo violents. En bref : les images en mouvement & mdash omniprésentes dans les maisons et les espaces publics & mdash posent des défis au développement sain lorsqu'elles deviennent le principal objet de l'attention des enfants. Inculquer aux jeunes la culture de l'image peut être mauvais pour leur cerveau.

La fermeture de l'esprit PowerPoint

Une culture qui élève ses enfants au lait de l'image en mouvement ne doit pas s'étonner lorsqu'ils se montrent réticents à s'en sevrer à l'âge adulte. Nulle part la preuve n'est plus évidente que dans le monde des affaires, devenu amoureux et obéissant à une technologie particulière de l'image : le logiciel informatique PowerPoint.

PowerPoint, un programme inclus dans la suite logicielle populaire & ldquoMicrosoft Office & rdquo, permet aux utilisateurs de créer des présentations visuelles à l'aide de modèles de diapositives et de graphiques pouvant être projetés depuis un ordinateur sur un écran plus grand pour un public plus avantageux. L'ajout d'un &ldquoAutoContent Wizard,&rdquo qui est moins un magicien qu'une duègne électronique, guide utilement l'utilisateur à travers une gamme de modèles existants, suggérant des puces, des résumés et des images. Sa facilité d'utilisation a fait de PowerPoint une présence fiable et omniprésente lors des réunions du conseil d'administration et des conférences dans le monde entier.

Ces dernières années, cependant, la portée de PowerPoint s'est étendue au-delà du bureau commercial. Les gens ont utilisé des diapositives PowerPoint lors de leurs réceptions de mariage pour décrire leur parade nuptiale sous la forme d'une série de "points prioritaires" et d'images. Les enfants de l'école primaire utilisent le logiciel pour créer des rapports de livres et des présentations en classe criblés de puces. Comme une histoire de 2001 dans le New York Fois signalé, &ldquo69 pour cent des enseignants qui utilisent des logiciels Microsoft utilisent PowerPoint dans leurs salles de classe.&rdquo

Malgré son utilisation généralisée, PowerPoint a suscité des critiques presque depuis sa création et a été qualifié de tout, de catastrophe à virus. Certains prétendent que le programme aide au sophisme. Comme l'a dit un scientifique en chef de Sun Microsystems : &ldquoCela vous donne un éclat d'authenticité convaincant qui peut couvrir un manque total d'honnêteté.» D'autres ont fait valoir que cela étouffe la discussion et permet aux présentateurs qui n'ont pas grand-chose à dire de dissimuler leur ignorance en clignotant constamment. images et puces. La frustration à l'égard de PowerPoint est devenue si répandue qu'en 2003, le New yorkais a publié un dessin animé qui illustrait un entretien d'embauche typique en enfer. Dans ce document, le diable demande à son candidat : &ldquoJ'ai besoin de quelqu'un qui connaît bien l'art de la torture &mdash connaissez-vous PowerPoint ?&rdquo

Les personnes soumises sans cesse à des présentations PowerPoint se plaignent de son effet étrangement effrayant sur la pensée et la discussion et de la façon dont les diapositives en constante évolution détournent facilement l'attention de la substance d'une présentation d'un orateur. Ces préoccupations ont incité Scott McNealy, le président de Sun Microsystems, à interdire à ses employés d'utiliser PowerPoint à la fin des années 1990. Mais c'est l'exégèse de l'état d'esprit PowerPoint publiée par le professeur émérite de Yale Edward Tufte en 2003 qui reste le défi le plus poussé à cette technologie lourde d'images et analytiquement faible. Dans un petit dépliant intitulé Le style cognitif de PowerPoint, Tufte a fait valoir que PowerPoint&rsquo est une gamme vertigineuse de modèles et de diapositives &ldquo affaiblit le raisonnement verbal et spatial, et presque toujours corrompre l'analyse statistique.&rdquo Parce que PowerPoint est &ldquo-orienté sur le présentateur» plutôt que sur le contenu ou le public, a écrit Tufte, il favorise un &ldquocognitif » caractérisé par &dquoprécédemment des preuves et de la pensée, un raisonnement spatial faible … un séquençage temporel rapide d'informations minces … une décoration ostentatoire … une préoccupation pour le format et non le contenu, [et] une attitude de mercantilisme qui transforme tout en argumentaire de vente.&rdquo PowerPoint, Tufte a conclu, est &ldquofaux-analytique.&rdquo

Tufte&rsquos critique de PowerPoint a utilisé un exemple tragique mais efficace : la navette spatiale Colombie catastrophe. Lorsque les ingénieurs de la NASA ont évalué la sécurité de la navette, qui avait atteint l'orbite mais courait des risques lors de la rentrée en raison de tuiles endommagées par de la mousse lâche lors du lancement, ils ont utilisé des diapositives PowerPoint pour illustrer leur raisonnement et prendre une décision malheureuse qui a conduit à de très mauvaises performances techniques. la communication. Le Columbia Accident Investigation Board a par la suite cité "l'utilisation endémique de diapositives PowerPoint au lieu de documents techniques comme illustration des méthodes problématiques de communication technique à la NASA". s'exprimer en termes de ses propres fonctionnalités et protocoles. En conséquence, seul ce qui peut être dit à l'aide de PowerPoint vaut la peine d'être dit.

Pseudo-Événements et Pseudo-Culture

Bien que PowerPoint n'ait pas encore été créé lorsqu'il a publié son livre, L'image, en 1961, l'historien Daniel Boorstin n'en était pas moins clairvoyant dans ses mises en garde sur les dangers d'une culture qui confiait à l'image ses décisions rationnelles. En élevant l'image au-dessus du fond et la forme au-dessus du contenu, Boorstin a fait valoir que la société risquait de substituer les « pseudo-événements » à la vie réelle et la création d'images personnelles à la vertu réelle. (Il a décrit en détail les nouveaux efforts visant à créer des images publiques pour le célèbre et le moins célèbre, un processus bien illustré par une publicité Canon Camera d'il y a plusieurs années qui mettait en vedette la star du tennis Andre Agassi déclarant avec insouciance : & ldquoL'image est tout.»)

« Les pseudo-événements qui inondent notre conscience ne sont ni vrais ni faux au sens ancien,» Boorstin a écrit, mais ils ont créé un monde « où la fantaisie est plus réelle que la réalité, où l'image a plus de dignité que son original.» Le résultat était une culture de "héros synthétiques, d'attractions touristiques préfabriquées, [et] de formes d'art et de littérature homogénéisées et interchangeables". "Nous risquons d'être le premier peuple de l'histoire à avoir su rendre ses illusions si vives, si persuasives, si "réalistes" qu'elles puissent y vivre", écrit-il.

D'autres critiques ont suivi Boorstin. Dans La disparition de l'enfance, Neil Postman a écrit sur la façon dont les &ldquo révolutions électronique et graphique&rdquo ont lancé un &ldquoun assaut coordonné mais puissant contre le langage et l'alphabétisation, une refonte du monde des idées en icônes et images à la vitesse de la lumière.&rdquo Images, Postman inquiet, &ldquoask nous de ressentir , pour ne pas penser.&rdquo Le critique français Roland Barthes s'est inquiété que &ldquotthe image n'est plus illustre les mots ce sont maintenant les mots qui, structurellement, sont parasites de l'image.» Dans une itération plus récente de la même idée, le critique technologique Paul Virilio a identifié une &ldquogrande menace pour le mot» dans le &ldquopouvoir évocateur de l'écran.» &ldquoC'est le temps réel qui menace l'écriture", a-t-il noté, "une fois l'image vivante, il y a conflit entre le temps différé et le temps réel, et en cela il y a une menace sérieuse pour l'écriture et pour l'auteur".

Les événements réels sont maintenant comparés à ceux des personnages de sitcom. Les véritables tragédies ou accidents sont décrits comme étant « comme un film » (une pratique que Susan Sontag a remarquée pour la première fois dans les années 1970). Même l'imagination est souvent paralysée par notre culture basée sur l'image. Pour chaque artiste créatif (comme Gursky) utilisant Photoshop, il existe une pléthore d'artistes gestuels et superficiels comme Damien Hirst, qui a fièrement déclaré à un intervieweur qu'il passait plus de temps à regarder la télévision que jamais dans les galeries.

Est-il possible de trouver un équilibre entre le techno-enthousiasme naïf pour la culture de l'image et l'« esprit d'opacité du bouledogue », comme l'a décrit McLuhan, qui a alimenté un scepticisme excessif à l'égard des nouvelles technologies dans le passé ? Peut-être que les passionnés de l'écrit finiront par former une guilde en déclin, mise à la retraite par les universités, les gouvernements et les groupes de réflexion pour vivre leurs jours dans une obscurité tranquille alors que les pourvoyeurs de la culture de l'image étendent leur portée. Mais le souci d'une culture de l'image a une histoire riche, et aucune des deux parties ne peut encore revendiquer la victoire. Dans la préface de son livre, L'essence du christianisme, publié en 1843, Feuerbach se plaignait de ce que sa propre époque « préfère l'image à la chose, la copie à l'original, la représentation à la réalité, l'apparence à l'être ».

Les passionnés de technologie se plaisent à nous rappeler, comme s'ils racontaient une étrange histoire de triomphe de la raison sur la superstition, que les nouvelles technologies ont toujours suscité la controverse. L'imprimerie a énervé les philosophes scolastiques et les scribes religieux dont la vie s'est ensuite rythmée au rythme du manuscrit, le téléphone a été mis en cause par un cadre craignant de menacer la convivialité et la communication en face à face, etc. Les laborieux copieurs de manuscrits craignaient en effet l'imprimerie, et certains traditionalistes résistaient vigoureusement aux intrusions du téléphone. Mais à une époque de grande hiérarchie sociale, une grande partie de cela était motivée par un mépris de l'élite pour l'influence démocratisante de ces technologies et leur potentiel de renversement des conventions sociales (ce que beaucoup d'entre eux ont fait). La critique contemporaine de notre culture saturée d'images n'est pas une critique des moyens par lesquels nous créons des images (caméras, télévision, vidéo). Personne ne plaiderait sérieusement pour l'élimination de ces technologies, comme l'ont fait ceux qui craignaient l'invention de Gutenberg lorsqu'ils ont détruit les presses à imprimer. La critique est une expression d'inquiétude au sujet de la prend fin d'une culture basée sur l'image et notre réticence à considérer si ces fins pourraient être ce que nous voulons vraiment pour notre société.

Le souci de la culture de l'image n'est pas non plus simplement une peur de perdre notre emprise sur ce qui est familier et ce monde connu avec sa longue histoire de dépendance à l'écrit. Les copistes qui craignaient l'imprimerie n'avaient pas tort de croire qu'elle les rendrait obsolètes. Ça faisait. Mais les critiques contemporains qui s'interrogent sur la prolifération des images dans la culture et qui craignent que le nombre même d'images ne sape la sensibilité qui crée les lecteurs de l'écrit (les remplaçant par des interprètes intelligents mais superficiels de l'image) craignent d'être usurpés par l'image. -fabricants. Ils sont motivés en grande partie par l'espoir de préserver ce qui reste de leur métier. Ils ressemblent davantage à l'écologiste qui a fait de la forêt sa maison pour découvrir, à sa grande surprise, que les animaux avec lesquels il la partage diminuent rapidement en nombre. Ce qu'il veut savoir, dans son état de perplexité, n'est pas « comment puis-je me retirer plus profondément dans la forêt ? », mais « comment puis-je préserver les quelques survivants avant que toute trace d'eux ne soit perdue ? »

Il en est ainsi de ceux qui résistent à une culture fondée sur l'image. Comme ses boosters le suggèrent, il est là pour rester et deviendra probablement plus puissant avec le temps, faisant de nous tous des flâneurs virtuels se promenant sur des boulevards remplis d'images numériques et d'images animées. Nous serons, bien sûr, énormément divertis par ces images, et beaucoup d'entre elles nous raconteront des histoires de manières nouvelles et passionnantes. En même temps, cependant, nous aurons perdu quelque chose de profond : la capacité de rassembler les mots pour décrire les ambiguïtés de la vie et les sources de nos idées la possibilité de transmettre aux autres, avec la subtilité, la précision et la poésie de l'écrit , pourquoi des événements ou des personnes particuliers nous affectent comme ils le font et la capacité, à travers le langage, de distiller le sens plus profond de l'expérience commune. Nous deviendrons une société d'un million d'images sans grande mémoire, une société qui attend avec impatience à chaque seconde une réplique immédiate de ce qu'elle vient de faire, mais qui ne supporte pas le difficile travail de transmission de la culture d'une génération à l'autre.


Contes et traditions culturelles

La narration est aussi vieille que la culture. De nombreuses sociétés ont des traditions de narration établies de longue date. Les histoires et leurs performances ont pour fonction de divertir et d'éduquer.

Anthropologie, Sociologie, Géographie, Géographie humaine, Religion, Sciences humaines, Civilisations anciennes, Conte

Seder de la Pâque

La célébration de la Pâque juive comprend un rituel de narration connu sous le nom de seder, ou ordre. Au cours d'un repas, l'histoire de l'exode des Juifs hors d'Egypte est racontée.

Photographie de B. Anthony Stewart

Celui-ci répertorie les logos des programmes ou partenaires de NG Education qui ont fourni ou contribué au contenu de cette page. Nivelé par

La narration est universelle et aussi ancienne que l'humanité. Avant l'écriture, il y avait la narration. Il se produit dans toutes les cultures et à tous les âges. Il existe (et a existé) pour divertir, informer et diffuser des traditions et des valeurs culturelles.

La narration orale consiste à raconter une histoire à travers la voix et les gestes. La tradition orale peut prendre de nombreuses formes, y compris des poèmes épiques, des chants, des comptines, des chansons, etc. Toutes ces histoires ne sont pas historiquement exactes ou même vraies. La vérité est moins importante que la cohésion culturelle. Il peut englober les mythes, les légendes, les fables, la religion, les prières, les proverbes et les instructions.

Voici quelques exemples de contes comme méthode de transmission des traditions culturelles.

Conte de Choctaw

Comme toutes les tribus amérindiennes, les Choctaw ont une tradition de narration orale qui remonte à plusieurs générations. Leurs histoires étaient destinées à préserver l'histoire de la tribu et à éduquer les jeunes. Par exemple, la tradition orale Choctaw comprend deux histoires de création : l'une se rapporte à la migration de l'ouest et l'autre à la création à partir d'un monticule. En outre, la tradition orale comprend l'histoire ainsi que des leçons de vie ou des enseignements moraux. Beaucoup de contes traditionnels Choctaw utilisent des personnages d'animaux pour enseigner de telles leçons dans une veine humoristique.

Contes autochtones hawaïens

Le mot natif hawaïen pour histoire est &ldquomoʻolelo&rdquo, mais il peut aussi signifier histoire, légende, tradition, etc. Il vient de deux mots, mo&rsquoo, qui signifie succession, et olelo, qui signifie langage ou parler. Ainsi, l'histoire est la « succession du langage », puisque toutes les histoires étaient orales. Les histoires hawaïennes indigènes comprenaient l'histoire du premier Hawaïen, né d'une racine de taro. D'autres histoires racontent la navigation à travers les mers.

Traditionnellement, les conteurs autochtones hawaïens, qui connaissaient l'histoire et la généalogie, étaient des membres honorés de la société. La narration hawaïenne ne se limitait pas aux mots seuls et mdashit incluait la parole, mais englobait également mele (chanson), oli (chant) et hula (danse).

Les Hawaïens appréciaient les histoires parce qu'elles étaient non seulement divertissantes, mais qu'elles enseignaient également à la prochaine génération le comportement, les valeurs et les traditions.

Contes d'Afrique de l'Ouest

Les peuples d'Afrique subsaharienne ont de fortes traditions de narration. Dans de nombreuses régions d'Afrique, après le dîner, le village se rassemble autour d'un feu central pour écouter le conteur. Comme dans d'autres cultures, le rôle du conteur est de divertir et d'éduquer.

Les griots font partie de la culture ouest-africaine : conteurs, troubadours et conseillers des rois. Ils remplissaient les fonctions de conteur, de généalogiste, d'historien, d'ambassadeur, etc. Certaines des histoires les plus célèbres d'Afrique de l'Ouest sont celles d'Anansi, l'araignée filou.

Les griots étaient traditionnellement héréditaires, une profession ou une fonction transmise de génération en génération. Il y avait aussi des écoles de griots, où l'on pouvait suivre une formation plus formelle. Les hommes et les femmes peuvent exercer la profession (les femmes sont appelées griottes), bien que les femmes aient un statut un peu moins élevé.

Le peuple juif et le Seder de la Pâque

Le jour de la Pâque, les familles de confession juive célèbrent l'exode du peuple juif de l'esclavage en Égypte. La célébration de la Pâque comprend un rituel de narration connu sous le nom de seder, ou ordre. Au cours d'un repas, l'histoire de l'Exode est racontée, une tradition orale transmise de génération en génération pour éduquer les jeunes. Une partie importante de la cérémonie consiste en « quatre questions » posées par les plus jeunes enfants présents, qui sont l'impulsion pour raconter l'histoire.

Conte irlandais

Les seanchai étaient les gardiens irlandais traditionnels de l'histoire. Ils voyageaient de village en village, récitant des traditions anciennes et des contes de sagesse. Ils ont raconté les vieux mythes ainsi que les nouvelles et les événements locaux. Les contes de rois et de héros sont au premier plan de la tradition orale irlandaise.

Aujourd'hui, la narration et l'intérêt pour la narration semblent faire un retour en force. Comme l'a dit un conteur irlandais : &ldquoIt&rsquos un besoin de connexion &hellip Je pense que la narration nourrit les connexions avec les gens dans la vraie vie.&rdquo

La célébration de la Pâque juive comprend un rituel de narration connu sous le nom de seder, ou ordre. Au cours d'un repas, l'histoire de l'exode des Juifs hors d'Egypte est racontée.


Qu'est-ce que le patrimoine culturel ?

On entend souvent parler de l'importance du patrimoine culturel. Mais qu'est-ce que le patrimoine culturel ? Et à qui appartient l'héritage ? Dont le patrimoine national, par exemple, La Joconde de Léonard de Vinci appartiennent? Est-ce français ou italien ?

Tout d'abord, examinons le sens des mots. Le « patrimoine » est une propriété, quelque chose qui est hérité, transmis par les générations précédentes. Dans le cas du « patrimoine culturel », le patrimoine n'est pas constitué d'argent ou de propriété, mais de culture, de valeurs et de traditions. Le patrimoine culturel implique un lien partagé, notre appartenance à une communauté. Il représente notre histoire et notre identité, notre lien au passé, à notre présent et à l'avenir.

Patrimoine culturel matériel et immatériel

Le patrimoine culturel évoque souvent des artefacts (peintures, dessins, gravures, mosaïques, sculptures), des monuments et des bâtiments historiques, ainsi que des sites archéologiques. Mais le concept de patrimoine culturel est encore plus large que cela, et s'est progressivement développé pour inclure toutes les preuves de la créativité et de l'expression humaines : photographies, documents, livres et manuscrits, et instruments, etc. soit en tant qu'objets individuels, soit en tant que collections. Aujourd'hui, les villes, le patrimoine subaquatique et l'environnement naturel sont également considérés comme faisant partie du patrimoine culturel puisque les communautés s'identifient au paysage naturel.

De plus, le patrimoine culturel ne se limite pas aux seuls objets matériels que nous pouvons voir et toucher. Il se compose également d'éléments immatériels : traditions, histoire orale, arts du spectacle, pratiques sociales, artisanat traditionnel, représentations, rituels, savoirs et savoir-faire transmis de génération en génération au sein d'une communauté.

Le patrimoine immatériel comprend donc un éventail vertigineux de traditions, de musiques et de danses telles que le tango et le flamenco, les processions sacrées, les carnavals, la fauconnerie, la culture des cafés viennois, le tapis azerbaïdjanais et ses traditions de tissage, le théâtre d'ombres chinoises, le régime méditerranéen, le chant védique, Théâtre Kabuki, le chant polyphonique des Aka d'Afrique centrale (pour ne citer que quelques exemples).

L'importance de protéger le patrimoine culturel

Mais le patrimoine culturel n'est pas seulement un ensemble d'objets culturels ou de traditions du passé. C'est aussi le résultat d'un processus de sélection : un processus de mémoire et d'oubli qui caractérise toute société humaine constamment engagée à choisir, pour des raisons à la fois culturelles et politiques, ce qui mérite d'être préservé pour les générations futures et ce qui ne l'est pas.

Tous les peuples apportent leur contribution à la culture du monde. C'est pourquoi il est important de respecter et de sauvegarder tout le patrimoine culturel, par le biais des lois nationales et des traités internationaux. Le trafic illicite d'artefacts et d'objets culturels, le pillage de sites archéologiques et la destruction de bâtiments et monuments historiques causent des dommages irréparables au patrimoine culturel d'un pays. L'UNESCO (Organisation des Nations Unies pour l'éducation, la science et la culture), fondée en 1954, a adopté des conventions internationales sur la protection du patrimoine culturel, pour favoriser la compréhension interculturelle tout en soulignant l'importance de la coopération internationale.

La protection des biens culturels est un problème ancien. L'un des problèmes les plus récurrents dans la protection du patrimoine culturel est la relation difficile entre les intérêts de l'individu et de la communauté, l'équilibre entre les droits privés et publics.

Les Romains de l'Antiquité ont établi qu'une œuvre d'art pouvait être considérée comme faisant partie du patrimoine de l'ensemble de la communauté, même si elle était de propriété privée. Par exemple, les sculptures ornant la façade d'un bâtiment privé étaient reconnues comme ayant une valeur commune et ne pouvaient être supprimées, car elles se trouvaient dans un lieu public, où elles pouvaient être vues par tous les citoyens.

Lysippe de Sikyon, Apoxyomenos (grattoir), copie hellénistique ou romaine après le IVe s. original grec, ch. 390-306 avant notre ère (Musée Pio-Clementino, Vaticana)

Dans son Naturalis Historia l'auteur romain Pline l'Ancien (23-79 de notre ère) a rapporté que l'homme d'État et général Agrippa a placé le Apoxyomène, chef d'oeuvre du très célèbre sculpteur grec Lysippe, devant ses thermes. La statue représentait un athlète grattant la poussière, la sueur et l'huile de son corps avec un instrument particulier appelé « strigile ». L'empereur Tibère a profondément admiré la sculpture et a ordonné qu'elle soit retirée de la vue du public et placée dans son palais privé. Le peuple romain se souleva et l'obligea à rendre le Apoxyomène à son emplacement précédent, où tout le monde pouvait l'admirer.

Notre droit de profiter des arts et de participer à la vie culturelle de la communauté est inclus dans la Charte des Nations Unies de 1948. déclaration universelle des droits de l'Homme.

L'héritage culturel de qui ?

Le terme «patrimoine culturel» évoque généralement l'idée d'une société unique et la communication entre ses membres. Mais les frontières culturelles ne sont pas nécessairement bien définies. Artistes, écrivains, scientifiques, artisans et musiciens apprennent les uns des autres, même s'ils appartiennent à des cultures différentes, éloignées dans l'espace ou dans le temps. Il suffit de penser à l'influence des estampes japonaises sur les tableaux de Paul Gauguin ou des masques africains sur les œuvres de Pablo Picasso. Ou vous pourriez aussi penser à l'architecture occidentale dans les maisons libériennes en Afrique. Lorsque les esclaves afro-américains libérés retournèrent dans leur patrie, ils construisirent des maisons inspirées du style néoclassique des manoirs sur les plantations américaines. Le style néoclassique américain a été à son tour influencé par l'architecte de la Renaissance Andrea Palladio, qui avait été influencé par l'architecture romaine et grecque.

Prenons un autre exemple, celui de la La Joconde peint au début du XVIe siècle par Léonard de Vinci, et exposé au musée du Louvre à Paris. D'un point de vue moderne, dont l'héritage national fait le La Joconde appartenir à?

Personnes prenant des photos de la Joconde, photo : Heather Anne Campbell (CC BY-NC-ND 2.0)

Leonardo était un peintre italien très célèbre, c'est pourquoi le La Joconde fait évidemment partie du patrimoine culturel italien. Lorsque Léonard est allé en France, pour travailler à la cour du roi François Ier, il a probablement apporté le La Joconde avec lui. Il semble qu'en 1518 le roi François Ier ait acquis le La Joconde, qui a donc fini dans les collections royales : c'est pourquoi elle fait évidemment aussi partie du patrimoine national français. Ce tableau a été défini comme l'œuvre d'art la plus connue, la plus visitée, la plus écrite et la plus parodiée au monde : à ce titre, il fait partie du patrimoine culturel de toute l'humanité.

Le patrimoine culturel qui nous a été transmis par nos parents doit être préservé pour le bien de tous. À l'ère de la mondialisation, le patrimoine culturel nous aide à nous souvenir de notre diversité culturelle, et sa compréhension développe le respect mutuel et un dialogue renouvelé entre les différentes cultures.


Perles AMÉRICAINS INDIGÈNES

En Amérique du Nord, où la perle la plus ancienne jamais trouvée remonte à 11 000 avant J. Ayant besoin de pouvoir se déplacer rapidement à travers la vaste étendue de l'Ouest américain, poussés par la sécheresse, le manque de bisons ou la guerre avec d'autres tribus, les Amérindiens ont concentré leurs efforts artistiques sur des objets faciles à transporter.

À l'Est, certaines tribus utilisaient des coquillages marins pour créer des perles appelées wampum, qui étaient évaluées comme monnaie, servaient de document historique et étaient portées comme bijoux. Lorsqu'ils étaient enfilés comme des ceintures, le wampum servait de symbole d'accord – en fait, un document signé.

Votre meilleur pari pour acheter des perles authentiques amérindiennes est lors d'un pow-wow officiel, qui sert à la fois de ciment social et de spectacle tribal. De tels rassemblements impliquent généralement plusieurs tribus et artistes dans des prouesses énergiques de rotation et de tournoiement: pompage des bras, soulèvement des genoux et perles puissantes.


La progression de la culture bureautique des années 50 à nos jours

La culture du bureau a beaucoup changé au fil des ans.

Certains de ces changements se sont en fait reflétés dans les tendances de conception des lieux de travail.

Les bureaux d'angle étaient censés véhiculer un prestige et un statut hiérarchiques. La cabine était destinée à améliorer la vie des employés, mais est finalement devenue un symbole de la corvée de l'entreprise.Et la disposition des bureaux ouverts actuellement populaire a été présentée comme une approche plus égalitaire, mais a également reçu un contrecoup assez important.

Dans son livre de 2014 « Le meilleur endroit où travailler : l'art et la science de la création d'un lieu de travail extraordinaire », Ron Friedman conclut que le jury ne sait toujours pas quel style est l'option la moins terrible.

"Les cabines sont déprimantes. Les bureaux privés isolent. Les espaces ouverts sont distrayants", écrit-il.

Mais les grands changements dans la culture du travail aux États-Unis n'ont pas seulement été une question d'apparence.

Le travail d'équipe est ostensiblement dedans, tandis que la hiérarchie est dehors. Les machines à écrire ont été lancées avec l'avènement d'ordinateurs plus rapides et conviviaux. Le jargon d'entreprise et les idées sur la sécurité de l'emploi ont également subi d'importants changements.

La diversité raciale au sein de la main-d'œuvre s'est accrue au fil du temps, même si de nombreux domaines ont encore du chemin à parcourir.

Et le harcèlement sexuel sur le lieu de travail est passé d'un phénomène omniprésent et largement accepté à un phénomène omniprésent mais un peu moins largement accepté.

Jetons un regard rétrospectif sur l'évolution de la culture du bureau au fil des ans :


Vie politique

Gouvernement. Le Nigeria est une république, le président étant à la fois chef de l'État et chef du gouvernement. Le Nigéria a une longue histoire de coups d'état, régime militaire et dictature. Cependant, ce schéma a été rompu le 29 mai 1999 lorsque l'actuel président du Nigeria, Olusegun Obasanjo, a pris ses fonctions à la suite d'élections populaires. En vertu de la constitution actuelle, les élections présidentielles doivent avoir lieu tous les quatre ans, aucun président n'exerçant plus de deux mandats. La législature nigériane se compose de deux chambres : un Sénat et une Chambre des représentants. Tous les législateurs sont élus pour un mandat de quatre ans. La branche judiciaire du Nigeria est dirigée par une Cour suprême, dont les membres ont été nommés par le Conseil provisoire de gouvernement, qui a gouverné le Nigeria lors de sa récente transition vers la démocratie. Tous les Nigérians de plus de dix-huit ans ont le droit de voter.

Dirigeants et responsables politiques. Une riche élite politique domine la vie politique au Nigeria. La relation entre l'élite politique et les Nigérians ordinaires n'est pas sans rappeler celle entre les nobles et les roturiers. Les dirigeants nigérians, qu'ils soient membres d'un régime militaire ou de l'un des gouvernements civils de courte durée du Nigéria, ont l'habitude de faire tout ce qu'il faut pour rester au pouvoir et conserver la richesse que ce pouvoir leur a donnée.

Les Nigérians ruraux ont tendance à accepter ce système politique noble-paysan. Les faibles niveaux d'éducation et d'alphabétisation signifient que de nombreuses personnes dans les zones rurales ne sont pas pleinement conscientes du processus politique ou de la manière de l'influencer. Leur isolement relatif du reste du pays signifie que beaucoup ne pensent même pas à la politique. Il y a un sentiment commun dans de nombreuses zones rurales que la personne moyenne ne peut pas affecter la politique du pays, il n'y a donc aucune raison d'essayer.

Les Nigérians urbains ont tendance à être beaucoup plus vocaux dans leur soutien ou leur opposition à leurs dirigeants. Les problèmes urbains de logement, de chômage, de soins de santé, d'assainissement et de circulation ont tendance à mobiliser les gens vers l'action politique et les manifestations publiques d'insatisfaction.

Les partis politiques ont été interdits sous le régime d'Abacha et ne sont revenus qu'après sa mort. Aux élections présidentielles de 1999, il y avait trois principaux partis politiques au Nigeria : le Parti démocratique du peuple (PDP), le Parti de tous les peuples (APP) et l'Alliance pour la démocratie (AD). Le PDP est le parti du président Obasanjo. Il est né du soutien aux dirigeants de l'opposition emprisonnés par le gouvernement militaire au début des années 1990. On pense généralement que le PDP a reçu une aide financière importante de l'armée lors des élections de 1999. L'APP est dirigée par des hommes politiques qui avaient des liens étroits avec le régime d'Abacha. L'AD est un parti dirigé par des partisans de feu Moshood Abiola, le politicien yoruba qui a remporté les élections générales de 1993, avant d'être envoyé en prison par le régime militaire.

Problèmes sociaux et contrôle. Le plus grand problème social du Nigeria est peut-être la violence interne qui sévit dans le pays. Les combats interethniques dans tout le pays, les émeutes religieuses entre musulmans et non-musulmans à propos de la création de la charia (loi islamique stricte) dans les États du nord, et les affrontements politiques entre les minorités ethniques et les bailleurs de fonds des compagnies pétrolières déclenchent souvent des affrontements sanglants qui peuvent durer. jours voire des mois. Lorsque des violences de ce type éclatent, la police nationale et étatique tentent de les contrôler. Cependant, la police elle-même est souvent accusée de certaines des pires violences. Dans certains cas, des couvre-feux et la loi martiale ont été imposés dans des zones spécifiques pour tenter d'endiguer les troubles.

La pauvreté et le manque d'opportunités pour de nombreux jeunes, en particulier dans les zones urbaines, ont conduit à des crimes majeurs. Lagos est considérée comme l'une des villes les plus dangereuses d'Afrique de l'Ouest en raison de son taux de criminalité incroyablement élevé. La police est chargée de contrôler le crime, mais son manque de succès conduit souvent à une justice d'autodéfense.

Dans certaines zones rurales, il existe des moyens plus traditionnels de résoudre les problèmes sociaux. Dans de nombreux groupes ethniques, comme les Igbo et les Yoruba, les hommes sont organisés en sociétés secrètes. Les membres initiés de ces sociétés s'habillent souvent de masques et de feuilles de palmier pour se faire passer pour l'incarnation physique des esprits traditionnels pour aider à maintenir l'ordre social. Grâce à la danse rituelle, ces hommes donneront des avertissements sur les problèmes de moralité d'un individu ou d'une communauté dans une situation donnée. Parce que la croyance en la sorcellerie et les mauvais esprits est élevée dans tout le Nigeria, ce type d'accusation publique peut instiller la peur chez les gens et les amener à s'amender. Les membres des sociétés secrètes peuvent également agir en tant que juges ou intermédiaires dans les litiges.

Activité militaire. L'armée nigériane se compose d'une armée, d'une marine, d'une force aérienne et d'une force de police. L'âge minimum pour le service militaire est de dix-huit ans.

L'armée nigériane est l'armée la plus importante et la mieux équipée d'Afrique de l'Ouest. En tant que membre de la Communauté économique des États de l'Afrique de l'Ouest (CEDEAO), le Nigéria est le principal contributeur à la branche militaire de l'organisation, connue sous le nom d'ECOMOG. Les troupes nigérianes constituaient la grande majorité des forces de l'ECOMOG déployées pour rétablir la paix après les guerres civiles au Libéria, en Guinée-Bissau et en Sierra Leone. Le mécontentement du public à l'égard de la participation du Nigéria à la crise sierra-léonaise était extrêmement élevé en raison du taux élevé de pertes parmi les soldats nigérians. Le Nigeria s'est engagé à se retirer de la Sierra Leone en 1999, incitant les Nations Unies à envoyer des soldats de la paix pour tenter d'endiguer la violence. Alors que les forces étrangères en Sierra Leone sont désormais sous mandat des Nations Unies, les troupes nigérianes constituent toujours la majorité des casques bleus.

Le Nigeria a un différend frontalier de longue date avec le Cameroun au sujet de la péninsule de Bakasi, riche en minéraux, et les deux pays se sont engagés dans une série d'escarmouches transfrontalières. Le Nigeria, le Cameroun, le Niger et le Tchad ont également un différend frontalier de longue date sur le territoire de la région du lac Tchad, qui a également conduit à des combats transfrontaliers.


Changement constant

Quelle que soit la culture à laquelle appartient un peuple, une chose est sûre, cela changera. "La culture semble être devenue la clé de notre monde interconnecté, qui est composé de tant de sociétés ethniquement diverses, mais aussi criblé de conflits liés à la religion, à l'ethnicité, aux croyances éthiques et, essentiellement, aux éléments qui composent la culture", a déclaré De dit Rossi. "Mais la culture n'est plus figée, si elle l'a jamais été. Elle est essentiellement fluide et constamment en mouvement." Cela fait qu'il est difficile de définir une culture d'une seule manière.

Si le changement est inévitable, le passé doit également être respecté et préservé. Les Nations Unies ont créé un groupe appelé Organisation des Nations Unies pour l'éducation, la science et la culture (UNESCO) pour identifier le patrimoine culturel et naturel et pour le conserver et le protéger. Les monuments, bâtiments et sites sont couverts par la protection du groupe, selon le traité international, la Convention concernant la protection du patrimoine mondial, culturel et naturel. Ce traité a été adopté par l'UNESCO en 1972.

Rapports supplémentaires d'Alina Bradford, contributrice de Live Science


Plutôt qu'un synonyme péjoratif de "absurde", "surréaliste" était destiné à signifier notre accès secret aux vérités universelles

Dans une lettre datée de mars 1917, le dramaturge et critique d'art Guillaume Apollinaire tente de saisir l'essence d'un nouveau ballet d'Erik Satie et Jean Cocteau. «Tout bien considéré», a déclaré Apollinaire à propos de la production de Parade, dans laquelle les artistes se promenaient dans des costumes bizarres et carrés conçus par le peintre cubiste pionnier Pablo Picasso, «je pense en fait qu'il vaut mieux adopter le surréalisme que le surnaturalisme, que j'ai d'abord utilisé."

Apollinaire ferait la promotion de sa frappe du mot «surréalisme» (par lequel il espérait capturer la qualité «visionnaire» du ballet) en l'inscrivant dans les notes de programme, qu'il était invité à écrire. Flottant désormais dans l'air du Paris d'avant-garde, le terme a finalement été repris par des artistes (tels que Salvador Dalí et René Magritte) fascinés par le pouvoir de l'inconscient de produire des images, des symboles et des déclarations qui remplacent les réalités de l'ordinaire. raison et expérience. Plutôt qu'un synonyme péjoratif de « grotesque », « surréaliste » était destiné à signifier notre accès secret aux vérités universelles.

L'artiste français Marcel Duchamp a appliqué le mot « mobile » à une œuvre cinétique d'Alexander Calder en 1931 (Crédit : BBC)

Peu de mots sont aussi mobiles dans leur sens que « mobile ». Sténographie pratique aujourd'hui pour « téléphone mobile », le mot était également une abréviation au 17ème siècle pour l'expression insultante « »mobile vulg', utilisé avec condescendance pour décrire le hoi polloi. Finalement, « mobile », en remplacement de la racaille et de la racaille, a été encore plus compressé en l'insulte que nous utilisons encore aujourd'hui : « mob ».

En 1931, le sculpteur américain Alexander Calder et le pionnier français de l'avant-garde Marcel Duchamp ont ajouté une autre tournure au sens du mot. Ne sachant pas comment appeler ses nouvelles œuvres cinétiques, composées de formes abstraites oscillant avec un équilibre parfait entre des cordes et des fils, Calder a demandé conseil à Duchamp. Duchamp, qui avait déjà choqué le monde 14 ans plus tôt en déclarant un urinoir œuvre d'art, a fait ce que Duchamp a fait de mieux, et s'est réapproprié une construction toute faite en lui donnant une nouvelle tournure. Voila: 'mobile'.

Le mot « mec » s'appliquait à l'origine aux dandys américains – comme Evander Berry Wall, sur la photo – au XIXe siècle (Crédit : Alamy)

Avant il y avait 'frère', il y avait 'mec' : cette adresse informelle qui te tape dans le dos d'une main, te donne un Russe blanc de l'autre, et dit : 'hey, je me suis réveillé à midi aussi, mec' . Au cours des 20 dernières années, la représentation de The Dude par Jeff Bridge dans le film des frères Coen The Big Lebowski (1998) a incarné l'esprit séduisant du dudeness. Ébouriffé, défoncé et désorienté, l'attitude décontractée de The Dude est difficile à concilier avec l'origine artistique du mot lui-même, qui semble être entré dans le discours populaire au début des années 1880 en tant que raccourci pour les adeptes masculins du mouvement esthétique – une vogue artistique de courte durée qui défendait la mode superficielle et la beauté décadente (« l'art pour l'art ») et était associée à des artistes ostentatoirement vêtus tels que James McNeill Whistler et Dante Gabriel Rossetti.

On pense que « mec » est une abréviation de « Doodle » dans « Yankee Doodle », et fait probablement référence au nouveau « dandy » que la chanson décrit. Chantée à l'origine à la fin du XVIIIe siècle par des soldats britanniques désireux de railler les colons américains avec lesquels ils étaient en guerre, la chansonnette, à la fin du XIXe siècle, avait été adoptée aux États-Unis comme un hymne patriotique.

À ce moment-là, une espèce indigène de popinjays méticuleusement sur-stylés avait émergé en Amérique pour rivaliser avec le dandy britannique, et c'est à cette nouvelle race d'esthètes bien habillés que le terme « mec » était attaché. Au fil du temps, les cravates en soie et les pantalons fuselés, les chaussures vernies et les gilets à rayures portés par des partisans de la tendance comme Evander Berry Wall (le mondain de New York qui était surnommé le « roi des mecs ») seraient dépouillés, ne laissant guère plus qu'une attitude contre-culturelle pour définir ce que signifie être un Dude (ou un El Duderino, si vous n'êtes pas dans la brièveté).

Si vous souhaitez commenter cette histoire ou toute autre chose que vous avez vue sur BBC Culture, rendez-vous sur notre Facebook page ou envoyez-nous un message sur Twitter.


L'anxiété de séparation chez les animaux de compagnie

L'anxiété de séparation chez les animaux de compagnie est une réalité et il est important de reconnaître les signes avant-coureurs.

Depuis mars, Covid-19 a obligé la plupart des pays du monde à se mettre en quarantaine chez eux. La majorité des gens ont fini par travailler à domicile pendant près de cinq mois. Cela signifiait que les propriétaires d'animaux étaient constamment avec leurs animaux leur prêtant attention, jouant avec eux, les laissant sortir, etc. Par conséquent, lorsque le monde a lentement commencé à s'ouvrir à nouveau et que les propriétaires d'animaux ont commencé à reprendre des horaires de travail normaux loin de la maison, les propriétaires remarqué une différence dans la façon dont leur animal a agi. De nombreux animaux de compagnie développent une anxiété de séparation, en particulier pendant cette période folle où la majorité des gens étaient coincés à l'intérieur et sortaient à peine de la maison.

L'anxiété de séparation chez les animaux de compagnie peut conduire à :

Mâcher, creuser et détruire

Quelles sont les causes de l'anxiété de séparation :

Un certain nombre de facteurs peuvent provoquer une anxiété de séparation chez les animaux de compagnie. Une raison claire en ce moment est due au covid-19 obligeant les individus à rester à la maison pendant de longues périodes. Ensuite, ces personnes ont pu retourner à leur vie quotidienne en laissant leurs animaux de compagnie pendant de longues périodes. Une autre raison est que certains chiens adoptables peuvent avoir une anxiété de séparation lorsqu'ils sont adoptés pour la première fois parce qu'ils craignent que leur tuteur ne parte. Une autre cause est que si un animal de compagnie subit un changement soudain dans sa routine normale, par exemple covid-19, il peut en retour provoquer chez lui une anxiété de séparation. Sachez que déménager peut également provoquer une anxiété de séparation, donc si votre chien et vous bougez beaucoup, cela peut déclencher une anxiété de séparation chez votre animal de compagnie.

Comment maintenir l'anxiété de séparation :

Si votre animal a un léger cas d'anxiété de séparation, essayez de transformer votre départ en quelque chose d'excitant pour votre animal. Cela peut signifier leur offrir des friandises avant de partir afin qu'ils commencent à associer votre départ à l'obtention d'une friandise. Il peut également être utile de leur laisser des puzzles comme des jouets comme la marque KONG propose des jouets dans lesquels vous pouvez mettre des friandises ou mettre de la nourriture comme du beurre de cacahuète ou du fromage. Ce jouet distraira votre animal pendant un moment, et il recevra une récompense quand ils jouent avec le jouet. Ces jouets essaient de n'offrir qu'à votre animal de compagnie lorsque vous quittez la maison. Cela entraînera votre animal à commencer à profiter du moment où vous partez, car il sait qu'il recevra une récompense.

Si votre animal de compagnie a un cas modéré d'anxiété de séparation, cela peut prendre plus de temps pour qu'il s'habitue à votre départ. Cela signifie prendre le processus de les laisser beaucoup plus lentement. Commencez à ne laisser votre animal de compagnie que pendant de courtes périodes à la fois et continuez à le récompenser. Au fur et à mesure qu'ils commencent à s'y habituer, augmentez la durée de votre absence. Au fil du temps, votre animal de compagnie commencera à reconnaître que vous êtes parti parce qu'il reçoit des récompenses. Pour les chiens très anxieux, surtout lorsqu'ils remarquent que vous mettez des chaussures ou que vous prenez vos clés. Pour ces animaux de compagnie, essayez d'associer ces objets avec vous qui ne partent pas toujours. Essayez d'utiliser ces objets mais ne laissez pas montrer à votre animal qu'il ne doit pas avoir peur de ces objets. Si vous avez un animal de compagnie qui vous suit généralement partout, essayez de faire des choses comme dire à votre chien de s'asseoir et de rester devant la porte de la salle de bain pendant que vous entrez dans cette pièce. Augmentez progressivement le temps pendant lequel vous laissez votre animal de l'autre côté de la porte. Cela forme un animal de compagnie qu'il peut être seul et qu'il ira bien. Ce processus prendra un certain temps, alors restez calme et patient avec votre animal. Ce processus devrait commencer dans une pièce, mais les heures supplémentaires devraient vous permettre de quitter votre maison et de sortir sans que votre animal de compagnie ne le suive. Continuez à surveiller les signes de stress chez votre animal de compagnie, comme faire les cent pas, trembler, haleter, etc. Si l'un de ces signes et d'autres apparaissent, prenez du recul et ralentissez. Au cours de ce processus global, il est important que vous le preniez lentement, alors essayez de ne pas vraiment quitter votre animal de compagnie, ce qui peut être très difficile. Essayez de faire en sorte que quelqu'un comme un ami puisse s'arrêter et être avec votre animal de compagnie ou essayez d'utiliser un service de garderie pour chiens juste pour que votre animal de compagnie ne soit pas totalement seul.

Quelques autres conseils :

Lorsque vous saluez votre animal après son départ, dites-le bonjour calmement, puis ignorez-le jusqu'à ce qu'il commence à rester calme. Même chose pour dire au revoir, restez calme et ne les laissez pas devenir sauvages et fous. Pour les calmer, essayez de leur faire effectuer une tâche qu'ils connaissent comme s'asseoir ou s'asseoir. Une autre astuce consiste à dresser éventuellement votre animal de compagnie. Si votre animal associe sa cage à un endroit sûr, cela peut atténuer son anxiété lorsque vous partez. Il peut également être utile si vous ne mettez pas votre animal dans une caisse pour lui fournir une pièce sûre dans laquelle il se sent généralement le plus à l'aise. Un autre conseil consiste à lui fournir beaucoup de stimulation mentale, comme des friandises et des jouets. Essayez également de donner à votre chien une sorte d'exercice avant de partir tous les jours. Laisser des friandises et de la nourriture cachées à votre animal de compagnie tout au long de la journée le gardera également occupé et diverti. Si aucun des conseils ci-dessus ne vous aide, essayez de demander l'aide d'un professionnel du comportement des animaux de compagnie. Ils seront en mesure de déterminer un régime pour vous aider, vous et votre animal, à aller mieux. Des médicaments peuvent également être nécessaires pour les cas graves, alors parlez à un vétérinaire des différentes options pour votre animal de compagnie.

L'anxiété de séparation peut être courante chez les animaux de compagnie, surtout après l'année que tout le monde a vécue. Recherchez des signes d'anxiété de séparation chez vos animaux de compagnie et notez les différentes façons dont vous pouvez aider votre animal à aller mieux. N'oubliez pas non plus de ne jamais punir votre animal pour tout comportement anxieux. Faites de votre mieux pour ne pas discipliner et utilisez plutôt ces conseils pour éviter de futurs comportements. L'anxiété de séparation peut être maintenue avec patience.


Voir la vidéo: TANTSUKINGAD - Laulupesa ja Shate tantsukooli lapsed (Novembre 2021).